Prohibido contar ovejas

El análisis de hechiceros y brujas aborda desde el éxito de The Magicians hasta las tensiones internas en el legendario rodaje de Embrujadas.

La sección de hoy en el programa número 300 se sumerge en el fascinante mundo de la magia en la televisión, planteando de inicio una disquisición casi filosófica sobre la diferencia entre una maga y una bruja. Mientras los colaboradores debaten si la distinción reside en la intencionalidad o en el origen de sus poderes, surge una mención cómica al acrónimo MAGA (Make America Great Again), evidenciando cómo la cultura popular y la política a veces colisionan de forma inesperada. En este sentido, la libertad de cátedra de los tertulianos permite abordar estos temas con la ligereza necesaria, pero sin perder de vista la tradición narrativa de estos personajes en la pequeña pantalla.

El repaso comienza con la serie británica Merlín, emitida entre 2008 y 2012 por la BBC. Esta producción se centra en la adolescencia del mago, presentándolo como un joven rebelde que debe lidiar con sus poderes en un entorno donde la magia está prohibida. Es una propuesta que, a pesar de su tono juvenil, logró captar la atención de una audiencia amplia durante cinco temporadas, explorando el crecimiento personal y el destino. No obstante, la nostalgia lleva a los presentes a recordar con mayor fervor la miniserie Merlín de 1998, protagonizada por Sam Neill. Esta obra es ensalzada por su reparto estelar, que incluía figuras de la talla de Isabella Rossellini y Helena Bonham Carter, y que se convirtió en un hito de las tardes de sábado en Telecinco.

Posteriormente, la conversación se traslada a The Magicians, una serie de Syfy disponible en Amazon Prime que destaca por su legión de seguidores. A través de la figura de Quentin Coldwater, la trama subvierte los tropos clásicos de la fantasía universitaria, ofreciendo una visión más cruda y adulta. Los colaboradores subrayan la importancia de los foros y las comunidades digitales en el éxito de este tipo de productos, que logran sobrevivir gracias a la fidelidad de sus fans. Es un claro ejemplo de cómo la pasión del espectador puede sostener una obra a lo largo de cinco temporadas en un mercado tan competitivo como el actual.

Uno de los momentos más destacados del audio es la mención a The Witcher en Netflix, especialmente por la figura de su protagonista original, Henry Cavill. Se alaba su faceta de nerd orgulloso, capaz de montar su propio ordenador o pintar figuras de Warhammer 40.000, lo que le otorga una autenticidad inigualable frente a otros actores de Hollywood. La crítica hacia la plataforma es palpable al comentar los cambios en el reparto, sugiriendo que la pérdida de Cavill es un golpe difícil de superar para la franquicia. Esta defensa del talento genuino y del respeto por el material original es una constante en la crítica cultural más exigente.

La estética gótica hace su aparición con Penny Dreadful, una serie que, a pesar de su corta duración de tres temporadas, es recordada por su excelencia visual. Producida por Sam Mendes y con la dirección de Juan Antonio Bayona en sus inicios, la serie entrelaza personajes clásicos del terror victoriano con una maestría que pocas veces se ve en televisión. Es lamentable que producciones de tal calibre no logren una mayor continuidad, pero su impacto estético perdura como un referente de calidad cinematográfica en formato serial.

No podía faltar la mención a Embrujadas (Charmed), la serie de las hermanas Halliwell que marcó a toda una generación. Más allá de los efectos especiales y las tramas sobrenaturales, el audio deja entrever las tensiones internas entre las actrices, como Alyssa Milano y Shannen Doherty, que a menudo superaban la ficción. Aun así, el Poder de Tres sigue siendo un concepto icónico de la cultura pop de finales de los noventa, demostrando que las brujas buenas también tienen un hueco privilegiado en el corazón del gran público.

El tono se vuelve más jocoso al hablar de Sabrina, cosas de brujas, destacando su doblaje al castellano, que incluía referencias localizadas a cantantes y personajes españoles, una práctica habitual de la época que hoy se mira con cierta extrañeza pero mucha simpatía. La anécdota sobre la cantante Sabrina Salerno y su interacción en redes sociales con uno de los colaboradores añade un toque de humor personal a la sección, recordándonos que la televisión es, ante todo, un espacio para el entretenimiento y la conexión humana.

Finalmente, se mira hacia el futuro con el anuncio de la nueva serie de Harry Potter para 2027, que promete adaptar cada libro en una temporada independiente. Ante este horizonte de grandes presupuestos, los tertulianos no olvidan las raíces de la televisión patria, citando con humor reality shows como El Castillo de las Mentes Prodigiosas, donde personajes como Rappel o la Bruja Lola demostraron que la magia televisiva en España siempre ha tenido un tinte único y muy castizo. El cierre del bloque reafirma que, ya sea con varitas de lujo o con bolas de cristal de mercadillo, el espectador siempre buscará esa chispa de asombro que solo la buena ficción sabe proporcionar.

Examinamos el apogeo creativo del grupo entre 1990 y 1998, analizando su evolución técnica y el impacto de discos clave en las listas de ventas.

El audio presenta un análisis detallado sobre la denominada época dorada de la banda de thrash metal Megadeth, que abarca el periodo comprendido entre 1990 y 1998. Durante este tiempo, la formación liderada por Dave Mustaine alcanzó su mayor estabilidad y reconocimiento crítico con la participación de David Ellefson, Nick Menza y Marty Friedman, una alineación considerada por muchos seguidores como la definitiva en la historia del grupo.

El recorrido comienza con el álbum Rust in Peace de 1990, producido por Mike Clink. Los ponentes destacan este trabajo como una obra de perfección técnica y compositiva, subrayando la importancia de la incorporación del guitarrista Marty Friedman. Se mencionan piezas fundamentales como Holy Wars... The Punishment Due, Hangar 18 y el icónico solo de Tornado of Souls, que elevaron el estándar del género hacia estructuras más progresivas y complejas.

A continuación, se analiza el impacto de Countdown to Extinction, lanzado en 1992 bajo la producción de Max Norman. Este disco marcó un punto de inflexión hacia un sonido más accesible y comercial, logrando posicionarse en el número dos de la lista Billboard 200. A pesar de la presión del movimiento grunge de la época, el álbum se convirtió en un éxito masivo gracias a temas como Symphony of Destruction y Sweating Bullets, que mantenían la contundencia de la banda pero con estructuras más radiales.

En 1994 se publicó Youthanasia, un disco caracterizado por un proceso de escritura más colaborativo entre los cuatro integrantes. El audio destaca la relevancia de la banda en el mercado sudamericano durante esta gira, donde su popularidad llegó a superar a la de otros gigantes del Big Four. Se citan canciones como la balada A Tout Le Monde y Train of Consequences como ejemplos de la madurez melódica que alcanzó el grupo en ese momento de su carrera.

El análisis también dedica un espacio al proyecto paralelo de Mustaine, MD.45, y al disco The Craving, antes de abordar Cryptic Writings de 1997. Producido por Dann Huff, este trabajo profundizó en el hard rock y en arreglos más radiofónicos, aunque todavía conservaba cortes pesados como She-Wolf. Este periodo supuso el inicio del desgaste de la formación clásica, debido a las diferentes visiones artísticas de sus miembros y a los problemas personales que empezaron a surgir.

Finalmente, el resumen concluye con la disolución de esta etapa tras el lanzamiento de Risk y la salida de Friedman y Menza. Los participantes coinciden en que estos ocho años representaron el cenit creativo de Megadeth, logrando un equilibrio único entre la agresividad del metal y el éxito comercial que difícilmente volvería a repetirse con la misma intensidad en las décadas posteriores.

Desde el Capitán América de los noventa hasta Orgazmo, un repaso por cintas de culto que desafiaron la escasez de fondos con dosis de bizarrismo.

En esta entrega del pódcast, Juanma González nos sumerge en el fascinante y a veces bizarro mundo de los superhéroes de serie B, aquellos proyectos que, por falta de presupuesto o exceso de chifladura, se alejan de los cánones actuales de las grandes franquicias. Juanma propone un recorrido por producciones que califica cariñosamente como superhéroes de mierda, destacando cómo el séptimo arte ha intentado emular el éxito de las figuras más icónicas con resultados, cuanto menos, curiosos y sumamente artesanales.

El viaje comienza con un hito del cine español: SuperSónic Man, de 1979. Dirigida por el mítico Juan Piquer Simón, esta película nació como un rip-off nacional tras el estreno del Superman de Christopher Reeve. A pesar de sus limitaciones, se destaca el mérito de sus efectos especiales artesanales, que incluían maquetas y retroproyecciones, demostrando la inventiva y el espíritu emprendedor de la industria española de la época frente a los gigantes de Hollywood.

Otro de los títulos analizados es Orgazmo, una de las primeras obras de Trey Parker y Matt Stone, los irreverentes creadores de South Park. En esta cinta, un misionero mormón se convierte accidentalmente en una estrella del cine porno interpretando al Capitán Orgazmo. La película es descrita como una comedia hilarante que juega con lo políticamente incorrecto, un sello distintivo de sus autores, y que hoy se reivindica como un título de culto difícil de encontrar pero con un mensaje muy libre sobre la ficción y la realidad.

El repaso continúa con la etapa más oscura de Marvel antes de su actual dominio mundial bajo el paraguas corporativo. Se menciona el Captain America de 1990, dirigido por Albert Pyun bajo el sello de la mítica CANNON. Esta versión destaca por su estética noventera y su bajo presupuesto, pero también por la capacidad de su director para sacar adelante un proyecto con recursos mínimos. También se alude a la película perdidada de The Fantastic Four producida por Roger Corman, realizada únicamente para que el estudio no perdiera los derechos cinematográficos sobre los personajes.

Dentro de ese ecosistema de videoclub de los años 90, surge Doctor Mordrid, una versión no oficial de Doctor Strange. Dirigida por Richard Band y protagonizada por Jeffrey Combs, la película es un ejemplo de cómo las pequeñas productoras como Full Moon intentaban captar al público de los superhéroes psicodélicos sin contar con las licencias oficiales. Es una joya del cartón piedra que evoca una época en la que el cine de género era mucho más artesano y menos dependiente de los dictados de las grandes corporaciones de entretenimiento.

Juanma también rescata Mystery Men, de 1999, una superproducción de DreamWorks que, a pesar de contar con un reparto estelar encabezado por Ben Stiller y William H. Macy, fue un fracaso en taquilla. Su propuesta era un superheroísmo surrealista y cómico que quizá estaba adelantado a su tiempo, con una estética de videoclip muy marcada. Posteriormente, se menciona Kick-Ass como el ejemplo de cómo estas historias de gente común disfrazada terminaron por encontrar su hueco en la industria moderna, cuestionando la propia naturaleza del héroe.

La gran novedad que cierra el bloque es el anuncio de la serie Spider-Noir para Prime Video. Este proyecto recupera al detective de universo paralelo que apareció en la película de animación Spider-Man: Into the Spider-Verse, y contará con la presencia física y vocal del incombustible Nicolas Cage. La serie promete una estética de cine negro ambientada en los años 30, y se ha revelado que se lanzará tanto en versiones en blanco y negro como en color, una estrategia de marketing que ha generado gran expectación entre los seguidores del personaje.

El cierre del programa deriva en una crítica con el estilo incisivo propio de este medio sobre el modelo de las plataformas de streaming. Los tertulianos bromean sobre la proliferación de anuncios incluso en servicios por los que el usuario ya está pagando una cuota, comparando la experiencia actual con la televisión analógica más rancia. Se cuestiona el afán recaudatorio de los nuevos oligopolios tecnológicos que, bajo una apariencia de modernidad, terminan restringiendo la libertad de elección del espectador con pausas publicitarias abusivas.

De la crisis de Blur al éxito de Megadeth en los noventa: Felipe Couselo y su equipo debaten sobre música, hechicería en la pequeña pantalla y cine.

En esta nueva entrega del programa Prohibido contar ovejas, conducido por Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales Alma Espinosa, Juanma González e Isaac, el espacio arranca con una anécdota cotidiana de Juanma que sirve para caldear el ambiente. El colaborador relata con indignación cómica su reciente experiencia en una conocida cadena de comida rápida, donde se encontró con la inaudita situación de que no disponían de bebidas de cola ni de lima-limón, viéndose obligado a consumir Fanta de naranja. Esta situación deriva en una charla ligera sobre los menús patrocinados por celebridades, como el de Aitana, y sirve como preámbulo para la estructura habitual del podcast, que mezcla el análisis musical profundo con la cultura pop y el cine de género.

Felipe Couselo inaugura la sección musical trasladándonos al año 1997 con el análisis de la canción Beetlebum, del grupo británico Blur. El tema, que sirvió de adelanto para su disco homónimo, es analizado no solo por su calidad compositiva, sino por su trasfondo vital, marcado por las adicciones de Damon Albarn y el inicio de la decadencia del Britpop. Couselo destaca la coincidencia temporal con el lanzamiento del OK Computer de Radiohead, señalando cómo estos trabajos redefinieron el panorama musical de finales de los noventa, alejándose de los sonidos más optimistas para abrazar una introspección mucho más oscura y experimental.

La sección de Alma Espinosa se centra en el mundo de la magia y la distinción entre magos y brujas en la ficción televisiva. Comienza rescatando la serie Merlín, una producción de la BBC que exploraba la adolescencia del mítico mago bajo una óptica juvenil y rebelde. A continuación, se analiza The Magicians, una serie emitida en Syfy que ha cosechado una legión de seguidores fieles gracias a su enfoque más adulto y crudo de la magia, alejándose de los tópicos infantiles. También hay espacio para comentar producciones actuales como The Witcher de Netflix, mencionando los cambios de reparto y la pasión de Henry Cavill por universos como Warhammer 40.000.

El repaso continúa con obras de corte gótico como Penny Dreadful, alabada por su factura visual y su brevedad, y clásicos de la televisión como Embrujadas. Alma e Isaac debaten sobre el carisma de las hermanas Halliwell y la mítica Sabrina, cosas de brujas, recordando incluso el impacto de la cantante italiana Sabrina Salerno en la cultura popular de la época. Para cerrar el bloque mágico, se menciona el futuro remake de Harry Potter previsto para 2027 y se hace una mención nostálgica al bizarro reality español El castillo de las mentes prodigiosas, un hito de la televisión surrealista en España.

Dani toma el relevo para profundizar en la que considera la etapa dorada de la banda de heavy metal Megadeth, comprendida entre 1990 y 1998. Con una alineación mítica compuesta por Dave Mustaine, David Ellefson, Nick Menza y Marty Friedman, el grupo alcanzó su cénit creativo. El análisis comienza con el virtuosismo de Rust in Peace y temas como Holy Wars... The Punishment Due o Hangar 18, destacando la precisión técnica de Friedman a la guitarra. Dani explica cómo la banda supo adaptarse a los cambios de la industria impuestos por el auge del grunge, suavizando ligeramente su sonido en discos posteriores.

En su recorrido, se detalla el éxito comercial de Countdown to Extinction, que llegó al número dos de las listas estadounidenses con himnos como Symphony of Destruction o Sweating Bullets. La evolución continuó con Youthanasia y Cryptic Writings, álbumes donde la producción de Max Norman y Dan Huff buscó una mayor accesibilidad sin perder la esencia agresiva de la banda. Dani resalta la tiranía creativa de Mustaine, cuya fuerte personalidad acabó por fracturar esta formación clásica tras años de éxitos y giras mundiales multitudinarias, especialmente recordadas por su fervor en Sudamérica.

Finalmente, Juanma González cierra el programa con una sección dedicada a los superhéroes de serie B o, como él mismo define, superhéroes de mierda. Rescata curiosidades como SuperSonic Man, el intento español de 1979 por imitar el éxito del Superman de Christopher Reeve, y otras producciones de videoclub como The Adventures of Dr. Mordrid. También analiza visiones satíricas del género como Mystery Men o la película Super de James Gunn, antes de su éxito en Marvel. El broche final lo pone el anuncio de la serie de streaming Spider-Man Noir, que contará con Nicolas Cage, prometiendo una estética de cine negro muy alejada del cine comercial convencional.

Desde el debut con Arctic Monkeys hasta el compromiso con Pearl Jam, este especial recorre dos décadas rítmicas marcando hitos generacionales.

En la edición número 301 del programa Prohibido contar ovejas, su director y presentador, Felipe Couselo, propone un ejercicio de nostalgia y reflexión titulado Hace 20 años de todo. A través de una cuidada selección musical, el programa nos traslada al año 2006, un periodo que Couselo describe como un punto de inflexión donde lo que entonces se consideraba moderno ha pasado a formar parte del patrimonio nostálgico de una generación. La tesis del programa es sencilla pero contundente: el tiempo vuela y canciones que aún resuenan con frescura en nuestra memoria cumplen ya dos décadas de existencia.

El recorrido comienza con la energía de Incubus y su tema Anna Molly, perteneciente al álbum Light Grenades. Couselo destaca cómo bandas que parecían estar en su apogeo creativo estaban, en realidad, cimentando los clásicos del futuro. Poco después, el programa se detiene en la revolución británica liderada por los Arctic Monkeys. Con su álbum debut, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, y temas como The View from the Afternoon o Fake Tales of San Francisco, la banda de Sheffield no solo batió récords de ventas, sino que cambió las reglas del juego para el indie rock global, demostrando que la juventud y el talento podían desafiar a la industria tradicional.

Uno de los momentos más potentes del programa llega con el análisis del regreso de Pearl Jam. En 2006, la formación liderada por Eddie Vedder lanzó su álbum homónimo, conocido popularmente como el del aguacate por su portada. Couselo recuerda con especial afecto el concierto de la banda en Madrid ese mismo año, subrayando el vibrante directo que ofrecieron. El tema Worldwide Suicide sirve para ilustrar el compromiso de la banda, en un contexto marcado por la desilusión política y las críticas a la administración estadounidense de la época, reflejando una resistencia individual frente a las directrices de los grandes poderes.

La figura de Jack White también reclama su protagonismo con el proyecto de The Raconteurs y su éxito Steady, as She Goes. Este supergrupo, formado junto a Brendan Benson, aportó una frescura garage que revitalizó el panorama rockero. Del mismo modo, Primal Scream, con Bobby Gillespie al frente, se alejó de sus facetas más electrónicas para abrazar un sonido más clásico y bluesero en Riot City Blues, destacando el pegadizo single Country Girl. Estos movimientos artísticos demuestran la diversidad creativa que caracterizó a mediados de la década de los 2000.

El programa aborda la vertiente más política y oscura a través de Thom Yorke y su primer disco en solitario, The Eraser. El tema Harrowdown Hill evoca la figura de David Kelly, el inspector de armas cuya muerte en extrañas circunstancias puso en jaque al gobierno británico durante la guerra de Irak. Couselo utiliza este ejemplo para resaltar la capacidad de la música para denunciar la opacidad estatal y la defensa de la verdad individual frente a los relatos oficiales, una constante en el ideario de Yorke que resuena con fuerza veinte años después.

Hacia el final de la entrega, se rinde homenaje a voces que se convirtieron en leyenda, como la de Amy Winehouse. Su álbum Back to Black, publicado en 2006, es calificado como una obra maestra que redefinió el soul moderno. Temas como Rehab o Love Is a Losing Game son ejemplos de un talento descarnado que, lamentablemente, se apagó demasiado pronto. También hay espacio para el rock de estadios de Muse con Black Holes and Revelations y el adiós de Audioslave con su álbum Revelations, que supuso el último trabajo de estudio del añorado Chris Cornell con la banda.

Felipe Couselo cierra este especial mencionando a bandas como Kasabian, con su álbum Empire, y The Fratellis, cuyo Chelsea Dagger se convirtió en un himno de las gradas deportivas. Finalmente, el programa concluye con una dedicatoria a Daniel Palacios y el tema Asilos Magdalena de The Mars Volta, cerrando un círculo de memoria sonora que invita a los oyentes a reflexionar sobre cómo la música de 2006 sigue definiendo quiénes somos hoy.