Prohibido contar ovejas

Analizamos peliculas que Spielberg no quiso hacer con Juanma González y nos metemos de lleno en el mundo de la Wah-wah o Guagua, según Isaac Vizcaíno

Guiones vetados por George Lucas, sagas cedidas a Tim Burton y secuelas oscuras: las obras que el oscarizado director planeó pero jamás filmó.

En los micrófonos de esRadio, el equipo analiza la fascinante filmografía alternativa de Steven Spielberg, repasando aquellos proyectos cinematográficos que el reputado cineasta estadounidense consideró dirigir en algún momento de su carrera pero que jamás llegaron a materializarse bajo su mando. El punto de partida es Robopocalypse, una ambiciosa adaptación de la novela de ciencia ficción de Daniel H. Wilson que Spielberg planeó rodar con Chris Hemsworth como protagonista y que, tras quedar aparcada durante años, ha sido reconvertida en un proyecto televisivo encabezado por Ron Howard.

Uno de los proyectos tempranos más emblemáticos que nunca vieron la luz fue Night Skies, concebido a finales de los años setenta con guion de John Sayles. Ideado como una historia de terror puro sobre una familia rural asediada por alienígenas hostiles, el concepto terminó bifurcándose en dos obras clave de la historia del cine: la icónica y entrañable E.T. El extraterrestre y el clásico de terror sobrenatural Poltergeist, dirigido en última instancia por Tobe Hooper.

En esa misma etapa de juventud, el director barajó trasladar al cine las viñetas bélicas de DC Comics en Blackhawk, una adaptación concebida con Dan Aykroyd como protagonista que guarda estrechos paralelismos con lo que más tarde cristalizó en su comedia bélica 1941. Asimismo, Spielberg acarició durante décadas el sueño de rodar un musical antes de filmar West Side Story. Uno de sus primeros conatos fue Reel to Reel, un homenaje metacinematográfico a las dificultades técnicas del rodaje de una cinta con efectos especiales, inspirado de forma evidente en el caótico rodaje de Tiburón.

Tras el gigantesco triunfo en taquilla de E.T., los estudios tantearon la posibilidad de una continuación, para la cual el propio director ideó Nocturnal Fears, un libreto oscuro donde los niños eran víctimas de una abducción extraterrestre que finalmente fue descartado y guardado en un cajón para preservar intacta la magia de la película original. Otro de los grandes anhelos inconclusos del cineasta fue adaptar El talismán, la célebre novela de fantasía de Stephen King y Peter Straub, cuyos derechos han permanecido años sin rodarse hasta el reciente interés de Mike Flanagan por reactivar la obra en televisión.

Durante los años noventa y principios de los dos mil, Spielberg exploró otros territorios que acabaron en manos ajenas o mutando de forma radical. Es el caso de The Mark, una historia de superhéroes concebida por Rob Liefeld para Will Smith mucho antes del auge de dicho género, o de Spares, un relato distópico sobre clones fugitivos pensado junto a Tom Cruise tras el éxito de la aclamada Minority Report. De igual modo, existieron planes para adaptar la mítica saga de videojuegos Monkey Island junto a los guionistas Ted Elliott y Terry Rossio, quienes posteriormente reciclaron esa visión de aventuras bucaneras en la lucrativa franquicia de Piratas del Caribe.

Entre los desacuerdos creativos más destacados figura el borrador que Frank Darabont escribió para la cuarta entrega de Indiana Jones, titulado Indiana Jones and the City of Gods, un texto celebrado por Harrison Ford y Spielberg que fue vetado personalmente por George Lucas antes de derivar en la criticada Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. Asimismo, Spielberg se propuso dirigir el drama judicial y político The Trial of the Chicago 7, con libreto de Aaron Sorkin y un reparto que incluía a Will Smith, Philip Seymour Hoffman y Heath Ledger, pero la huelga de guionistas de 2007 paralizó la preproducción hasta que Sorkin tomó las riendas años después.

La nómina de proyectos que el director tanteó y cedió a otros realizadores incluye títulos fundamentales como Big Fish —que acabó dirigiendo Tim Burton—, Harry Potter y la piedra filosofal —confiada a Chris Columbus— o la cinta de ciencia ficción Interstellar, desarrollada inicialmente junto al físico Kip Thorne antes de recalar en Christopher Nolan. A estos se suman adaptaciones no filmadas como El guardián entre el centeno, un remake de Las uvas de la ira con Daniel Day-Lewis y el colosal proyecto sobre Napoleón basado en las notas de Stanley Kubrick, cuyo legado continúa fascinando a los amantes del séptimo arte.

Tras el fallecimiento de su creador a los 88 años, repasamos cómo el Cry Baby definió el sonido de iconos como Slash, Kirk Hammett o Tom Morello.

El equipo del programa rinde homenaje a la figura de Del Casher, guitarrista e inventor fallecido recientemente a los 88 años. Casher fue un reputado músico de estudio que colaboró con grandes figuras internacionales y que desempeñó un papel determinante en la creación de uno de los efectos más influyentes en la historia de la música moderna: el pedal wah-wah. Diseñado en su origen como un circuito electrónico para emular la sordina de una trompeta dentro de la compañía Vox, Casher decidió aplicarlo a la guitarra eléctrica, dando pie al mítico modelo Cry Baby, bautizado así porque hacía llorar las cuerdas del instrumento.

A través de diversas anécdotas, se recuerda cómo aquel invento llegó a manos de Frank Zappa, quien a su vez se lo dio a conocer a una de las leyendas que mejor lo popularizaron en los escenarios: Jimi Hendrix. La tertulia musical hace un recorrido exhaustivo por los temas y estilos donde este sonido nasal y expresivo ha dejado una huella indeleble, comenzando por el propio George Harrison y su composición titulada Wah-Wah, incluida en su aclamado disco en solitario tras la separación de The Beatles, jugando con el doble significado del pedal y el dolor de cabeza que le causaban las tensiones con sus antiguos compañeros.

La consagración definitiva del dispositivo en el rock llegó de la mano de Hendrix con la legendaria pista Voodoo Child (Slight Return), publicada en 1968 dentro del álbum Electric Ladyland. Los comentaristas destacan el dominio técnico, la sensibilidad al modular el tono y el empleo de notas sordas con cuerdas muteadas que convirtieron la introducción del tema en el monumento de referencia para cualquier guitarrista que desee adentrarse en las posibilidades expresivas del pedal.

El efecto no tardó en expandirse a otros géneros y revolucionó la música negra de los años setenta, consolidándose como elemento imprescindible del sonido funk. Uno de sus hitos indiscutibles fue la banda sonora de la película Shaft, compuesta por Isaac Hayes y galardonada con un premio Oscar. Su célebre tema principal nació por casualidad en el estudio cuando el guitarrista Charles Skip Pitts comenzó a improvisar un bucle con el pedal, dando pie a una introducción instrumental de casi tres minutos que la discográfica inicialmente se resistía a publicar como sencillo pero que terminó marcando época.

En el terreno del hard rock, se analiza el uso que Slash dio al efecto en piezas de Guns N' Roses como Civil War. Pese a ser un guitarrista sobrio en cuanto al empleo de efectos y pedales en directo, Slash siempre ha mantenido una predilección especial por el wah-wah, distribuyendo varios de ellos por el escenario para recurrir a su sonido desgarrador y melódico a lo largo de sus solos de guitarra más memorables.

La conversación aborda también el caso de Kirk Hammett en Metallica, especialmente en su clásico Enter Sandman perteneciente al Black Album. Se debate sobre la fuerte adicción estética del músico a este pedal, influido directamente por su maestro Joe Satriani, hasta el punto de generar discusiones internas en la banda liderada por Lars Ulrich y James Hetfield sobre el protagonismo del filtro en prácticamente todas sus grabaciones de estudio.

Asimismo, el espacio explora cómo el dispositivo trascendió a las seis cuerdas tradicionales y se incorporó con enorme acierto a otros instrumentos. Destaca el demoledor bajo eléctrico de Geezer Butler en el tema N.I.B. de Black Sabbath, que dotó a la base rítmica de un tono sucio y agresivo que sentó las bases del heavy metal. Frente a experimentos descartados por otros músicos ilustres como Lemmy Kilmister de Motörhead, el wah-wah en el bajo demostró una gran versatilidad en las manos adecuadas para generar texturas sonoras contundentes.

La versatilidad del invento de Casher llegó también a los teclados de la mano de genios como Stevie Wonder, quien lo acopló de forma magistral a su clavinet en Higher Ground, y de Herbie Hancock en temas como Chameleon. Hancock incorporó el pedal tanto al sintetizador como al piano eléctrico Fender Rhodes, combinando el jazz de corte tradicional con la emergente música electrónica y de fusión.

Por último, se pone de relieve la revolucionaria aportación de Tom Morello en Rage Against the Machine con cortes icónicos como Bulls on Parade, donde combina el wah-wah con técnicas de conmutación para emular los característicos ruidos de scratch propios de los pinchadiscos de hiphop. El monográfico concluye despidiendo la emisión al ritmo de Gorillaz y recordando la enorme huella que una innovación tecnológica aparentemente sencilla dejó grabada para siempre en la cultura popular.

Un recorrido sonoro por temas ardientes de Hendrix, Jerry Lee Lewis o AC/DC como metáforas de pasión, rebeldía y creación artística.

En la entrega número 452 de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, Felipe Couselo inaugura una serie monográfica dedicada a los cuatro elementos de la naturaleza según la filosofía clásica. La primera entrega se centra de lleno en el fuego, entendido como símbolo de pasión ardiente, catalizador de transformaciones radicales, furia interior y esa chispa incontrolable que impulsa tanto el deseo creativo como las contradicciones humanas.

El recorrido sonoro arranca con The Jimi Hendrix Experience y su electrizante Fire, corte perteneciente a su mítico álbum Are You Experienced. Couselo rememora la teatralidad y el vigor escénico de Hendrix junto al bajista Noel Redding y el batería Mitch Mitchell, además de compartir la conocida anécdota doméstica en la que el guitarrista, buscando resguardarse del gélido frío junto a la chimenea en casa de la madre de Redding, bromeó con el perro de la familia para que le cediera el sitio frente a las llamas.

La energía continúa con uno de los pilares fundacionales del rock and roll: Great Balls of Fire, inmortalizada por Jerry Lee Lewis en 1957 bajo el sello Sun Records. La composición, debida a Otis Blackwell y Jack Hammer, encapsula la intensidad desbordante del piano y el dramatismo escénico de Lewis, quien llegó a prender fuego a su instrumento en directo para eclipsar a sus rivales y dejar una huella imborrable en la historia musical.

El programa transita después hacia la vertiente más combativa y política del fuego con Rage Against the Machine y su incendiario Sleep Now in the Fire, perteneciente al disco The Battle of Los Angeles. La canción denuncia la codicia y la alienación capitalista, apoyada en el recordado rodaje de su videoclip a las puertas de la Bolsa de Nueva York bajo la dirección de Michael Moore, acontecimiento que derivó en altercados policiales y el cierre temporal del emblemático edificio financiero.

El fuego adquiere tintes amargos y personales con Johnny Cash y su célebre Ring of Fire. Compuesta por June Carter y Merle Kilgore, la pieza utiliza el ardiente círculo de fuego como metáfora del tormento y la fascinación que provoca el enamoramiento extremo, aderezada con los distintivos arreglos de viento mariachi que Cash ideó en un sueño. Acto seguido, la contundencia de AC/DC hace acto de presencia con Shot Down in Flames, himno del álbum Highway to Hell que narra con sorna los fracasos amorosos entre llamaradas de puro hard rock.

La velada rescata igualmente la faceta acústica y tensa de The Rolling Stones en Play with Fire, advertencia directa a una joven caprichosa sobre los peligros de jugar con fuego en el terreno emocional. Bruce Springsteen toma el relevo con la épica crepuscular de Streets of Fire, incluida en su obra maestra Darkness on the Edge of Town, donde retrata la perseverancia del individuo frente a la hostilidad urbana y los demonios interiores.

El periplo musical se completa con piezas fundamentales como Burnin' for You de Blue Öyster Cult, que refleja el desgaste y la vida errante del músico en la carretera; la introspección melancólica de James Taylor en Fire and Rain; la fuerza comunitaria de Audioslave con Original Fire; y la invitación bailable de Talking Heads a romper la rutina en Burning Down the House. Tras el salto visceral de Harry Nilsson en Jump into the Fire, la crudeza existencial de Meat Puppets y Nirvana en Lake of Fire y la dedicatoria especial con Hearts on Fire de Bryan Adams, el programa concluye al compás de Light My Fire de The Doors, rubricando una sesión consagrada al poder inextinguible de la música.

Felipe Couselo explora el diálogo entre la risa y el llanto a través de grandes clásicos de la música popular.

Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducida por Felipe Couselo y con Miriam García en el control técnico, aborda el constante diálogo emocional entre la risa y el llanto a través de la música popular. Bajo el sugerente título de Sonrisas y lágrimas —dejando claro con humor que nada tiene que ver con la célebre película—, el espacio radiofónico explora cómo las expresiones físicas de la alegría y de la tristeza a menudo se cruzan, se confunden o sirven como máscara emocional ante los demás.

El recorrido sonoro arranca con dos miradas opuestas sobre el rostro humano. Por un lado, Smokey Robinson & The Miracles exponen en The Tracks of My Tears la angustia de quien finge buen humor mientras oculta las huellas del sufrimiento. En contraste, Van Morrison aporta una explosión de euforia vital con Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile), un homenaje celebratorio al poder transformador de una sonrisa sincera y al propio Jackie Wilson, cuya grabación en directo transmitió una energía contagiosa irrepetible.

La tristeza que emerge al encontrarse de nuevo con un viejo amor toma forma con Crying, interpretada magistralmente por Roy Orbison junto a k.d. lang. La pieza relata el colapso emocional de quien creía haber superado una ruptura y descubre que la herida sigue abierta. Acto seguido, Steve Harley & Cockney Rebel demuestran con Make Me Smile (Come Up and See Me) cómo un ritmo festivo y luminoso puede albergar un mensaje de despecho y reproche hacia los antiguos integrantes de su banda tras una dolorosa desbandada.

El carácter catártico del llanto encuentra cobijo en el soul con Solomon Burke y su clásico Cry to Me, una obra inmortalizada también en el cine que propone el desahogo como un vehículo de redención e invita a no sufrir en soledad. Esta misma idea enlaza con The Isley Brothers y su brillante Behind a Painted Smile, donde la metáfora del carnaval sirve para ilustrar cómo el ser humano construye una fachada de fortaleza para impedir que el entorno perciba su verdadero abatimiento.

Las vicisitudes del desamor juvenil y las imposiciones sociales protagonizan dos temas fundamentales de los años sesenta. Por una parte, Frankie Valli & The Four Seasons sostienen en Big Girls Don't Cry la necesidad de madurar y sobreponerse a los reveses sentimentales, mientras que Lesley Gore reivindica en It's My Party el derecho incontestable al llanto cuando una fiesta de cumpleaños se convierte en una humillación sentimental ante la traición de su pareja.

La melancolía reflexiva continúa con The Wallflowers en Laughing Out Loud, donde la risa funciona como una coraza protectora frente a la incertidumbre vital. En el terreno del rock de estadio, Aerosmith firma con Cryin' una de sus más aclamadas composiciones sobre rupturas tormentosas, respaldada por un recordado videoclip protagonizado por Alicia Silverstone que capturó a la perfección la angustia y la rebelión juvenil de los años noventa.

El programa recupera la vertiente más esperanzadora de la música de la mano de Louis Armstrong y su célebre versión de When You're Smiling, recordando la capacidad universal que tiene el optimismo para cambiar la percepción del entorno. En una línea semejante, Nat King Cole emociona con Smile, la mítica composición de Charlie Chaplin que insta a sobreponerse al dolor interior mediante el coraje de sonreír, confirmando que la vida sigue mereciendo la pena a pesar de las adversidades.

La introspección se intensifica con The Beatles en While My Guitar Gently Weeps, joya del cuarteto de Liverpool compuesta por George Harrison con la guitarra solista de Eric Clapton, donde el llanto del instrumento canaliza una profunda mirada filosófica sobre el mundo. Por su parte, The Killers retratan en Smile Like You Mean It el paso del tiempo y las ilusiones perdidas, examinando la distancia entre el entusiasmo fingido y la memoria que se desvanece.

La recta final brinda la desgarradora autenticidad de Janis Joplin en Cry Baby, un clamor desgarrado donde el desahogo se convierte en una necesidad vital absoluta. Tras el mensaje de consuelo y afecto que despliegan los australianos INXS en Baby Don't Cry, la emisión se cierra de forma circular con The Tears of a Clown, de Smokey Robinson & The Miracles, evocando la tragedia lírica de Pagliacci y recordando que tras la apariencia cómica de muchos rostros suele esconderse un mar de lágrimas en la soledad de la noche.