Prohibido contar ovejas

Brujas, hechizos y ocultismo regresan con Ella Fitzgerald, Rush, Eagles, Radiohead o Jeff Buckley en un recorrido mágico por décadas de música.

El espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, dedicó su entrega número 432 a continuar el especial sonoro dedicado al universo de la brujería y los hechizos musicales. Con la llegada del mes de octubre y las vísperas de la temporada de Halloween, el programa reunió una ecléctica selección de canciones de diversas épocas y géneros que abordan la figura de las brujas, el ocultismo, la fascinación amorosa vista como embrujo y las histerias colectivas.

La velada comenzó con la elegancia del jazz clásico a través de la interpretación de Ella Fitzgerald de That Old Black Magic. Esta célebre composición de Johnny Mercer y Harold Arlen, popularizada originalmente en los años cuarenta por Glenn Miller, expone la metáfora del enamoramiento como posesión mágica ineludible. A continuación, el programa dio un giro sonoro radical hacia el punk rock californiano de The Offspring con Dirty Magic, pieza perteneciente a su álbum Ignition de 1992 que describe el desgaste y la dependencia destructiva dentro de una relación tóxica tratada como hechicería oscura.

El viaje continuó hacia los territorios del post-punk y el rock gótico con Siouxsie and the Banshees y su clásico Spellbound, tema central del disco Juju publicado en 1981. La canción sumerge al oyente en un trance hipnótico e inquietante, capturando el misterio de fuerzas que escapan al control de la voluntad humana. Poco después, el rock británico de The Cult se hizo presente con The Witch, canción grabada en 1992 para la banda sonora de la película de animación e imagen real Cool World, ofreciendo un sonido denso y psicodélico característico de la formación liderada por Ian Astbury y Billy Duffy.

La temática adquirió un matiz reflexivo y social de la mano del trío canadiense Rush y su tema Witch Hunt, corte perteneciente a la obra maestra Moving Pictures de 1981. Como parte de su trilogía conceptual sobre el miedo, la banda utiliza la clásica persecución inquisitorial como alegoría de la histeria colectiva y el linchamiento moral propiciado por masas manipulables e intolerantes. Acto seguido, John Fogerty aportó un tono festivo y pantanoso con Wicked Old Witch, corte de su álbum Deja Vu All Over Again de 2004, inspirado en el clásico cinematográfico El mago de Oz y la fascinación infantil de su propia hija por el personaje de la bruja.

El rock clásico estadounidense continuó con Eagles y su célebre éxito Witchy Woman, extraído de su álbum debut de 1972. Escrita por Don Henley y Bernie Leadon, la composición retrata el influjo magnético y seductor de una mujer enigmática y peligrosa, inspirada tanto en figuras reales de su entorno como en la personalidad atormentada de Zelda Fitzgerald. Por su parte, la banda británica de rock progresivo Jethro Tull aportó un aire medieval con The Witch’s Promise, relato en el que un hombre cae embaucado por las falsas promesas de amor de una hechicera del bosque.

El bloque final exploró los rincones más densos y contemporáneos de esta temática. Rob Zombie evocó los procesos de Salem de finales del siglo XVII en American Witch, tema de su trabajo Educated Horses de 2006 que homenajea a las víctimas ejecutadas y sirvió de antesala para sus posteriores proyectos cinematográficos. Asimismo, Uriah Heep ofreció su mística balada The Wizard, procedente del álbum Demons and Wizards de 1972, donde se representa el encuentro iniciático con un mago sabio que combate la oscuridad.

Para cerrar la emisión, Radiohead compareció con Burn the Witch, tema de apertura de A Moon Shaped Pool publicado en 2016. La composición emplea una tensa instrumentación de cuerda para denunciar la paranoia social contemporánea y la censura al pensamiento discrepante. Finalmente sonaron The Kinks con Wicked Annabella, perteneciente a su aclamado disco de 1968, y el añorado Jeff Buckley con Witches’ Rave, rescate póstumo de sus sesiones inconclusas que condensó una vez más la turbadora frontera entre la pasión romántica y el maleficio.

Brujas, hechizos, vudú y pócimas recorren la historia del rock en un viaje musical por algunas de sus canciones más oscuras y misteriosas.

El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, inaugura las emisiones especiales del mes de octubre dedicadas a la temática de Halloween. En esta entrega, el espacio radiofónico explora la presencia de la brujería, los hechizos y el misticismo en la historia de la música popular, recorriendo diferentes épocas y estilos que abarcan desde el rhythm and blues primigenio y el garage rock hasta el hard rock, el folk psicodélico y el heavy metal.

La velada musical arranca con la voz de Nina Simone interpretando su clásica versión de I Put a Spell on You, una composición original de Screamin' Jay Hawkins donde se aborda la idea del enamoramiento como una posesión sobrenatural. A continuación, el programa se traslada a los orígenes del garage rock con The Sonics y su sencillo de finales de 1964, The Witch. Escrita e interpretada por Gerry Roslie, la pieza advertía sobre una peligrosa mujer de melena negra asociada al mal y a las sombras, consolidándose como una de las grabaciones pioneras del rock más crudo y enérgico de la escena de Tacoma.

El misticismo latino llega de la mano de Santana y su emblemática versión de Black Magic Woman, incluida en el álbum Abraxas de 1970. Couselo recuerda que este clásico fue compuesto originalmente en 1968 por Peter Green para Fleetwood Mac, inspirándose en su pareja de entonces. Carlos Santana reinterpretó la composición combinándola con Gypsy Queen y dotándola de ritmos latinos y blueseros, logrando un éxito arrollador en las listas norteamericanas que consolidó su fusión de rock y espiritualidad.

El lado más sombrío y reflexivo de la persecución de brujas queda plasmado con Queens of the Stone Age y su tema Burn the Witch, perteneciente al álbum Lullabies to Paralyze (2005). La letra utiliza los juicios de Salem como una metáfora ante el señalamiento público tras la polémica salida del bajista Nick Oliveri, contando con aportaciones de lujo como Mark Lanegan y Billy Gibbons de ZZ Top. Seguidamente, el tono humorístico lo aporta The Clovers con Love Potion No. 9, escrita por el tándem Jerry Leiber y Mike Stoller en 1959, relatando la historia de un joven desafortunado que acude a la gitana Madame Rue para conseguir un filtro de amor infalible con inesperadas consecuencias.

El recorrido continúa con Donovan y su célebre Season of the Witch (1966), tema representativo del folk psicodélico que capturó la creciente paranoia social y el clima de alienación de finales de los años sesenta. La atmósfera se traslada luego a los pantanos y al vudú de Nueva Orleans con dos piezas fundamentales: primero, el chamánico Gris-Gris Gumbo Ya Ya (1968) de Dr. John, quien se presenta como un sanador tradicional cargado de talismanes y remedios curativos; y después, The Witch Queen of New Orleans (1971) de Redbone, un homenaje funk rock dedicado a la célebre reina del vudú Marie Laveau.

En el tramo dedicado a las figuras femeninas dotadas de un aura sobrenatural, destaca Rhiannon (1975) de Fleetwood Mac, compuesta por Stevie Nicks inspirándose en la diosa de la mitología galesa. Asimismo, Kate Bush recrea el terror de los juicios acuáticos medievales en la vanguardista Waking the Witch, perteneciente a su aclamado Hounds of Love (1985), mientras que Florence + The Machine explora la condena y el dolor emocional en Which Witch, desatando una interpretación vocal catártica y poderosa.

Para culminar el programa, Iron Maiden aporta la fuerza del heavy metal conceptual con Moonchild, tema apertura del álbum Seventh Son of a Seventh Son (1988), fuertemente influido por las obras de Aleister Crowley y la literatura fantástica. La despedida corre a cargo de Cream y su mítico Strange Brew, perteneciente a Disraeli Gears (1967), cerrando una selección dedicada a las pócimas, brujas y leyendas que han marcado la historia del rock.

Un acuerdo por una batería Ludwig en 1963 propició la creación del famoso sello gráfico del cuarteto de Liverpool por apenas cinco libras.

En esta nueva entrega de los espacios culturales de esRadio, los presentadores nos proponen un viaje en el tiempo para descubrir los entresijos de uno de los símbolos más icónicos de la historia de la música contemporánea: el logotipo de la célebre banda británica The Beatles. A través de una amena recreación dramatizada, el programa nos traslada al vibrante Londres de la década de los sesenta para desvelar cómo un encuentro fortuito en una tienda de música cambió para siempre la identidad visual del grupo de Liverpool.

La acción nos sitúa concretamente en el mes de abril de 1963, un periodo en el que la joven formación musical comenzaba a saborear las mieles del éxito tras el arrollador impacto de su sencillo Please Please Me. Con la necesidad de renovar su equipo de cara a los exigentes compromisos que se avecinaban, el representante del grupo, Brian Epstein, acompañado por el carismático batería Ringo Starr, decidió visitar el popular establecimiento de instrumentos musicales Drum City, ubicado en la conocida calle Shaftesbury Avenue.

El dueño del comercio, Ivor Arbiter, un especialista en percusión que había inaugurado su tienda a finales de los años cincuenta, recibió a los clientes sin imaginar que estaba a punto de participar en un hito histórico. Ringo Starr quedó de inmediato prendado de una batería de la marca Ludwig, modelo Downbeat, que destacaba por un elegante acabado en color perla oscuro. El precio del instrumento ascendía a la considerable cifra de 238 libras, lo que dio pie a una singular negociación económica liderada por el astuto mánager de la banda.

Haciendo gala de su gran visión comercial, Brian Epstein argumentó que la popularidad de The Beatles estaba creciendo de forma desmesurada y que la exposición de la marca en sus actuaciones supondría una campaña de publicidad incalculable para el negocio. Aunque Arbiter se negó en redondo a regalar el instrumento de forma gratuita, propuso un ventajoso intercambio: se quedaría con la vieja batería Premier de Ringo como parte del pago, siempre y cuando el logotipo de la marca Ludwig permaneciera intacto y bien visible en el bombo de la nueva adquisición.

Epstein aceptó de buen grado el trato, pero añadió una condición indispensable: el nombre del grupo también debía figurar de forma prominente en el parche del tambor principal. En aquel momento, la banda carecía de una seña de identidad gráfica definida, más allá de unos sencillos esbozos amateur realizados previamente por Paul McCartney. Por la módica cantidad de cinco libras, Arbiter se comprometió a diseñar un logotipo exclusivo que cumpliera con las expectativas del mánager, quien insistió especialmente en que se resaltara la palabra beat para hacer un juego de palabras con el ritmo musical.

Fue así como nació el famoso diseño de la tipografía con la letra B sobredimensionada y la letra T alargada hacia abajo, conocido mundialmente como el estilo drop-T. El rótulo original fue plasmado a mano por el artista local Eddie Stokes en el bombo de la batería de Ringo Starr, debutando oficialmente en los escenarios poco después. A lo largo de la trayectoria en activo de la formación hasta su separación definitiva en el año 1970, el parche del bombo lució hasta siete variaciones diferentes de este diseño, adaptándose a las diferentes giras y necesidades de la banda.

No fue hasta el año 1994, coincidiendo con el lanzamiento del recopilatorio Past Masters, cuando la compañía discográfica de la banda, Apple Corps, decidió unificar todas las versiones existentes en un único diseño definitivo, que es el que actualmente reconoce todo el mundo. De regreso al estudio de esRadio, los locutores comentaron con humor los detalles de esta dramatización histórica, alabando el excelente trabajo del equipo de actores de doblaje y compartiendo anécdotas sobre otras colaboraciones en las que la música y el entretenimiento se dan la mano.

Música alternativa, teatro comprometido contra el suicidio y una recreación sobre The Beatles marcan la última entrega del espacio de esRadio.

Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducido por Felipe Couselo acompañado por su equipo habitual de colaboradores, arrancó con el particular tono desenfadado que caracteriza al programa, repasando anécdotas culturales, cinematográficas y del mundo del cómic. En esta ocasión, los contertulios bromearon sobre la ausencia de Juanma González y debatieron acerca de adaptaciones emblemáticas como las obras de Alan Moore, recordando películas de culto como Sin City o la controvertida traslación a la pantalla de Watchmen.

En el apartado de novedades musicales alternativas, el espacio dedicó tiempo a descubrir y analizar proyectos internacionales y emergentes. Se destacó la propuesta descarnada y fronteriza de artistas como la australiana Spike Fuck y el dúo suizo-ecuatoriano Hermanos Gutiérrez, célebres por su atmósfera de western instrumental andino reflejada en su reciente producción Los Ojos del Cóndor. Asimismo, se presentó a la enérgica banda británica Adult DVD, exponente del llamado dance-punk, lo que derivó en una divertida apuesta entre los colaboradores sobre las cifras de reproducciones del grupo en plataformas digitales, aderezada con promesas culinarias de torreznos y focaccia.

El repaso sonoro continuó con el contundente rock tejano de Blacktop Mojo y con la música electrónica de club y sintetizador. En este ámbito brillaron los sonidos del proyecto francés General Elektriks y la utilización del mítico sintetizador de bajos Roland TB-303 en la colaboración entre Axel Boman y Superpitcher. Además, hubo hueco para la producción interna con el nuevo tema del grupo Sweet Mapache, proyecto liderado por Víctor Hernández, técnico de sonido de la casa, que presentó su bailable sencillo Tus Iniciales.

Por su parte, Alma Espinosa acercó la recomendación teatral de la semana poniendo el foco en la obra Ayer intenté suicidarme, una producción escrita por Diego Da Costa y Julio Viñuela que se representa en la sala Bululú de Madrid. El montaje aborda con sensibilidad y valentía el drama del suicidio, una realidad frecuentemente silenciada en el debate social. A través de cuatro monólogos entrelazados correspondientes a la víctima, su pareja, un familiar y una perspectiva comunitaria, la obra busca romper estigmas y servir como ejercicio de catarsis y reflexión sobre la salud mental.

En el tramo central de la emisión, el programa conectó con David Salamanca, organizador del Galán Fest de Pedrajas de San Esteban (Valladolid), que celebra su décimo aniversario. Junto al periodista Roberto Martínez, repasaron el cartel del festival, que reúne a formaciones como Monóxido, Saragüe 84 o The Fix Trío, e hicieron un sentido homenaje a la memoria de Moll, histórico técnico de sonido y pieza indispensable en la trayectoria del certamen, recientemente fallecido.

Para concluir la noche, el programa emitió una divertida dramatización radiofónica titulada Vaudeville of Hill, guiada por Alicia Parente, en la que se recreó el curioso origen del logotipo de The Beatles. La pieza relató cómo en abril de 1963 el mánager Brian Epstein y Ringo Starr acudieron a la tienda londinense Drum City de Ivor Arbiter para adquirir una batería Ludwig, momento en el que, para cerrar el trato comercial, se improvisó por apenas cinco libras el diseño de la célebre tipografía con la letra te alargada.

Con Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban

Con la ayuda de Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban (Valladolid) el sábado 3 de Octubre.

Line-up completo:
The Fixed Trio
Yo Somos
Love Feroz
Sarajevo’84
Zero Azúcar
Monóxido
Intronauta DJ