Prohibido contar ovejas

Felipe Couselo analiza el impacto del genio de la Tierra Media en el heavy metal o el rock, con la imponente voz de Christopher Lee como inicio.

En esta nueva y fascinante entrega de Prohibido Contar Ovejas, el director y presentador Felipe Couselo cierra el ciclo dedicado a la vasta influencia musical de la obra de J.R.R. Tolkien. A lo largo del programa, se explora cómo la mitología de la Tierra Media ha permeado géneros tan diversos como el heavy metal, el prog rock y el folk, demostrando que la creación del profesor británico no es solo un hito literario, sino un pilar fundamental de la cultura occidental contemporánea.

El programa arranca con una pieza sobrecogedora: la voz del añorado Sir Christopher Lee recitando los versos grabados en el Anillo Único. Couselo destaca la figura de Lee no solo por su icónica interpretación de Saruman en la gran pantalla, sino por su vínculo personal con el autor, a quien llegó a conocer. Esta conexión dota de una autoridad mística a su recitación, subrayando la importancia de la palabra original de Tolkien frente a las interpretaciones posteriores.

La travesía sonora continúa hacia la trilogía de The Hobbit dirigida por Peter Jackson. Se analizan temas como Song of the Lonely Mountain, interpretado por Neil Finn, y I See Fire, de Ed Sheeran. Couselo reflexiona sobre el proceso de adaptación cinematográfica, mencionando la transición de la dirección de Guillermo del Toro a Jackson y cómo la música intenta rescatar la esencia épica de un relato que, en su origen literario, poseía un tono mucho más infantil y sencillo que El Señor de los Anillos.

Un momento especialmente emotivo llega con Billy Boyd y su canción The Last Goodbye. Boyd, que dio vida a Pippin, regresa para despedir la saga de The Hobbit con una melodía que evoca la nostalgia del camino recorrido. El presentador aprovecha para ensalzar la calidad literaria de los apéndices de la obra de Tolkien, de los cuales los cineastas extrajeron gran parte del material para expandir las películas y darles un contexto histórico más profundo.

El programa da un giro hacia lo experimental y lo clásico con Sally Oldfield y su evocadora pieza Nenya, incluida en el álbum Water Bearer de 1978. La atmósfera etérea de la canción conecta perfectamente con la espiritualidad de los elfos. Couselo defiende aquí la excelencia cultural frente a la pobreza de espíritu de quienes desprecian estos universos, calificando el término freakismo como una etiqueta vacía utilizada por aquellos que carecen de una formación humanística sólida.

No falta el espacio para la curiosidad histórica con Leonard Nimoy y su interpretación de The Ballad of Bilbo Baggins. En un tono que roza lo kitsch, el eterno Spock demuestra que el impacto de Tolkien llegó a rincones insospechados de la industria del entretenimiento. Nimoy, un artista polifacético, editó hasta cinco álbumes, integrando la fantasía épica en la psicodelia pop de los años sesenta.

El rock progresivo y el heavy metal, géneros intrínsecamente ligados a la épica, tienen un protagonismo especial. Desde la elegancia al piano de Rick Wakeman en The Grey Havens hasta la potencia de Led Zeppelin con Ramble On, se evidencia que la Tierra Media es el escenario ideal para la experimentación musical. Bandas como Battlelore, con su tema Orcrist, o Sabaton, con Shadows, llevan la lucha contra el caos de Mordor a una dimensión de fuerza y rebelión.

Finalmente, el programa culmina con la fidelidad absoluta de The Hobbitons y The Tolkien Ensemble. Estas agrupaciones se dedican a musicar los poemas y canciones escritos por el propio Tolkien, como la Old Walking Song o el Song of Eärendil. Esta última pieza celebra la figura del gran navegante que porta la luz de un Silmaril, simbolizando la victoria final de la armonía y la esperanza sobre las tinieblas de Morgoth. En definitiva, el audio es un homenaje a una obra inmortal que sigue inspirando belleza y libertad en el corazón de los hombres.

Cannon Films, excesos, culto y acción desmedida en un viaje por el cine más salvaje que convirtió lo imposible en espectáculo inolvidable.

De la deriva de Bono al impacto emocional de Las Gratitudes, la mesa de Felipe Couselo disecciona la actualidad cultural con una mirada mordaz.

El programa Prohibido Contar Ovejas, capitaneado por Felipe Couselo, cierra la semana con una tertulia vibrante donde la cultura pop, la música alternativa y el análisis cinematográfico se entrelazan. En esta ocasión, el equipo debate sobre la evolución de grandes leyendas de la música como U2. Juanma González y Daniel Palacios analizan el reciente EP de la banda irlandesa, reflexionando sobre la figura de Bono y su transición hacia una postura políticamente correcta que a veces eclipsa su genialidad artística. A pesar de las críticas, el grupo reconoce que la trayectoria de los de Dublín es inalcanzable, permitiéndose ahora experimentos sonoros que no necesitan justificación ante la masa.

La sección musical continúa con el descubrimiento de Bleachers y su tema The Band, donde se destaca el papel de Jack Antonoff no solo como músico, sino como el gran arquitecto del pop contemporáneo por su trabajo con estrellas internacionales. El debate se traslada después al rock con Highly Suspect y su sencillo Wasted, que evoca la crudeza de los años noventa con un sonido grunge muy marcado. Sin embargo, el momento más sorprendente llega con la inusual colaboración entre Nina Hagen y Nana Mouskouri en Never Grow Old. Esta pieza de tintes folk y country sirve para reivindicar el talento de dos artistas veteranas que, lejos de retirarse, siguen desafiando las etiquetas comerciales impuestas por la industria actual.

Isaac Vizcaíno introduce un componente de crítica social al hablar del culto a la celebridad, personificado en la canción Cult of Celebrity de The Lambright Girls, una crítica mordaz a festivales como Coachella. Desde una perspectiva que valora la autenticidad frente al postureo, los tertulianos denuncian la artificialidad de una élite mediática que ignora la realidad. En contraposición, se ensalza el trabajo de Jack White y su sello Third Man Records, un oasis de creatividad analógica en un mundo excesivamente digitalizado. Temas como God and the Broken Ribs demuestran que el rock sucio y el blues siguen vivos gracias a figuras que apuestan por el formato físico y la experimentación.

El teatro ocupa un lugar central gracias a la recomendación de Alma Espinosa: Las Gratitudes, basada en la novela de Delphine de Vigan. Representada en el Teatro de la Abadía, la obra explora la angustia de perder la voz debido a la afasia. La reflexión sobre la necesidad de agradecer a quienes nos acompañaron en la vida, antes de que el silencio se imponga, conmueve profundamente a la mesa de debate. Es un recordatorio de la fragilidad humana frente al deterioro cognitivo y la importancia del lenguaje. La puesta en escena de Juan Carlos Fisher es alabada por su capacidad de generar una catarsis emocional genuina en el espectador.

Finalmente, el bloque de cine se centra en directores de culto como Gore Verbinski y Bryan Fuller. Se analizan los tráileres de Good Luck, Have Fun, Don't Die y Dust Bunny, protagonizada por Mads Mikkelsen. Los tertulianos celebran estas propuestas distópicas y originales que rompen con el molde de las superproducciones vacías de Hollywood. La conversación termina con el biopic I Swear, sobre John Richardson y su lucha con el síndrome de Tourette. Se critica con dureza la hipocresía de las galas de premios como los BAFTA, donde se intentó linchar a Richardson por insultos involuntarios derivados de su condición, demostrando una preocupante falta de empatía y un exceso de dogmatismo ideológico en la sociedad moderna.

Abrimos página musical y leemos entre líneas la historia del sonido. Isaac Vizcaíno trae temazos, contexto y claves que cambiaron la música.

En una nueva entrega de Notas (musicales) a pie de página, Isaac Vizcaíno nos propone un viaje a las raíces antropológicas y sonoras de la cultura urbana. Coincidiendo con la festividad de la Semana Santa, el programa disecciona lo que se conoce como la Santísima Trinidad del Hip-Hop, tres figuras fundamentales que, desde el margen y la iniciativa individual, levantaron los cimientos de un imperio cultural que hoy domina el globo. Basándose en el rigor histórico de obras como Generación Hip Hop de Jeff Chang, la sección reivindica la capacidad del individuo para generar orden y creatividad en entornos de absoluta degradación urbana y social, como fue el Bronx de la década de los setenta.

El primer vértice de este triángulo es DJ Kool Herc, un inmigrante jamaicano que trasladó la tradición del sound system a los bloques de hormigón neoyorquinos. Herc no solo pinchaba música; fue el arquitecto del breakbeat, al identificar que la esencia del baile residía en las secciones instrumentales de percusión. Al aislar estos fragmentos mediante el uso de dos platos, permitió que la comunidad encontrara un nuevo lenguaje de expresión. Esta innovación técnica supuso una ruptura estética con las estructuras comerciales de la época, demostrando que la libertad creativa nace a menudo de la escasez de medios y la observación aguda de la realidad.

El segundo pilar fundamental es Afrika Bambaataa, cuya historia es un ejemplo paradigmático de cómo la cultura puede ejercer una función civilizadora superior a cualquier intervención estatal. Antiguo líder de la pandilla Black Spades, Bambaataa canalizó la energía de la violencia callejera hacia la competición artística a través de la Universal Zulu Nation. Con temas como Planet Rock, introdujo la electrónica de vanguardia, inspirada en los alemanes Kraftwerk, dentro del ecosistema del funk. Su legado es la paz social conseguida mediante la sustitución del conflicto físico por el virtuosismo rítmico, una suerte de liberalismo cultural donde el prestigio se gana por el talento y no por la fuerza bruta.

Cierra esta trinidad Grandmaster Flash, el científico del grupo, quien elevó el uso de los platos a la categoría de instrumento musical. Flash perfeccionó técnicas como el scratch y el backspin, aportando una precisión matemática al caos de las fiestas callejeras. Su aportación no fue solo técnica, sino también narrativa; con The Message, el hip-hop abandonó el hedonismo puro para abrazar un realismo descarnado, describiendo la vida en el gueto con una crudeza que las instituciones preferían ignorar. Temas como White Lines, pese a sus polémicas internas, también marcaron una época de advertencia sobre las lacras que asolaban a la juventud de entonces.

El programa también analiza el momento en que esta subcultura se transforma en una industria lucrativa gracias a la visión empresarial de Sylvia Robinson y su sello Sugar Hill Records. Con el lanzamiento de Rapper's Delight de The Sugarhill Gang, se produce un cambio de paradigma: el protagonismo pasa del DJ al MC (maestro de ceremonias). Esta mercantilización, a menudo criticada por los puristas, fue en realidad el motor que permitió la expansión global del género, demostrando que el mercado es el mejor vehículo para que el talento marginal alcance el reconocimiento masivo y la prosperidad económica.

Finalmente, la charla deriva hacia figuras contemporáneas como Kanye West, ahora conocido como Ye, subrayando la evolución del artista hacia la figura del productor integral. Se destaca su genio creativo indiscutible, a pesar de sus excentricidades y las polémicas que han rodeado su figura pública, que incluso le han llevado a tener problemas con las autoridades de ciertos países por sus declaraciones. En definitiva, Isaac Vizcaíno nos recuerda que el hip-hop es una historia de superación individual y éxito contra todo pronóstico, una epopeya de la libertad que nació en un código postal olvidado y terminó conquistando el mundo entero.

Analizamos con Juanma Gonzalez lo que llega la gran pantalla este verano. Desde Vaiana hasta la Odisea de Nolan.