Prohibido contar ovejas

Del cine clásico a nuevas propuestas, exploramos el terror extraterrestre: invasiones, mutaciones y amenazas que llegan desde lo desconocido.

En una reciente tertulia cinematográfica que respira esa defensa de la excelencia individual que tanto valoramos, se ha analizado la figura de Steven Spielberg y su posible regreso al cine de extraterrestres. El debate comienza recordando la icónica melodía de cinco notas de Close Encounters of the Third Kind, una obra maestra que definió la relación de la humanidad con lo desconocido. Los tertulianos comentan la filtración de un proyecto ultra secreto en el que el director colabora nuevamente con David Koepp. Este posible retorno se ve como un acto de libertad creativa frente a la saturación de franquicias modernas, sugiriendo que el cineasta busca recuperar el sentido del misterio que parece haberse perdido en la era de los efectos digitales genéricos.

El análisis se desplaza hacia la evolución del thriller de ciencia ficción y cómo Spielberg ha influido en la narrativa de las abducciones. Se menciona la técnica del lenguaje universal a través de la música y las matemáticas, pero también se explora la faceta más oscura del género. Los ponentes destacan cómo el tráiler de la nueva cinta de Universal parece beber directamente de la estética de los años setenta, utilizando el lenguaje cinematográfico para generar una atmósfera de inquietud que va más allá de lo puramente visual. Es, en esencia, una reivindicación del cine como arte de la sugestión.

La conversación toma un giro más visceral al recordar Species, estrenada en 1995. Esta película, que contó con el diseño del genio H.R. Giger, es recordada por su mezcla de terror y erotismo alienígena. Se destaca la maestría técnica necesaria para crear una criatura que, aunque perturbadora, poseía una atracción magnética. Los tertulianos subrayan que, a diferencia de los productos manufacturados de la actualidad, cintas como estas se atrevían a explorar los límites del horror biológico sin las ataduras de la corrección política que hoy asfixia a gran parte de la industria de Hollywood.

Otro punto clave de la charla es la comparativa entre las versiones de The Thing. Se analiza la obra de 1951 producida por Howard Hawks frente al remake de 1982 de John Carpenter. Se menciona que la versión de Carpenter, hoy considerada un pilar del cine de terror, fue un fracaso inicial debido a la coincidencia con el estreno de E.T. the Extra-Terrestrial. Esto sirve de base para una reflexión sobre cómo el gusto del público y la crítica especializada a veces tardan décadas en reconocer la verdadera genialidad que se esconde tras una propuesta arriesgada e independiente de espíritu.

El grupo también rescata del olvido títulos de culto como Xtro, calificada como una película de videoclub sucia y morbosa, famosa por su inquietante escena de un parto alienígena. Este tipo de cine, que floreció bajo el amparo de la libertad de mercado que permitía la distribución en video, representa una época de audacia narrativa difícil de replicar hoy. Se comenta que el espectador de entonces no necesitaba ser tutelado por el Estado ni por comités de ética, sino que buscaba el impacto emocional directo que solo el género fantástico más crudo podía ofrecer.

No podía faltar la mención a la legendaria productora Cannon Films y sus fundadores, Menahem Golan y Yoram Globus, en relación con el remake de Invaders from Mars dirigido por Tobe Hooper. El relato sobre el caos productivo de la Cannon y cómo se confundían los contratos de los actores (como el caso de Sharon Stone en Allan Quatermain and the Lost City of Gold) sirve para ilustrar una era de emprendimiento audaz. Aunque sus métodos fueran heterodoxos, su visión empresarial permitió que directores de renombre experimentaran con presupuestos que las grandes productoras no se atrevían a tocar.

Finalmente, se aborda Invasion of the Body Snatchers de Philip Kaufman como la cumbre de la paranoia alienígena. Se discute cómo el alienígena ha servido históricamente como metáfora política del invasor o del enemigo ideológico, desde el comunismo en los años cincuenta hasta la desconfianza en las instituciones militares en los setenta. Los tertulianos concluyen que el cine de extraterrestres es el espejo donde la humanidad refleja sus miedos más profundos, y que la excelencia creativa de estos directores reside en su capacidad para cuestionar la realidad establecida a través de la fantasía.

Un recorrido por canciones donde el bajo manda: riffs inolvidables que sostienen himnos del rock y marcan el pulso de generaciones.

Un viaje por la historia de la automoción: del icónico Mustang al Cadillac, emblemas de libertad en el cine y el pop internacional.

En esta vibrante sección radiofónica, los colaboradores Juanma y Felipe se sumergen en una travesía melódica que vincula la historia del motor con los grandes clásicos de la música popular. El recorrido comienza con un icono automovilístico indiscutible: el Ford Mustang. A través de la canción My Ford Mustang de Chuck Berry, grabada en mil novecientos sesenta y cinco, se analiza la visión de Lee Iacocca, quien transformó un coche inicialmente concebido como un vehículo asequible para la juventud en un fenómeno de ventas global. Este coche no solo representó un éxito comercial, vendiendo un millón de unidades en dieciocho meses, sino que se convirtió en un símbolo de la libertad individual en las carreteras norteamericanas.

La fascinación por este modelo cruzó el Atlántico, llegando a la cultura francesa de la mano de Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot. En su tema Ford Mustang, encuadrado en el estilo yé-yé, el coche se utiliza como una metáfora de la velocidad y el riesgo, elementos que a menudo terminan en colisión, reflejando la intensidad de la vida moderna y la influencia cultural de los Estados Unidos en la Europa de los años sesenta. La elegancia de Bardot sobre el asfalto es, todavía hoy, una de las imágenes más potentes del cine y la música gala.

El programa también aborda la eterna rivalidad entre fabricantes, destacando al Chevrolet Camaro como el competidor natural del Mustang. Con la canción Camaro de la banda Kings of Leon, se recuerda cómo este pony car fue publicitado como un pequeño animal salvaje capaz de devorar a los Mustangs. Esta competencia feroz por el mercado de los jóvenes conductores define gran parte de la era dorada de Detroit, donde la potencia de los motores V8 era el estándar de éxito y prestigio social.

Hablar de lujo en el contexto estadounidense es, necesariamente, hablar de la marca Cadillac. Bruce Springsteen le dedicó su famoso Pink Cadillac, un tema que evoca no solo el brillo de la carrocería, sino también la curiosa tradición de la empresa de cosméticos Mary Kay, que premiaba a sus mejores vendedoras con modelos en color rosa. El Cadillac se erigió como el Rolls Royce americano, un objeto de deseo que representaba la culminación del éxito personal y profesional en la sociedad del libre mercado.

Sin embargo, el Cadillac también fue adoptado por los movimientos más rebeldes. The Clash, en su emblemático álbum London Calling, incluyó una versión de Brand New Cadillac de Vince Taylor. Esta pieza musical muestra la dicotomía entre materialismo y punk, utilizando el coche como un elemento de estatus que puede ser tanto amado como despreciado por las subculturas callejeras que buscaban romper con el sistema establecido.

En el ámbito nacional, la nostalgia rockera se personifica en Loquillo y los Trogloditas y su himno Cadillac Solitario. En una España donde la importación de estos vehículos era casi inexistente debido a las restricciones de la época, el coche se convirtió en un símbolo de una juventud que anhelaba la libertad de las películas de Hollywood. El Cadillac de Loquillo no es solo un coche, es la representación de un desamor y de una aspiración cultural que trascendía las fronteras españolas.

La sección también dedica un espacio al humor y la sencillez con Roberto Carlos y su tema Mi cacherrito. Aunque originalmente la canción se asocia con el Volkswagen Beetle (conocido como Fusca en Brasil o Bocho en México), sirve para ilustrar cómo un coche diseñado bajo premisas muy distintas terminó siendo un símbolo hippie de paz y movilidad sencilla. Es un ejemplo de cómo la propiedad privada y la ingeniería se adaptan a los cambios sociológicos de cada década.

El salto a la modernidad lo protagoniza el rapero El Coleta junto a C. Tangana en su mención al BMW E39. Los colaboradores destacan la ingeniería alemana y la agilidad de los modelos de la serie cinco de finales de los noventa. En este punto, se aprecia un cambio de sensibilidad hacia el coche europeo, valorado por su precisión técnica y su comportamiento en carretera, alejándose del gigantismo de los modelos americanos anteriores.

El resumen no estaría completo sin las dos ruedas. Se menciona la Honda Super Cub a través de la canción Little Honda de los Beach Boys. Esta moto, con más de cien millones de unidades vendidas, supuso una auténtica revolución en la movilidad, especialmente en Asia. El tema celebra la sencillez y el placer de conducir un vehículo ligero, democratizando el acceso al motor para millones de personas en todo el mundo.

Por otro lado, la Harley Davidson representa el espíritu rebelde por excelencia. Nuevamente con Brigitte Bardot, se explica cómo estas máquinas se convirtieron en el refugio de los veteranos de guerra que buscaban libertad fuera de las normas convencionales de la sociedad. La cultura de los clubes de moteros y las largas rutas por carretera son ya parte inseparable de la mitología del siglo veinte.

Finalmente, se rinde homenaje al motor europeo más cercano con la Vespa y la Lambretta. Desde la canción de Concha Velasco dedicada a la Vespa fabricada en Madrid, hasta el toque mod de Los Caradine con Padre Lambretta, se subraya la identidad europea del transporte urbano. Estas pequeñas motocicletas permitieron a toda una generación de españoles y europeos moverse con independencia por ciudades en constante crecimiento.

La sección cierra con un mensaje de concienciación social necesario: la calle no es un circuito. Utilizando el tema Valentino de Ralfy Chuu, se hace referencia al mítico piloto Valentino Rossi para recordar que la velocidad debe reservarse para los entornos controlados. Con el broche final de Alice Cooper y su No More Mr. Nice Guy, el programa despide una entrega que celebra la libertad de movimiento y la historia cultural escrita sobre ruedas.

Viaje del horror extraterrestre al poder del bajo y canciones sobre motores. Cine, música y cultura pop en una noche intensa y envolvente.

En una nueva entrega del programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo junto a sus habituales colaboradores Juanma González, Alma Espinosa, Dani Palacios e Isaac Belmar, se ha desplegado un fascinante abanico de referencias a la cultura popular, el cine de género y la historia del rock. La tertulia, marcada por un tono distendido pero profundamente analítico, ha servido para reivindicar la vigencia de grandes mitos del séptimo arte y la música, alejándose de los corsés de la corrección política para celebrar la creatividad sin complejos. La noche comenzó con una inmersión en el universo de Steven Spielberg, de quien se comentó su posible regreso al cine de extraterrestres, un género que él mismo definió con obras maestras como Close Encounters of the Third Kind y E.T. the Extra-Terrestrial. Isaac Belmar destacó cómo los rumores en la red especulan con una conexión entre su nuevo proyecto secreto y el clásico de 1977, subrayando la capacidad del director para capturar el sentido de la maravilla y el misterio frente a lo desconocido.

El repaso cinematográfico continuó hacia terrenos más oscuros y viscerales, analizando la evolución del cine de ciencia ficción y terror. Se rescataron títulos como Species, con la icónica Natasha Henstridge, y las diferentes versiones de The Thing, comparando la visión de Howard Hawks de 1951 con la atmósfera de paranoia absoluta que John Carpenter logró en 1982. Los colaboradores mostraron un especial interés por el cine de culto de los años ochenta, mencionando películas como la inquietante Xtro, un filme británico-canadiense que se alejaba de la benevolencia alienígena de Spielberg para ofrecer una visión mucho más sórdida y traumática. En este sentido, se puso en valor la libertad creativa de una época donde el cine de serie B no temía incomodar al espectador con propuestas arriesgadas y, en ocasiones, deliberadamente repulsivas, algo que hoy parece escasear en una industria demasiado temerosa de las sensibilidades modernas.

En el bloque musical, Dani Palacios tomó las riendas para dedicar un espacio al bajo eléctrico, ese instrumento a menudo injustamente relegado a un segundo plano pero que constituye el verdadero latido de las composiciones más memorables del rock. Palacios realizó un recorrido por algunas de las líneas de bajo más reconocibles de la historia, comenzando por el icónico inicio de Money de Pink Floyd y pasando por el sonido distorsionado de Lemmy Kilmister en Ace of Spades de Motörhead. Se destacó cómo figuras como Geezer Butler en Black Sabbath con el tema N.I.B. o John Deacon en Queen con Another One Bites the Dust lograron que el bajo no solo acompañara, sino que definiera la identidad de las canciones. Esta reivindicación melódica sirvió para recordar que, detrás de la pirotecnia de las guitarras, existe una estructura rítmica esencial que es la que verdaderamente moviliza al oyente.

La sección dedicada al motor, presentada por Isaac Belmar, conectó la música con la pasión por los automóviles y las motocicletas, símbolos eternos de libertad e individualismo. A través de canciones como My Mustang Ford de Chuck Berry o Pink Cadillac de Bruce Springsteen, se analizó cómo el coche ha sido un protagonista fundamental en la lírica del rock estadounidense, representando el sueño de la carretera abierta y el estatus social. No faltaron referencias patrias, con la mención obligada a Loquillo y su Cadillac Solitario, una pieza clave que resume la fascinación de una generación de músicos españoles por la estética y los mitos norteamericanos. También se exploró el mundo de las dos ruedas, desde la elegancia europea de la Vespa cantada por Concha Velasco hasta la robustez de la Harley Davidson de Brigitte Bardot, compuesta por el inigualable Serge Gainsbourg.

Finalmente, el programa cerró con un mensaje de responsabilidad individual, recordando mediante una canción de El Coleta que la calle no es un circuito, pero sin perder el espíritu rebelde que caracteriza al espacio. La mención a grupos como The Clash con su versión de Brand New Cadillac o a bandas más contemporáneas como Muse con Hysteria, demostró que la cultura popular es un hilo continuo que une décadas de creatividad indomable. En un panorama mediático donde a menudo se impone la homogeneidad, esRadio sigue apostando por espacios que, como este, permiten bucear en los rincones más interesantes de la cultura sin renunciar al criterio propio ni a la pasión por el detalle. El cierre, a ritmo de Alice Cooper con No More Mr. Nice Guy, fue la rúbrica perfecta para una noche de radio que celebra la libertad de expresión y el amor por el arte en todas sus formas.

Un viaje sonoro por el universo de Lovecraft con Metallica, Black Sabbath o Cradle of Filth. Terror cósmico convertido en música.