Prohibido contar ovejas

Nat Simons presenta Pregúntale a Sarah Connor: guitarras afiladas, pulso clásico y alma salvaje en su disco más valiente.

En una entrevista vibrante y cargada de autenticidad, la artista Nat Simons ha presentado su trabajo discográfico más ambicioso hasta la fecha: Pregúntale a Sarah Connor. Acompañada por su productor y colaborador habitual, Alex Muñoz, la cantante madrileña desgrana un álbum que supone un punto de inflexión en su trayectoria, marcando el inicio de una etapa donde las guitarras afiladas y el pulso del rock más clásico toman el protagonismo. Durante la charla, se destaca que este disco representa la consolidación de su identidad artística, alejándose de etiquetas previas para abrazar un sonido mucho más salvaje y personal.

El álbum, que es el quinto en la carrera de la artista, nace de un proceso de búsqueda interior y de la necesidad de despojarse de prejuicios. Nat Simons explica que, tras años de explorar diferentes estilos, ha encontrado su verdadera esencia musical en este proyecto, donde ha primado la honestidad por encima de las modas pasajeras. Esta apuesta por la independencia creativa se ha visto reflejada también en su modelo de gestión, ya que la artista ha prescindido de grandes sellos y agencias de management para conectar directamente con un público que ha respondido con un apoyo incondicional.

Uno de los aspectos más destacados de la grabación fue la estancia en Nashville, donde Simons pudo trabajar con figuras de la talla de Gary Louris, líder de The Jayhawks. La experiencia en Estados Unidos aportó al disco una calidad técnica excepcional, contando con músicos que han colaborado con leyendas como Bruce Springsteen o Sheryl Crow. El resultado es una obra que respira el aire de las producciones americanas pero con un alma profundamente española, logrando un equilibrio perfecto entre la excelencia técnica y la calidez interpretativa.

Durante la sesión en directo, Nat Simons interpretó DeLorean, una canción que funciona como una cápsula del tiempo cargada de referencias generacionales. Con alusiones a Indiana Jones, Terminator y, por supuesto, a Back to the Future, el tema evoca la nostalgia de los años 80 y 90, pero lo hace desde una perspectiva actual y enérgica. La artista subraya que estas referencias forman parte de su educación sentimental y que integrarlas en su música ha sido un ejercicio de honestidad narrativa muy gratificante.

El paso del inglés al español ha sido otro de los grandes retos superados en este disco. Simons reconoce que encontrar la fórmula para que las letras en castellano encajaran con la cadencia del rock fue un proceso complejo de deconstrucción. En este sentido, la colaboración con José Ignacio Lapido, de 091, ha sido fundamental. La artista destaca la maestría lírica de Lapido, con quien comparte una visión poética y surrealista que impregna temas como Tan extraño para mí o Efímero, este último interpretado también de forma acústica durante la entrevista, demostrando una desnudez emocional sobrecogedora.

El productor Alex Muñoz resalta la importancia de la atmósfera creada en el estudio, donde se priorizó la frescura y la respuesta de las canciones al ser tocadas en vivo. Según Muñoz, la voz de Nat tiene la capacidad de sostenerse tanto en baladas íntimas como en cortes de rock directo, algo que otorga al álbum una homogeneidad estilística poco común en el panorama actual. El disco huye del concepto de fast-food musical para ofrecer una experiencia auditiva completa que invita a ser escuchada de principio a fin, respetando el formato clásico de álbum.

La gira de presentación de Pregúntale a Sarah Connor ya tiene fechas confirmadas en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Toledo y Sevilla, entre muchas otras. La artista se muestra entusiasmada por llevar estas canciones al directo, donde la banda suena con una potencia inusitada. Además, existen planes de proyección internacional, especialmente en México, donde Nat Simons espera desembarcar próximamente para expandir su propuesta musical. La entrevista concluye con el tema Especie en extinción, una declaración de principios sobre la supervivencia del rock auténtico en un sistema musical a menudo perverso, reafirmando a Nat Simons como una de las voces más valientes y necesarias de nuestra escena actual.

Felipe Couselo y su equipo analizan lo último de Gorillaz y descubren sonidos emergentes como Deadwax o King Mala en una nueva entrega de esRadio.

El programa Prohibido contar ovejas de esRadio, dirigido por Felipe Couselo, ofrece una nueva entrega cargada de novedades culturales, anécdotas personales y música en directo. La emisión comienza con un ambiente distendido en el que participan Alma Espinosa, Isaac Vizcaíno y Dani Palacios, compartiendo bromas sobre problemas técnicos con los auriculares y el ya recurrente conteo de las pulseras de Isaac, quien celebra haber alcanzado las diecisiete. Este tono cercano sirve de preludio a un exhaustivo repaso por la actualidad artística internacional y nacional, abordando géneros que van desde el pop experimental hasta el black metal.

En el primer bloque musical, se analiza con detalle Cracker Island, el último lanzamiento discográfico de Gorillaz. Los colaboradores comentan el tema Damascos y destacan la capacidad de Damon Albarn para reunir a una pléyade de artistas tan variopintos como Bizarrap, Bad Bunny o la vanguardia tranquila. A pesar del éxito comercial masivo de estos proyectos animados, se valora positivamente que la banda siga manteniendo un sello de identidad artística propio frente a la creciente competencia del K-pop y otros fenómenos de masas.

La sección de descubrimientos musicales trae a la palestra a grupos emergentes como Deadwax, procedentes de Huddersfield, quienes con su tema Famous Style recuperan un sonido nu metal con reminiscencias de finales de los noventa. También se presenta a King Mala (nombre artístico de Arelí Castro), cuya canción Surrender es descrita como una mezcla de pop alternativo con toques de soul y una actitud agresiva que ha cautivado a los presentes. Isaac Vizcaíno, por su parte, introduce a los italianos Ponte del Diavolo, quienes practican un estilo definido como blackened post-punk y que visitarán España próximamente.

En el terreno de la electrónica, se comenta el nuevo trabajo de Felix da Housecat, Night Machine, lo que da pie a recordar anécdotas sobre su controvertida relación con la famosa discoteca berlinesa Berghain. Sin embargo, no todas las novedades son recibidas con entusiasmo; la colaboración entre Catriel, Paco Amoroso y Sting en el tema Hasta que Jesús tuvo un mal día es duramente criticada por los colaboradores, quienes consideran que no aporta nada valioso a las trayectorias de los implicados, resultando en una mezcla sin cohesión musical evidente.

El bloque de artes escénicas y cine, liderado por Alma Espinosa y Juanma González, destaca el arrollador éxito del musical Los Miserables en el Teatro Apolo de Madrid, que ha alcanzado ya las cien funciones con el cartel de no hay billetes. En cuanto al séptimo arte, Juanma analiza O Agente Secreto, una cinta brasileña de Kleber Mendonça Filho ambientada en la dictadura de 1977, elogiando la actuación de Wagner Moura a pesar de considerar su metraje excesivo. Finalmente, se recomienda la película de animación japonesa Scarlet, de Mamoru Hosoda, una reinterpretación onírica de Hamlet que destaca por su factura visual hipercolorida.

El broche de oro del programa lo pone la entrevista y actuación en directo de Nat Simons, quien acude para presentar su disco Pregúntale a Sara Connor. Acompañada por Anel Muñoz, Nat relata su experiencia grabando en Nashville y cómo ha logrado consolidar su personalidad musical tras despojarse de prejuicios estilísticos. La artista interpreta en acústico los temas DeLorean y Efímero, este último con la colaboración lírica de José Ignacio Lapido, demostrando una honestidad creativa que resuena con fuerza antes de repasar las fechas de su próxima gira por diversas salas de la geografía española.

Isaac Vizcaino y Dani Palpaciones deciden colonizar un programa con gente disfrazada y una buena producción de Rubin. Una noche para la música.

En una nueva emisión de Prohibido contar ovejas a través de esRadio, el presentador Felipe Couselo lidera una tertulia marcada por el análisis musical y el tono distendido tras haber superado la barrera de los trescientos programas. Los colaboradores inician la charla reflexionando sobre la evolución del espacio radiofónico y la asimilación del éxito por parte del equipo, antes de dar paso a las secciones que exploran la cultura popular desde diversas aristas.

El primer bloque de contenido relevante corre a cargo de Isaac Vizcaíno, quien introduce el libro Generación Hip Hop de Jeff Chang para hablar sobre las raíces rítmicas de Kingston. Durante la charla se mencionan géneros fundamentales como el ska y el dub, resaltando figuras icónicas como Lee Scratch Perry y The Wailers. El debate gira en torno a cómo el sonido de Perry se convirtió en el epítome de los ritmos de los barrios bajos, influyendo de manera definitiva en la música contemporánea.

La conversación se desvía brevemente hacia anécdotas personales y bromas internas, como la supuesta construcción de un monumento a uno de los integrantes en El Escorial. También se dedican unos minutos a la interacción con la audiencia, mencionando a oyentes que sintonizan el programa desde lugares tan remotos como Shanghái. El aspecto visual no queda fuera de la tertulia, con comentarios jocosos sobre la vestimenta de Juanma González, comparada con el estilo de Natalie Imbruglia en el videoclip de su éxito Torn, lo que sirve para subrayar la estética noventera que aún perdura en la memoria colectiva.

En el plano estrictamente musical, el programa viaja al año 2007, calificado por Couselo como un año excelente para la industria. Se analiza el auge del término indie y la trayectoria de la banda Editors a través de su segundo álbum, An End Has a Start. Además de la música, se vinculan hitos culturales de aquel periodo con el séptimo arte, citando películas de culto como Tropa de Élite o No es país para viejos, estableciendo una comparativa entre la calidad sonora y visual de la época.

Uno de los segmentos más extensos del audio se dedica a la iconografía del rock y el uso de máscaras o maquillaje. Se analiza a la legendaria banda Kiss y su éxito I Was Made for Lovin' You, revelando que sus característicos maquillajes están inspirados en el teatro Kabuki japonés. Se detallan las personalidades de sus miembros, como The Demon o The Starchild, subrayando cómo la identidad visual fue clave para su éxito masivo.

Posteriormente, la tertulia aborda el fenómeno de Daft Punk y su trabajo en la banda sonora de Tron. Los colaboradores discuten la identidad robótica asumida por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter desde 1999, destacando cómo ocultar sus rostros bajo cascos futuristas se convirtió en un sello de sofisticación dentro de la música electrónica global.

La provocación artística es otro tema central al hablar de Marilyn Manson y su tema User Friendly. Se comenta el origen de su nombre artístico como una amalgama entre Marilyn Monroe y Charles Manson, y cómo el artista utilizaba el maquillaje no para embellecerse, sino para incomodar al espectador, buscando una reacción constante en la sociedad estadounidense de finales de los noventa.

En un contraste de estilos, se presenta a Claptone y su propuesta de house elegante. El uso de la máscara veneciana dorada por parte de este artista sirve para discutir la mística del anonimato en la escena nocturna contemporánea, valorando la sencillez y la calidad de su producción por encima de la exposición mediática de su rostro.

El programa también analiza la figura de Lady Gaga a través de Poker Face. Los tertulianos comparan su capacidad de reinvención estética con la de otros grandes iconos, destacando su evolución desde la provocación inicial hasta su consolidación como una artista respetada en el cine con Ha nacido una estrella, sin perder nunca su esencia como showman visual.

La agresividad sonora llega con Slipknot y su tema Psychosocial. Se resalta la evolución de sus máscaras con cada álbum y cómo el grupo ha logrado mantener un metal contemporáneo de alta factura técnica. De igual forma, se menciona a Gorillaz y su éxito Clint Eastwood, ensalzando la innovación visual de Damon Albarn al crear una banda virtual con personajes animados como 2D o Murdoc Niccals.

El bloque final se centra en la figura de Rick Rubin, el legendario productor. Se repasan canciones en las que Rubin ha dejado su huella, demostrando una versatilidad inigualable que abarca desde el hip hop de LL Cool J y Run-DMC hasta el metal de Slayer con su disco Reign in Blood. Se destaca su capacidad para fusionar el rap con el hard rock, como hizo con Aerosmith en Walk This Way, creando un subgénero que cambiaría la radio para siempre.

Finalmente, se menciona el trabajo de Rubin con los Red Hot Chili Peppers en Blood Sugar Sex Magik, así como su labor con Audioslave y el emotivo Johnny Cash en sus American Recordings. El programa concluye con una reflexión sobre la pureza de la producción y cómo Rubin es capaz de desnudar una canción para mostrar su esencia más bella, cerrando la emisión con la melancolía de Smokers Outside the Hospital Doors de Editors.

De Kiss a Daft Punk, un repaso por artistas que emplean el maquillaje y el anonimato para forjar leyendas estéticas más allá de sus acordes.

El contenido del audio se centra en un análisis pormenorizado de diversos artistas y agrupaciones musicales que han hecho del **uso del disfraz** y la ocultación de la identidad un pilar de su carrera. Se plantea que, a pesar de tratarse de una sección que los propios locutores consideran como caducada por su temática, el fenómeno del **espectáculo visual** mediante máscaras y maquillajes sigue siendo un elemento fascinante para la audiencia, permitiendo a los músicos construir una narrativa que trasciende la propia composición sonora.

Uno de los primeros referentes mencionados es la banda estadounidense Kiss, cuya trayectoria está marcada por un **maquillaje icónico** inspirado en el teatro Kabuki. Durante la charla, se detallan las identidades adoptadas por cada miembro del grupo: The Demon para Gene Simmons, Starchild para Paul Stanley, Catman para Peter Criss y Spaceman para Ace Frehley. Este recurso visual permitió a la banda crear una **mitología propia** en la historia del rock, logrando que sus rostros pintados fueran más reconocibles que sus rasgos reales.

El dúo francés Daft Punk también ocupa un lugar destacado en la conversación por su transición hacia una **imagen robótica**. Los presentadores analizan cómo Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter utilizaron sus cascos futuristas para proteger su vida privada y centrar la atención en su música electrónica y en el género electroclash. Se resalta que esta **estética tecnológica** se convirtió en un símbolo de modernidad que definió la imagen del grupo desde finales de los años noventa hasta su separación.

En una vertiente más transgresora, se discute la figura de Marilyn Manson y su capacidad para la **provocación deliberada**. El origen de su nombre, que amalgama a Marilyn Monroe y Charles Manson, sirve como punto de partida para explicar cómo utiliza el maquillaje y las lentillas para generar una sensación de incomodidad. El audio subraya que su **cultura musical** es profunda y que nada en su puesta en escena es dejado al azar, buscando siempre desafiar las convenciones de la sociedad estadounidense.

El resumen continúa con el proyecto de música electrónica Claptone, caracterizado por el uso de **máscaras venecianas** doradas con una nariz alargada. Este elemento, propio del carnaval, les permite mantener el anonimato en sus sesiones de house y deep house. Se destaca que este misterio aporta una capa de **sofisticación y elegancia** que encaja perfectamente con el ambiente de las fiestas exclusivas en las que suelen actuar, manteniendo una distancia cautivadora con su público.

La camaleónica Lady Gaga es analizada por su habilidad para utilizar el disfraz como una extensión de su **expresión artística**. Los locutores recuerdan sus vestimentas más extremas, como el famoso vestido de carne o sus referencias en temas como Poker Face. Sin embargo, también se pone de relieve su evolución hacia una faceta más orgánica y reconocida por la crítica, especialmente tras su participación en la película A Star is Born, demostrando que su talento musical supera cualquier **artificio visual**.

La banda de metal Slipknot es otro ejemplo de cómo el terror puede ser un vehículo estético potente. Sus máscaras, inspiradas originalmente en disfraces de Halloween, evolucionan con cada álbum para reflejar el estado interno de la banda. El audio menciona que el uso de **monos de trabajo** como uniforme, sumado a las máscaras grotescas, configura una **identidad colectiva** que refuerza la agresividad y el impacto de sus presentaciones en vivo.

Respecto a la propuesta de Gorillaz, el audio la define como la **banda virtual** por excelencia de la era moderna. Creada por Damon Albarn, la agrupación se manifiesta a través de personajes animados como 2-D, Noodle, Russel Hobbs y Murdoc Niccals. El uso de **hologramas** en sus conciertos es citado como una innovación tecnológica que permite al público disfrutar de una experiencia inmersiva sin necesidad de ver a los músicos reales sobre el escenario.

El género del horror punk tiene su representación con The Misfits. El grupo es reconocido por su característico peinado devilock y un **maquillaje fúnebre** que emula calaveras. Se explica que esta **estética de serie B** y cine de terror de los años cincuenta fue fundamental para definir su sonido y atraer a una base de seguidores fieles que adoptaron su simbología como un estilo de vida.

Se dedica un espacio al análisis de la **moda urbana** y la extravagancia a través de Harry Styles y su estilista Harry Lambert. Aunque no utiliza máscaras en el sentido tradicional, se argumenta que su vestuario andrógino y llamativo funciona como un disfraz que redefine la masculinidad moderna. Su impacto es tal que sus colecciones han llegado a grandes superficies como Zara, convirtiendo la **estética vanguardista** en un fenómeno de consumo masivo.

Finalmente, se menciona a la banda Devo y su concepto de la **de-evolución** humana. Sus famosos cascos rojos, conocidos como energy domes, son presentados como un ejemplo de cómo el diseño puede reforzar un mensaje filosófico y social. Su versión del clásico (I Can't Get No) Satisfaction de los Rolling Stones es citada como el ejemplo perfecto de su **originalidad visual** y sonora, consolidando una imagen que sigue siendo referente para el pop experimental.

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Desde el punk neoyorquino, este visionario revolucionó la industria al fusionar guitarras distorsionadas y ritmos urbanos con un estilo orgánico.

En este episodio se analiza la figura del legendario productor Rick Rubin, un hombre capaz de unir géneros aparentemente irreconciliables. La sección comienza con fragmentos de canciones icónicas como Big Gun de AC/DC, Walk on Water de Eminem con Beyoncé, 99 Problems de Jay-Z y Before I Forget de Slipknot. El nexo común entre estas piezas tan diversas es el toque maestro de Rubin, un productor con el que prácticamente todo el mundo en la industria ha querido trabajar en algún momento de su carrera.

La trayectoria de Rick Rubin se inició en la ciudad de Nueva York a principios de los años 80. Aunque sus raíces estaban profundamente ligadas al punk, pronto descubrió el potencial del hip-hop que emergía en las calles. Su enfoque revolucionario consistió en dotar al rap de un espíritu rockero, utilizando arreglos instrumentales, guitarras distorsionadas y baterías potentes que no entorpecían el fraseo de los artistas. Un ejemplo temprano de esta visión fue el tema Rock the Bells de LL Cool J, incluido en su álbum Radio.

Uno de los hitos más significativos de su carrera ocurrió en 1986, cuando Rubin convenció a los grupos Run-DMC y Aerosmith para colaborar en una nueva versión de Walk This Way. Esta unión fue definitiva para convertir el hip-hop en un fenómeno popular y masivo, creando un subgénero híbrido que acercó el hard rock a las audiencias del rap. Su capacidad para hacer que sonidos complejos resulten accesibles para el gran público se convirtió en su marca de identidad.

Ese mismo año, 1986, Rubin demostró su versatilidad al producir Reign in Blood de Slayer. A pesar de la agresividad intrínseca del thrash metal, el productor logró una limpieza de sonido excepcional, donde cada instrumento ocupaba su lugar sin generar ruido innecesario. Esta filosofía de transparencia sonora se aplicó también al debut de los Beastie Boys, Licensed to Ill, el primer álbum de hip-hop en alcanzar el número uno en las listas de ventas, fusionando nuevamente guitarras eléctricas con ritmos urbanos.

Tras abandonar el sello Def Jam por discrepancias con Russell Simmons, Rubin fundó American Recordings en 1988. Bajo este nuevo paraguas, produjo el aclamado Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers en 1991. En este trabajo, Rubin implementó un proceso creativo exigente, obligando a la banda a componer decenas de canciones para seleccionar solo las mejores. El resultado fue un sonido nítido y orgánico que redefinió el funk rock de los noventa, destacando éxitos como Give It Away.

La sensibilidad de Rubin no se limitó a los sonidos potentes. Produjo el disco Wildflowers de Tom Petty, considerado por muchos como uno de los álbumes con mejor producción de la historia por su delicadeza y elegancia. Rubin tiene la capacidad de desnudar las canciones para mostrar su esencia más pura, una característica que se volvió aún más evidente en sus trabajos posteriores con artistas como System of a Down en su disco Toxicity, donde canalizó el caos del grupo hacia estructuras más melódicas y directas.

En el ámbito del rock moderno, su trabajo con el supergrupo Audioslave dejó una huella imborrable. Temas como Like a Stone muestran una sección rítmica contundente pero equilibrada con la poderosa voz de Chris Cornell. Incluso artistas del pop internacional como Shakira han contado con su visión en la producción ejecutiva de proyectos como Fijación Oral, lo que demuestra que su criterio artístico trasciende fronteras estilísticas y barreras idiomáticas.

Finalmente, el resumen destaca la etapa final de Johnny Cash bajo la tutela de Rubin. Con la serie American Recordings, el productor logró capturar la vulnerabilidad del artista utilizando arreglos mínimos, como una simple guitarra acústica o un piano. La versión de Hurt de Nine Inch Nails se convirtió en el epítome de su estilo: menos es más. Rick Rubin, a pesar de no poseer una formación técnica musical profunda, basa su éxito en un instinto y un gusto excepcionales que le permiten extraer el alma de cada composición.