Prohibido contar ovejas

Un viaje sonoro por las míticas creaciones para grupos como R.E.M. o Daft Punk que consolidaron al creador de 'Her' en la cultura pop.

El programa de esRadio Prohibido contar ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica este episodio especial a repasar la trayectoria de uno de los creadores más influyentes del panorama audiovisual contemporáneo: el director estadounidense Spike Jonze. A lo largo de la emisión, se realiza un minucioso viaje sonoro y visual por los videoclips que definieron la estética de los años noventa y principios de los dos mil, consolidando la reputación de Jonze como un genio de la cultura pop y del videoclip musical.

El recorrido comienza con el emblemático tema 100% de la banda de rock alternativo Sonic Youth, extraído de su aclamado álbum Dirty (1992). En este videoclip, que rinde homenaje a un amigo fallecido del grupo, Jonze captura la esencia de la juventud urbana y el mundo del monopatín en Nueva York. A continuación, el programa da paso a Cannonball, el éxito de la banda femenina The Breeders perteneciente a su trabajo Last Splash (1993). Este vídeo, co-dirigido junto a Kim Gordon, destaca por su famosa imagen de una bola de cañón rodando por las calles, un recurso visual sencillo pero con un impacto icónico imborrable.

El año 1994 es clave en la producción de Jonze. El locutor destaca el videoclip de Buddy Holly para la banda Weezer, incluido en su debut homónimo conocido como el Blue Album. En esta pieza maestra de la edición, Jonze integra de manera brillante a los miembros de la banda dentro del decorado original de la mítica serie de televisión de los años setenta Happy Days. El resultado fue una obra de arte nostálgica que no solo arrasó en las listas de éxitos, sino que se convirtió en uno de los vídeos más premiados de la cadena MTV, definiendo una era para el rock alternativo.

Ese mismo año, Jonze también firmó el videoclip de Feel the Pain para la banda Dinosaur Jr., perteneciente al álbum Without a Sound. El vídeo muestra a los músicos jugando al golf en plena ciudad de Nueva York. El presentador aprovecha para reflexionar sobre cómo este tipo de producciones permitieron a las bandas de la época sortear la censura de las televisiones musicales y expandir su mensaje a un público masivo, logrando un equilibrio perfecto entre la rebeldía del underground y las exigencias de la difusión comercial.

La relación creativa de Jonze con los Beastie Boys se analiza a través del inolvidable videoclip de Sabotage, tema estrella de su álbum Ill Communication (1994). Esta obra es una parodia directa de las series policiales de acción de los años setenta, como Starsky & Hutch, donde los músicos encarnan a intrépidos detectives con bigotes y pelucas. Couselo destaca que este trabajo no solo es una de las colaboraciones más divertidas del director, sino que representa un hito absoluto en la historia de la producción videográfica.

En 1995, la banda R.E.M. colaboró con Jonze en el tema Crash with Eyeliner, de su disco Monster. El locutor, confeso admirador de este álbum, describe la particular estética del videoclip, protagonizado por jóvenes japoneses que realizan un enérgico lipsync de la canción. Asimismo, se mencionan otras colaboraciones posteriores entre el director y la formación liderada por Michael Stipe, como el elegante vídeo de Electrolyte, perteneciente a su posterior álbum New Adventures in Hi-Fi, lo que demuestra la versatilidad de Jonze para adaptarse a diferentes propuestas artísticas.

La polifacética Björk también tiene un papel destacado en el programa gracias a It's Oh So Quiet, del álbum Post (1995). Este videoclip es una de las producciones más coloridas de Jonze, concebida como un tributo a los grandes musicales clásicos de Hollywood de mediados del siglo XX. La espectacular coreografía y el uso expresivo del color convirtieron este trabajo en un éxito internacional incontestable. Además de este tema, Couselo recuerda que Jonze volvería a colaborar con la artista islandesa en otros proyectos visuales, como Triumph of a Heart (del disco Medúlla) o It's in Our Hands, afianzando una alianza creativa única.

La música electrónica y de club tiene su espacio con Daft Punk y su icónico tema Da Funk, perteneciente al álbum Homework (1997). En este vídeo, un actor disfrazado de perro antropomórfico camina por las calles de Nueva York cargando un radiocasete gigante, lo que sirve como metáfora de la alienación urbana. Además, Couselo repasa otras incursiones del director en géneros cercanos como el hip-hop, destacando su trabajo con el grupo The Pharcyde en el tema Drop, donde empleó la técnica de grabar la acción al revés para crear un efecto visual asombroso.

Otro de los momentos cumbres del programa llega al recordar Praise You de Fatboy Slim (1998). El locutor narra la divertida anécdota de cómo surgió este videoclip: Jonze envió una grabación casera de él mismo bailando para convencer al músico Norman Cook de realizar una coreografía en formato de flash mob. Grabado con cámara en mano y sin permisos frente a un cine de Los Ángeles, Jonze interpreta al líder de un grupo de baile aficionado. Esta obra de bajo presupuesto y espíritu gamberro se coronó como una de las más ingeniosas del director, quien también firmaría para el mismo artista el celebrado Weapon of Choice, protagonizado por el actor Christopher Walken en un inolvidable vuelo dancístico.

Felipe Couselo no olvida mencionar la exitosa transición de Spike Jonze hacia la dirección cinematográfica comercial. El locutor repasa las cuatro películas que componen su filmografía como director: la aclamada Being John Malkovich (1999) y la brillante Adaptation (2002), ambas con guiones del genial Charlie Kaufman; la poética adaptación del clásico de la literatura infantil Where the Wild Things Are (2009); y la premiada Her (2013), protagonizada por Joaquin Phoenix. Estas obras cinematográficas demuestran que la visión artística de Jonze trasciende el formato breve y es capaz de construir relatos cinematográficos profundos y memorables.

El programa concluye rescatando otras joyas del director, como el melancólico videoclip de Guess I'm Doing Fine de Beck, del álbum Sea Change (2002); el enérgico Car Song de la banda de britpop Elastica (1995); el controvertido y oscuro vídeo para el tema Y Control de Yeah Yeah Yeahs (2004); y la impresionante propuesta visual de The Suburbs para Arcade Fire (2010), que formó parte de un cortometraje homónimo del propio realizador. Finalmente, el espacio despide la emisión con el potente Electrobank de The Chemical Brothers (1997), perteneciente al álbum Dig Your Own Hole, cerrando así un exhaustivo y nostálgico homenaje a la figura de un director imprescindible para entender la evolución del videoclip moderno.

El programa de Felipe Couselo aborda la vuelta de Cancer Bats, el proyecto de Ed O’Brien y el inclusivo Festival Visibles de artes escénicas.

En esta nueva edición de Prohibido contar ovejas, el magacín nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, el equipo comienza con una distendida charla sobre tecnología y ergonomía móvil. Pronto, la conversación se desvía hacia la creciente presencia de la inteligencia artificial en las llamadas comerciales, analizando con humor cómo estas tecnologías automatizadas intentan gestionar portabilidades de suministros básicos sin que el usuario se percate de que habla con una máquina.

En el plano musical, se analiza el proyecto en solitario de Ed O’Brien, guitarrista de la mítica banda Radiohead, quien presenta su disco Bloom Morfo. El equipo describe el estilo como una sugerente mezcla de electrónica lírica y optimismo melancólico, alejándose de los senderos más sombríos de su banda principal para ofrecer una propuesta luminosa y esperanzadora.

El programa continúa con el repaso a la actualidad de la banda canadiense Cancer Bats, que regresa con fuerza gracias al tema Stay Stuck, un adelanto de su próximo trabajo de estudio, Give Me Dirt. Dani Palacios destaca la energía desbordante de este grupo de metal y punk, liderado por Liam Cormier, y anuncia las fechas de su inminente gira por España, que recalará en ciudades como Barcelona, Castellón y San Feliu de Guíxols.

La veteranía llega de la mano de los incombustibles Deep Purple, quienes preparan el lanzamiento de su vigésimo cuarto álbum de estudio, titulado provisionalmente Splat. Con la incorporación del virtuoso Simon McBride a la guitarra y la producción del legendario Bob Ezrin, el grupo demuestra que quien tuvo, retuvo, manteniendo una calidad de producción excelsa que entusiasmará a los amantes del hard rock clásico.

Dani Palacios también presenta a Gang, una misteriosa formación de punk-rock alternativo cuyos integrantes ocultan su rostro bajo pasamontaños verdes y que acaban de lanzar el sencillo Super Saiyan. A continuación, el debate gira hacia el hip-hop nacional con Galería, una colaboración entre Elio Toffana, Dano y el canario Bejo, perteneciente al aclamado álbum Grávitas, donde se resalta la particular estética y el provocativo diseño gráfico que caracteriza la iconografía de Bejo.

Cerramos el bloque de novedades musicales con la polifacética Nathy Peluso y su reciente lanzamiento Grasa. En esta ocasión, el programa destaca la remezcla electrónica realizada por el prestigioso productor británico Mura Masa en el recopilatorio Club Grasa, una propuesta de ritmos rotos y electrónica tribal muy bailable que no deja indiferente al oyente.

En la sección de artes escénicas, se pone en valor la inauguración del Festival Visibles en Madrid, un evento dedicado por entero a promover la inclusión real de las personas con discapacidad en el teatro, la danza y la música. Con obras como Espasity, El Placer También o Si no dos, el certamen aboga por normalizar la diversidad funcional sobre las tablas, un loable esfuerzo que busca la accesibilidad universal en el ámbito cultural.

En el apartado cinematográfico, Juanma González analiza el esperado regreso de la saga galáctica a la gran pantalla con la película The Mandalorian & Grogu, dirigida por Jon Favreau. En un certero análisis que sintoniza con la crítica a la deriva ideológica de las grandes corporaciones, se describe cómo el universo de Star Wars sufre actualmente una profunda división interna debido a los bandazos creativos de Disney y su obsesión por imponer agendas políticamente correctas en detrimento de la aventura clásica.

Frente a este panorama desalentador, el equipo destaca la figura de Dave Filoni como el verdadero guardián de las esencias de la franquicia gracias a sus sobresalientes trabajos de animación en Clone Wars y Rebels. El análisis recalca la necesidad de recuperar el espíritu del western espacial y la mística original de George Lucas para salvar a la saga de un declive comercial irreversible.

La sección de efemérides conmemora el aniversario de dos hitos fundamentales de la historia de la música popular: la publicación del trascendental álbum What's Going On de Marvin Gaye en 1971 y la grabación de la mítica Maybellene por Chuck Berry en 1955. Asimismo, se celebra el 67º cumpleaños del icónico Morrissey, rememorando su etapa al frente de The Smiths con himnos imperecederos como There Is a Light That Never Goes Out y This Charming Man.

Finalmente, el programa echa el cierre recordando el éxito de Paul McCartney con su banda Wings y la imperecedera Silly Love Songs, que alcanzó el número uno en las listas estadounidenses hace exactamente cincuenta años. El programa despide la emisión reflexionando sobre el poder curativo de las canciones de amor y el legado optimista de la música pop frente a los cinismos de la época contemporánea.

Repasamos cinco series musicales que combinan elementos reales con la ficción, analizando su impacto y la recepción por parte de los seguidores.

En esta entretenida sección de radio, los colaboradores abordan el indiscutible auge de los biopics y de las producciones que giran en torno a la industria de la música, motivados por los recientes éxitos de taquilla y el interés continuo del público en las vidas de sus artistas favoritos. La presentadora, Alma, junto a sus compañeros Juanma y Felipe, dedican estos minutos a repasar cinco series musicales destacadas que combinan elementos reales con la ficción, analizando su impacto y la recepción por parte de los seguidores más fieles.

La primera producción analizada es Luis Miguel: La serie, disponible en la plataforma Netflix. Esta serie de tres temporadas, estrenada en 2018, supuso un auténtico fenómeno de masas al destapar la turbulenta vida del famoso cantante mexicano. Los locutores comentan cómo la telerrealidad supera a la ficción en este caso, mostrando aspectos tan dramáticos como su infancia explotada, la misteriosa desaparición de su madre, la implacable presión ejercida por su padre y sus sonados romances. Destacan también el minucioso trabajo de interpretación y caracterización del actor Diego Boneta, quien pasó años preparándose para asumir el papel del icónico artista y logró recrear de forma fidedigna tanto su voz como sus ademanes físicos.

La segunda recomendación es Daisy Jones & The Six, que se puede disfrutar en el catálogo de Prime Video. La historia narra el ascenso y la estrepitosa caída de una banda de rock en los años setenta, un argumento profundamente inspirado en las dinámicas internas del grupo de rock real Fleetwood Mac, especialmente en la relación entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham durante la accidentada grabación de su álbum de culto Rumours. Los colaboradores bromean sobre la presencia constante de drogas, alcohol, tensiones amorosas y disputas de ego entre los integrantes de la banda de ficción, elementos que también marcaron de forma trágica a las leyendas del rock en la vida real.

A continuación, el programa pone el foco sobre Pistols, una serie emitida en Disney+ bajo la notable dirección del cineasta Danny Boyle. Esta serie retrata los inicios del movimiento punk a través de la controvertida historia de los Sex Pistols, relatada desde la particular perspectiva de su guitarrista, Steve Jones. Alma señala que, a diferencia de otras producciones que han recibido duras críticas por parte de los seguidores del grupo, esta entrega fue bien acogida a pesar de plasmar de forma explícita el caos, la rebeldía, el consumo desenfrenado de sustancias y las provocaciones constantes que caracterizaban a la mítica banda londinense.

En cuarto lugar, se menciona Mozart in the Jungle, protagonizada por el actor mexicano Gael García Bernal en el papel de un excéntrico director de orquesta. Esta aclamada comedia dramática de Prime Video sumerge al espectador en el competitivo e intrigante universo de la música clásica en Nueva York, tomando como punto de partida las memorias escritas por la oboísta Blair Tindall. La serie fue objeto de opiniones encontradas: mientras algunos miembros del ámbito académico y musical elogiaron el retrato de las rivalidades y pasiones internas, otros criticaron ciertas exageraciones argumentales del guion.

Por último, los presentadores cierran la lista con la serie dramática Empire, centrada en un imperio discográfico especializado en música hip-hop. La trama, protagonizada por Terrence Howard en el papel de Lucious Lyon, explora las feroces disputas familiares por el control de la compañía, así como las luchas de egos de los artistas del género. A lo largo de sus temporadas, la producción contó con numerosos cameos de estrellas reales de la industria musical y destacó por su vibrante banda sonora, ofreciendo un reflejo de las complejas dinámicas de poder que mueven los hilos del negocio de la música a nivel internacional.

De 'Lost in Translation' a 'Huevos de oro', Dani Palacios analiza las escenas musicales más icónicas de la gran pantalla.

El equipo del programa radiofónico de Onda Cero comienza la conversación de manera muy distendida, bromeando sobre la higiene personal, las fragancias corporales y patrocinadores ficticios como la crema depilatoria Donallo. Tras este preámbulo humorístico, el colaborador Daniel da paso a su sección dedicada a la historia del karaoke en el cine. Daniel explica que, lejos de ser un mero entretenimiento de fondo, cantar frente a una pantalla con la letra de una canción ha funcionado a menudo como un recurso narrativo clave en la gran pantalla. A través de este recurso, los directores logran retratar la vulnerabilidad, la locura o el romanticismo de sus personajes de una manera directa y sumamente eficaz para el espectador.

El repaso comienza con la película Duets, dirigida por Bruce Paltrow, un largometraje que se sumerge por completo en el mundo competitivo del karaoke a través de varias tramas cruzadas. En esta cinta destaca la interpretación que realizan Gwyneth Paltrow y Huey Lewis del clásico de Smokey Robinson, Cruisin', una de las canciones más icónicas de la banda sonora de la película, que también incluye versiones de temas célebres como Bette Davis Eyes. Asimismo, el presentador alude de pasada a la comedia Balls Up, en la que Mark Wahlberg y Paul Walter Hauser sorprenden al público con una interpretación musical inesperada de la conocida canción de Gotye, Somebody That I Used to Know, permitiendo a los tertulianos bromear sobre el pasado como rapero de Wahlberg y su actual obsesión por la vida sana y el ejercicio físico.

La siguiente parada del recorrido se detiene en The Cable Guy, conocida en España como Un loco a domicilio. Dirigida por Ben Stiller, la película ofrece un momento inolvidable gracias a la desbocada energía de Jim Carrey interpretando un clásico del rock psicodélico: Somebody to Love de la mítica formación Jefferson Airplane. Los colaboradores aprovechan este punto para repasar detalles históricos de la banda, como los trágicos incidentes del concierto de Altamont, añadiendo contexto histórico musical a la charla. Seguidamente, se analiza una de las escenas de karaoke más famosas de la comedia romántica en My Best Friend's Wedding (La boda de mi mejor amigo). En ella, el personaje de Julia Roberts orquesta una humillación fallida contra su rival amorosa, interpretada por Cameron Diaz, obligándola a cantar I Just Don't Know What to Do with Myself; sin embargo, la honestidad y falta de talento de esta última terminan por ganarse el cariño de todos los presentes.

El análisis prosigue con Lost in Translation, la aclamada película de Sofia Coppola, donde Bill Murray regala al cine contemporáneo una de sus escenas más íntimas y delicadas al cantar la melancólica More Than This de Roxy Music frente a Scarlett Johansson. Este momento sirve de catalizador para que una de las tertulianas recuerde su propia experiencia cantando en locales de Tokio y reflexione sobre el choque cultural que supone el karaoke en Japón, donde las salas acristaladas que dan a la calle convierten el canto aficionado en un espectáculo público cargado de euforia. Con un tono igualmente romántico pero de corte más indie, Daniel destaca también 500 Days of Summer (500 días juntos), donde Joseph Gordon-Levitt utiliza el tema Here Comes Your Man de The Pixies para canalizar el enamoramiento de su personaje.

La sección da un giro sorprendente al vincular la música con el género de terror y suspense en la película I Know What You Did Last Summer (Aún sé lo que hicisteis el último verano). En ella, el personaje de Jennifer Love Hewitt interpreta la famosa canción de Gloria Gaynor, I Will Survive, ignorando que el asesino ha hackeado el apuntador de la pantalla para dejarle un mensaje amenazante en tiempo real. En el extremo opuesto de la escala emocional, los colaboradores alaban la enorme carga emocional de una escena de la película espacial Proxima (mencionada de forma errónea en el programa como Proyecto Salvación), en la que la actriz francesa Eva Green canta Sign of the Times de Harry Styles en una íntima fiesta de despedida antes de partir en una arriesgada misión hacia el espacio exterior.

Finalmente, el programa rinde homenaje al cine español rescatando la película de Bigas Luna Huevos de oro, protagonizada por un magnético Javier Bardem. Ataviado con un bañador y una americana con estampado de leopardo, el personaje de Bardem canta al oído de Maribel Verdú y Maria de Medeiros el emblemático tema de Julio Iglesias Por el amor de una mujer, en un derroche de testosterona característico de la filmografía de su director. Los locutores concluyen la sección entre risas, planteando futuras temáticas que exploren otros arquetipos clásicos de la música en la pantalla, como los personajes que cantan en la ducha, las serenatas de balcón o las actuaciones de las mujeres fatales del cine negro.

De 'Critters 2' a 'Spider-Man 2', Juanama González desgrana los aciertos de aquellas secuelas que lograron eclipsar a las películas iniciales.

En este fragmento de audio, los colaboradores de un programa de radio, entre los que se encuentran Juanma, Felipe e Isaac, abren un interesante debate sobre aquellas secuelas cinematográficas que han logrado superar a sus obras originales. El punto de partida de la conversación es Critters 2, una película de bajo presupuesto que, a juicio de los tertulianos, supo potenciar el humor y el gamberrismo de la primera entrega de Critters. Durante la charla, recuerdan con nostalgia la época de los videoclubes y destacan la dirección de Mick Garris, un realizador muy querido dentro del cine de terror en los Estados Unidos, célebre por sus adaptaciones de las novelas de Stephen King, a pesar de que algunas de ellas resultaron fallidas.

El diálogo avanza hacia una de las producciones más exitosas de los últimos años: Top Gun: Maverick. Todos los participantes coinciden de manera unánime en que esta continuación supera con creces a la Top Gun original de Tony Scott. Los colaboradores explican que el gran acierto de la película radica en que no sitúa el romance como el motor principal de la historia, sino que se centra en una búsqueda personal de redención del protagonista. Entre risas, bromean sobre la fuerte tensión homoerótica que caracterizaba a la cinta de los años ochenta y debaten con pasión sobre cuál de las dos películas tiene la escena deportiva playera más icónica, si el partido de voleibol clásico o el nuevo juego de fútbol americano al ritmo de la canción Playing with the Boys.

Posteriormente, el grupo analiza Bad Boys II, conocida en España como Dos policías rebeldes 2. Los locutores coinciden en que este filme de Michael Bay es una secuela absolutamente desatada y políticamente incorrecta, que rompe con cualquier tipo de decoro cinematográfico. Con un colosal presupuesto de 140 millones de dólares, la película representa el exceso más puro de Hollywood, algo que los tertulianos celebran. Destacan la genial interpretación del actor español Jordi Mollà en el papel de un mafioso cubano, el excelente doblaje al castellano de Martin Lawrence y Will Smith, y las espectaculares y absurdas secuencias de acción, en especial la persecución en la autopista y los tiroteos que bordean el absurdo.

La siguiente parada en el análisis de las grandes secuelas es Evil Dead II, titulada en España como Terroríficamente muertos y dirigida por Sam Raimi. Los tertulianos califican esta obra como una genialidad que explota de forma magistral los recursos visuales y sonoros del cine. Resaltan la soberbia actuación física de Bruce Campbell, a quien comparan con mitos de la comedia como Charlie Chaplin debido a su capacidad para gesticular y realizar acrobacias slapstick, como en la célebre escena donde lucha contra su propia mano poseída. Asimismo, debaten sobre la naturaleza de la película, que funciona simultáneamente como secuela y como un sofisticado remake cómico de la cinta original, Posesión infernal, consagrándose como una de las cumbres de la comedia de terror.

El cine de acción y espionaje tiene su espacio con la disección de The Bourne Supremacy, conocida en el mercado hispanohablante como El mito de Bourne, la secuela de The Bourne Identity (El caso Bourne). Los analistas examinan cómo el director Paul Greengrass revolucionó la industria de Hollywood al implementar una estética de cámara en mano y un montaje frenético heredado del cine documental, conocido popularmente como shaky-cam. Esta decisión técnica, sumada a la excelente dirección de segunda unidad de Dan Bradley, redefinió por completo el cine de acción de la era posterior al 11 de septiembre, influyendo en innumerables películas posteriores a través de secuencias tan memorables como la persecución automovilística por las calles de Moscú.

Para cerrar la sección, los locutores dedican un análisis pormenorizado a Spider-Man 2 (2004), también de Sam Raimi. Destacan la profundidad psicológica con la que se aborda la crisis de identidad de Peter Parker, quien llega a perder temporalmente sus poderes debido al estrés emocional y existencial que sufre. Los colaboradores elogian la imponente interpretación de Alfred Molina como el Doctor Octopus y la espectacularidad de la icónica escena del tren. En contraste, lamentan la deriva que tomó la franquicia en Spider-Man 3 por la excesiva interferencia de los productores y la acumulación innecesaria de villanos, lo que resalta aún más la perfección de la segunda entrega dentro del cine de superhéroes.