Prohibido contar ovejas

Un recorrido por el cine de Tony Scott: del videoclip y la publicidad al thriller y la acción, con Cruise, Denzel y un estilo que marcó época.

En esta edición de Prohibido contar ovejas, Felipe Couselo y sus colaboradores analizan la trayectoria del director Tony Scott. El debate se centra en su capacidad para redefinir el cine de acción mediante una estética visual única, marcada por su formación en bellas artes y su exitoso paso por el mundo de la publicidad, lo que le permitió convertirse en un cineasta polifacético capaz de imprimir un sello distintivo en cada plano.

El recorrido comienza con su debut en El ansia, donde ya se vislumbraba su obsesión por la atmósfera y el estilo, para luego dar el salto definitivo al estrellato con Top Gun. Los tertulianos destacan cómo Scott, bajo la producción de Jerry Bruckheimer, moldeó la estética de la generación MTV, priorizando el impacto sensorial y logrando un éxito comercial sin precedentes que transformó la industria de los años 80.

Durante los inicios de los 90, películas como Revenge y Días de trueno mostraron su evolución hacia relatos más maduros sin perder su perfeccionismo técnico. La charla subraya su meticulosa planificación, evidenciada en el uso de filtros y teleobjetivos para capturar la luz, lo que consolidó una narrativa visual que influiría profundamente en directores contemporáneos y en la cultura pop global.

Finalmente, se analiza su fructífera relación con guionistas de la talla de Shane Black y Quentin Tarantino en obras maestras como El último Boy Scout y Amor a quemarropa. En estas cintas, Scott demostró su habilidad para dirigir a grandes estrellas y construir personajes de antihéroes memorables, apoyados en diálogos afilados y una violencia estilizada que hoy en día se consideran hitos del cine de culto.

Del punk de Kid Kapichi a la ciencia ficción en el María Guerrero, exploramos la vanguardia artística y homenajeamos a Bob Weir.

En una nueva entrega de Prohibido contar ovejas en esRadio, Felipe Couselo y su equipo analizan la actualidad cultural a través de una variada selección musical y cinematográfica. Durante el programa se debate sobre los cuadernos de Juanma González y se presentan bandas como Pre-the-Senses, que compite por un puesto en el festival Mad Cool, y The Georgia Thunderbolts, quienes anuncian un parón indefinido por motivos de salud. También se destaca el punk rítmico de Kid Kapichi con Stainless Steel y la estética puramente ochentera de las Starbenders, cuya música recuerda a la atmósfera de Stranger Things.

En el ámbito nacional, el espacio resalta el talento de Nat Simons y su reciente trabajo Alain Delon, además del esperado regreso de OBK con el tema Estar en Berlín. Esta pieza marca una evolución hacia el electro-clash, confirmando la vigencia de Jordi Sánchez en la escena electrónica. Asimismo, se analiza el estilo lacónico de Father John Misty a través de su versión de The Old Laughing Lady, reforzando la apuesta del programa por sonidos con personalidad propia.

La oferta teatral se centra en La Distancia, una obra de ciencia ficción dirigida por Tiago Rodrigues en el Teatro María Guerrero que utiliza una metáfora interplanetaria para hablar de la soledad. En la sección de cine, Juanma González destaca el impacto visual de 28 años después, la nueva entrega de la saga de infectados que cuenta con la dirección de Nia DaCosta y el protagonismo de Ralph Fiennes, prometiendo una experiencia mucho más visceral que las entregas anteriores.

El programa concluye con un emotivo tributo a la figura de Bob Weir, pieza clave de los Grateful Dead, tras la noticia de su fallecimiento. Al ritmo de Truckin’, los colaboradores ensalzan su legado contracultural y su maestría musical, cerrando una semana marcada por la reflexión sobre la pérdida de grandes referentes del rock y la continua renovación de las artes escénicas y musicales.

Analizamos a los personajes denominados Drama Queens en diversas series de televisión. Desde Sexo en Nueva York hasta Homeland

El espacio radiofónico analiza a los personajes denominados Drama Queens en diversas series de televisión. La primera protagonista destacada es Carrie Bradshaw, de Sexo en Nueva York, cuya vida en Manhattan gira en torno a constantes dramas sentimentales y profesionales. Los tertulianos cuestionan el estilo de vida del personaje, señalando la falta de realismo en su capacidad para costear un apartamento de lujo con una sola columna semanal.

A continuación, el debate se centra en Sheldon Cooper, de The Big Bang Theory, y en los hermanos Geller de Friends. Mientras Sheldon es descrito como un personaje cuya agonía y excentricidad afectan a todo su entorno, en el caso de Monica y Ross se sugiere que el dramatismo es un rasgo genético. Se destacan momentos icónicos de Monica, como su obsesión por el orden y la limpieza, y el carácter quejumbroso de Ross.

La conversación también abarca a Blair Waldorf en Gossip Girl y a Carrie Mathison en Homeland. Sobre esta última, se debate si su sufrimiento extremo está justificado por la temática de la serie, aunque se critica la interpretación de Claire Danes por mantener una expresión facial dramática constante. El análisis concluye mencionando a Candy Candy como el referente máximo del drama para toda una generación infantil.

Desde Josema Yuste hasta Pablo Carbonell, repasamos las locuciones más singulares de famosos que marcaron el cine español por puro marketing.

En el programa se analiza la historia de los doblajes inusuales en España, una tendencia que comenzó a destacar con la película Mira quién habla, donde el humorista Moncho Borrajo puso voz al bebé protagonista. Esta práctica se extendió a sus secuelas, Mira quién habla también y Mira quién habla ahora, contando con las voces de Rosamaría Sardá y Alfredo Landa para personajes que originalmente interpretaban estrellas internacionales.

Un hito fundamental fue el estreno de Aladdín en 1992, donde Josema Yuste realizó una aclamada interpretación del Genio. Este éxito comercial y artístico consolidó el uso de celebrities y humoristas en el cine de animación, abriendo el camino para que figuras como Cruz y Raya participaran en Shrek o que José Mota y Santiago Segura prestaran sus voces en Monstruos, S.A.

El audio también repasa casos más extravagantes, como el de Ángel Garó en FernGully: Las aventuras de Zak y Crysta, donde dobló a casi la totalidad de los personajes. Otros ejemplos destacados por su falta de ortodoxia incluyen a Dani Martín doblando a Jack Black en School of Rock y a Emilio Aragón como el ratón protagonista en Stuart Little, decisiones a menudo motivadas por estrategias de marketing.

Por último, se mencionan doblajes que transformaron el guion original mediante el humor local, como el trabajo de Gomaespuma en Ali G anda suelto o las múltiples voces de Florentino Fernández en la saga de Austin Powers. El repaso concluye con el icónico doblaje de Pablo Carbonell en Las aventuras de Ford Fairlane, un trabajo basado en la improvisación que convirtió al filme en una obra de culto en España.

Desde el misterio médico de Maomao hasta la cruda violencia de Chainsaw Man, las series niponas revolucionan el mercado con su versatilidad técnica.

En este audio, los locutores exploran el auge del anime contemporáneo a través de plataformas como Crunchyroll. Destacan Los diarios de una boticaria, una serie que mezcla el drama de época con el misterio médico al estilo de House. La protagonista, Maomao, destaca como una catadora de venenos en la corte, ofreciendo una narrativa única que combina comedia y suspense.

También se analiza el fenómeno de Demon Slayer (Guardianes de la Noche), cuya película Infinity Castle Part 1 ha liderado las taquillas mundiales. La obra de Koyoharu Gotouge es alabada por su calidad de animación y su capacidad para profundizar en la humanidad de los personajes, incluso de los antagonistas, lo que la convierte en una pieza clave del entretenimiento actual.

El repaso continúa con títulos más crudos como Jujutsu Kaisen y Chainsaw Man. Mientras el primero aborda el exorcismo urbano con una estética contemporánea, el segundo rompe moldes con una propuesta más adulta, cargada de violencia y sensualidad. Ambas series demuestran la versatilidad del género para atraer a diversos perfiles de espectadores mediante técnicas innovadoras como la rotoscopia.

Finalmente, mencionan el estreno de Sentenced to be a Hero, una propuesta de fantasía oscura centrada en la acción frenética. Los locutores concluyen que el anime está ocupando el espacio que antes dominaban los superhéroes, consolidándose como el nuevo motor económico de la industria audiovisual global gracias a su capacidad de renovación constante.