Prohibido contar ovejas

Felipe Couselo, Juanma González y Dani Palacios analizan la evolución de títulos como 'Heat' o 'La mosca' bajo una mirada técnica y nostálgica.

En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo se rodea de sus colaboradores habituales, Dani Palacios y Juanma González, para profundizar en un fenómeno cinematográfico inagotable: los remakes cinematográficos. La conversación surge a raíz de la noticia sobre una nueva adaptación televisiva de El cabo del miedo, lo que sirve de excusa para que el equipo analice cuáles son, a su juicio, las mejores versiones que han superado o igualado a sus obras originales.

El primer título puesto sobre la mesa es The Ring (La señal), la versión estadounidense de 2002 dirigida por Gore Verbinski. Dani Palacios defiende que, aunque la original japonesa de Hideo Nakata es una obra maestra del terror, Verbinski logró dotar a la historia de una atmósfera visualmente superior y más comprensible para el público occidental. Durante el análisis, destacan la interpretación de Naomi Watts, quien se convirtió en un icono del sufrimiento en pantalla, y cómo la mitología de la cinta de vídeo maldita fue perfeccionada mediante un diseño de producción mucho más ambicioso que el de la cinta nipona.

Posteriormente, el debate se traslada al género musical con La pequeña tienda de los horrores de 1986. Esta cinta de Frank Oz es un remake de una película de bajo presupuesto de Roger Corman, pero basada directamente en el éxito de Broadway. Los colaboradores subrayan la maestría de los efectos prácticos de la época, mencionando que la planta Audrey II fue animada mediante técnicas de cámara lenta para lograr una fluidez imposible de replicar hoy con CGI. Además, resaltan el trabajo de Rick Moranis y la capacidad de la película para mantener un tono oscuro y cínico, propio del cine de los ochenta, a pesar de su envoltorio de comedia musical.

No podía faltar en este repaso una de las cumbres del horror corporal: La mosca (1986), de David Cronenberg. El equipo coincide en que este es el ejemplo perfecto de cómo un remake puede reinterpretar totalmente un concepto clásico para convertirlo en una metáfora profunda sobre la enfermedad y la degeneración física. La química entre Jeff Goldblum y Geena Davis eleva el guion, transformando lo que podría haber sido una simple película de monstruos en una tragedia romántica desgarradora, apoyada por los efectos especiales de Chris Walas que siguen resultando perturbadores cuatro décadas después.

En el ámbito del thriller policiaco, Juanma González destaca Heat (1995), dirigida por Michael Mann. Lo curioso de este caso es que se trata de un autoremake de un telefilme anterior del propio Mann titulado L.A. Takedown. La película es recordada por reunir por primera vez en una misma escena a dos leyendas vivas: Al Pacino y Robert De Niro. Los colaboradores ensalzan la precisión técnica de Mann, especialmente en la famosa escena del tiroteo en las calles de Los Ángeles, donde el sonido de las armas se grabó directamente de forma ambiental para aportar un realismo crudo que ha marcado el cine de acción contemporáneo.

Hacia el final del programa, analizan La invasión de los ultracuerpos (1978), la versión de Philip Kaufman que actualiza el clásico de Don Siegel. Para el equipo de esRadio, esta versión capta mejor que ninguna la paranoia social de los años setenta, trasladando la acción de un pequeño pueblo a una gran ciudad como San Francisco. Destacan el icónico final de Donald Sutherland, un momento nihilista que ha quedado grabado en la historia del cine y que ha dado pie a infinidad de interpretaciones y homenajes en la cultura popular.

Finalmente, el programa cierra con una mención especial a La momia (1999) de Stephen Sommers, un remake que supo rescatar el espíritu del cine de aventuras clásico al estilo de Indiana Jones. Entre bromas y referencias a otros títulos como Los siete magníficos o los trabajos de John Carpenter, los tertulianos concluyen que un buen remake no es aquel que copia plano por plano el original, sino el que aporta una visión autoral propia. El toque de humor lo pone un fragmento de audio de Elvis Crespo utilizado para bromear sobre La cosa, cerrando una noche dedicada a la nostalgia cinematográfica y al análisis técnico del séptimo arte.

El programa recorre los hitos de este genio visual, desde la emotiva despedida de Johnny Cash hasta el fenómeno de masas liderado por Taylor Swift.

Felipe Couselo inicia la semana en esRadio con una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, un espacio que en esta ocasión se sumerge en la videografía de Mark Romanek. Couselo, acompañado por Miriam García, dedica el programa a repasar la trayectoria de este director de Chicago, responsable de algunas de las piezas visuales más icónicas y costosas de la industria musical. A lo largo de la emisión, se analiza cómo Romanek ha sabido captar la esencia de diversos artistas, desde el rock alternativo hasta el pop más comercial, dejando una huella imborrable en la cultura visual de las últimas décadas.

El recorrido musical comienza en 1986 con la banda The The y su tema Sweet Bird of Truth. Este periodo marca los inicios de Romanek, quien dio sus primeros pasos en la industria de la mano de figuras como David Fincher en la productora Propaganda Films. Couselo destaca cómo la difusión de la música a través del videoclip supuso un cambio de paradigma total, con la cadena MTV como el faro luminoso que dictaba las tendencias globales. En estos años, el estilo de Romanek comenzó a forjarse bajo la influencia de una estética cinematográfica muy cuidada, heredada de su experiencia como asistente de dirección de Brian de Palma.

En la década de los noventa, Romanek consolidó su estatus con trabajos profundamente conceptuales. Un ejemplo claro es el video de Constant Craving para k.d. lang, inspirado en la obra de teatro Esperando a Godot de Samuel Beckett. Esta pieza, premiada por la crítica, demuestra la capacidad del director para entrelazar la literatura y el arte dramático con la música contemporánea. El resumen del audio subraya que Romanek no se limitaba a grabar una actuación, sino que buscaba establecer paralelismos simbólicos que aportaran una nueva capa de significado a las canciones de los artistas con los que colaboraba.

El programa también aborda la anécdota curiosa tras el álbum Bandwagonesque de la banda escocesa Teenage Fanclub. Romanek dirigió el video de What You Do to Me, pero la historia más llamativa reside en la portada del disco, que luce el símbolo del dólar. Couselo relata que, en Estados Unidos, el sello discográfico tuvo que utilizar una portada alternativa para evitar pagar derechos a Gene Simmons, el bajista de KISS, quien tiene registrado dicho símbolo. Este tipo de detalles revelan la complejidad de la industria musical y las peculiaridades legales que rodean a los grandes lanzamientos de la época.

La figura de Lenny Kravitz aparece de forma recurrente en la charla, especialmente por el impacto visual de Are You Gonna Go My Way. En este video, Romanek utiliza un escenario circular y una iluminación de neón frenética para resaltar la imagen de Kravitz como una estrella del rock definitiva. Couselo señala que la canción y su video tienen tintes casi mesiánicos, presentando al artista como un salvador que ha llegado para culminar una misión. Esta colaboración fue solo el inicio de una relación profesional que se extendería a otros temas como Is There Any Love in Your Heart e If You Can’t Say No.

Madonna, otro icono indiscutible, también forma parte de la selección con Rain. Romanek confesó en su día sentirse intimidado ante la idea de trabajar con la ambición rubia, temiendo que sus visiones creativas pudieran chocar. Finalmente, el proyecto salió adelante con la participación del músico Ryuichi Sakamoto en un cameo como director de ficción dentro del propio video. La pieza fue aclamada por su dirección de fotografía y su sofisticación técnica, estableciendo a Romanek como uno de los directores preferidos por las grandes divas del pop para sus producciones más vanguardistas.

Uno de los momentos más intensos del programa llega con el análisis de Closer de Nine Inch Nails. Couselo describe la pieza como una obra de estética industrial y oscura, fuertemente influenciada por la pintura de Francis Bacon. El video, que incluía imágenes de un mono crucificado —aunque se aclara que ningún animal sufrió daños—, tuvo que enfrentarse a una severa censura en las cadenas de televisión. A pesar de los cortes, la versión íntegra se convirtió en una obra de culto que definía perfectamente la angustia y la provocación que Trent Reznor buscaba transmitir en su álbum The Downward Spiral.

La cúspide del presupuesto llegó en 1995 con Scream, el dúo entre Michael y Janet Jackson. Con un coste de siete millones de dólares, se mantiene como el videoclip más caro de la historia. Romanek diseñó una nave espacial futurista con referencias a 2001: Una odisea del espacio de Kubrick. La canción reflejaba la furia de Michael Jackson ante el acoso de la prensa sensacionalista, y el director logró capturar esa energía explosiva en un entorno de ciencia ficción en blanco y negro que todavía hoy sorprende por su calidad técnica y su coreografía milimetrada.

El programa continúa repasando éxitos como Novocaine for the Soul de Eels, donde Romanek utiliza cables para crear un efecto de ingravidez que complementa el tono anestésico y etéreo de la letra de Mark Oliver Everett. También se mencionan colaboraciones con Beck en el tema Devil’s Haircut, donde el artista neoyorquino recorre las calles de Nueva York con una estética que remite a la película Cowboy de medianoche. En cada uno de estos trabajos, Couselo destaca la versatilidad de Romanek para adaptarse al universo personal de cada músico sin perder su sello distintivo.

Hacia el final de la emisión, se recuerda el impacto de Cochise de Audioslave. El rodaje, que consistió en una exhibición masiva de fuegos artificiales en la presa de Sepúlveda, provocó el pánico en Los Ángeles. Cientos de ciudadanos llamaron a la policía creyendo que se estaba produciendo un ataque terrorista, lo que obligó a colapsar las autopistas de salida de la ciudad. Couselo comenta que la inversión en pirotecnia fue descomunal, pero el resultado visual capturó perfectamente la fuerza del debut de la superbanda formada por Chris Cornell y los músicos de Rage Against the Machine.

La despedida del programa se reserva para una de las obras más emotivas de Romanek: la versión de Hurt realizada por Johnny Cash. Rodada poco antes de la muerte del artista, la pieza es una reflexión honesta sobre el dolor y el paso del tiempo. Cash, ya debilitado, aparece rodeado de los recuerdos de su casa museo en un montaje que sobrecoge por su sinceridad. Couselo cierra el espacio mencionando el éxito más reciente del director, Shake It Off de Taylor Swift, demostrando que Romanek sigue siendo un referente absoluto en la creación de imágenes para la música popular.

Felipe Couselo y su plantel exploran la madurez del espacio entre novedades de Foo Fighters y el repaso a la trayectoria del eterno Rey del Pop.

En la última entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo y su equipo habitual compuesto por Daniel Palacio, Juanma González e Isaac Vizcaíno, cierran la semana con su entrega número 338. Durante los primeros compases del programa, los colaboradores bromean sobre la evolución y madurez del espacio, destacando su compromiso con el tranchetismo y fijando la vista en el horizonte de la entrega número 400, prevista para el mes de agosto.

El bloque musical comienza con un análisis del nuevo material de Foo Fighters. El grupo liderado por Dave Grohl ha presentado Full People, un adelanto que precede al lanzamiento de su duodécimo álbum de estudio. Los tertulianos comentan la incombustible capacidad creativa de la banda y recuerdan su incursión cinematográfica en Studio 666, una película de terror que refleja la idiosincrasia de la banda. También surge el debate sobre la evolución del grupo frente a otros artistas contemporáneos como Michael Kiwanuka, subrayando el peso de Grohl en el rock actual.

Isaac Vizcaíno introduce a Burned as Witches, el nuevo proyecto de Rick McMurray, conocido por ser el batería de Ash. Con el tema Hold Your Nerve, la banda se aleja del pop-punk para abrazar sonidos más densos y clásicos. El equipo destaca la influencia de Black Sabbath y el género stoner, valorando positivamente que músicos consagrados se arriesguen con propuestas más oscuras y psicodélicas que escapan de las corrientes comerciales mayoritarias.

La exploración musical continúa con Fast Money Music y su tema Loverboy. Este proyecto, liderado por el productor Nick Hookman, es definido como una mezcla inclasificable que combina el post-punk con la new wave de los años ochenta. Los colaboradores resaltan la atmósfera nostálgica y moderna que logra el grupo, evocando por momentos el sonido de artistas icónicos como Bryan Ferry o Roxy Music, especialmente por el uso de guitarras distorsionadas y arreglos de saxofón.

Otro de los nombres destacados de la noche es el colectivo Crippled Black Phoenix, fundado por Justin Greaves. Con su álbum Scathach, el grupo profundiza en lo que ellos mismos denominan como baladas para el fin del mundo. El análisis se centra en la densidad del sonido, que transita entre el rock progresivo y el dark rock. La incorporación de voces femeninas, según comentan en el estudio, aporta una sensibilidad melancólica que refuerza la carga apocalíptica de su propuesta musical.

Isaac Vizcaíno comparte su experiencia en el festival Gijón Sound, destacando la vitalidad de la escena independiente asturiana. Menciona especialmente a Los Míticos del Chimborazo, una banda que fusiona la cumbia con el surf, y a Los Ácidos, quienes apuestan por un horror surf muy particular. Estas actuaciones gratuitas en la plaza del Ayuntamiento de Gijón sirven para reivindicar el acceso a la cultura y el talento de las bandas que operan fuera de los grandes circuitos comerciales.

En el terreno de la electrónica, el programa rescata la figura de Tiga y su nuevo trabajo High Rollers, tras una década sin publicar un álbum completo. El debate gira en torno al retorno del electroclash y cómo productores veteranos están recuperando la primera línea de los festivales internacionales. También se menciona el proyecto Tomora, una colaboración entre Tom Rowlands, de Chemical Brothers, y la cantante Aurora, que destaca por su frescura y luminosidad.

Juanma González toma la palabra para reseñar los estrenos cinematográficos, comenzando por Michael, el biopic sobre la controvertida figura del Rey del Pop dirigido por Antoine Fuqua. A pesar de las críticas mixtas, González defiende el espectáculo visual y el tratamiento de la relación de Michael con su padre, Joseph Jackson, interpretado por Colman Domingo. La película evita profundizar en los escándalos más oscuros de su vida privada para centrarse en su impacto cultural y en su genialidad como creador de espectáculos universales.

En cuanto al cine español, el equipo analiza La ahorcada, protagonizada por Amaya Salamanca y dirigida por José Manuel de la Mata. Se trata de un thriller doméstico con tintes sobrenaturales que se desmarca de las tendencias actuales del terror nacional. La trama subvierte los tópicos de género y ofrece una visión moderna y clásica a la vez, ambientada en la ciudad de Teruel. Destacan la capacidad del director para construir una historia de fantasmas que funciona también como un romance contemporáneo.

Para cerrar la noche, se rinde un emotivo homenaje a Prince con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento. El equipo de esRadio repasa su inmenso legado, deteniéndose en temas como When Doves Cry y Purple Rain. Destacan su rivalidad mediática con Michael Jackson y su incansable búsqueda de la libertad creativa, que le llevó a enfrentarse a la industria discográfica y a componer éxitos para numerosos artistas de primer nivel. El programa concluye reivindicando a Prince como un músico total que redefinió los límites del pop, el rock y el funk.

Un recorrido por obras maestras fílmicas que, como Angustia o Los Sin Nombre, triunfaron en el exterior gracias a su arriesgada propuesta visual.

En una nueva entrega de los espacios dedicados al séptimo arte en esRadio, se ha realizado un exhaustivo repaso por la historia del cine de terror español, coincidiendo con el estreno de la película La Horcada, dirigida por Miguel Ángel Lamata. Durante la charla, se ha destacado cómo el género ha evolucionado significativamente desde la década de los ochenta, logrando un reconocimiento internacional que, en muchas ocasiones, supera al obtenido en el propio territorio nacional gracias a propuestas arriesgadas y directores con una clara vocación exterior.

El primer título destacado en esta lista de recomendaciones personales es Angustia, una obra de Bigas Luna estrenada en 1987. Esta película, calificada como un auténtico peliculón por los colaboradores, destaca por su carácter inclasificable y su innovadora propuesta metacinematográfica, donde la acción se desarrolla dentro de una sala de cine. A pesar de haber sido rodada en gran parte en la ciudad de Barcelona, su atmósfera internacional y el hecho de estar grabada en inglés la convierten en una pieza única de nuestra cinematografía que genera un profundo desasosiego en el espectador desde sus primeros compases.

A continuación, el análisis se ha centrado en Los Sin Nombre, el largometraje con el que debutó Jaume Balagueró en el año 1999. Mucho antes del fenómeno global que supuso la franquicia REC, Balagueró ya demostraba su maestría para el terror puro con esta adaptación de la novela de Ramsey Campbell. La trama, que sigue la angustia de una madre que recibe una llamada de su hija supuestamente fallecida años atrás, es descrita como una experiencia absolutamente perturbadora que consolidó al director catalán como uno de los grandes referentes del género en la escena europea.

No podía faltar en este recorrido la cinta Mil Gritos Tiene la Noche, dirigida por Juan Piquer Simón. Conocida internacionalmente bajo el título de Pieces, esta obra de 1982 es considerada hoy un objeto de culto en Estados Unidos. El resumen resalta el ingenio del director para suplir la escasez de presupuesto con una creatividad visual desbordante, logrando escenas de impacto dentro del subgénero slasher que todavía son reivindicadas por figuras de la cultura popular internacional, demostrando que el terror español siempre ha sabido exportar pesadillas con éxito.

El repaso histórico también ha hecho una parada obligatoria en la década de los setenta con Una Vela Para el Diablo, de Eugenio Martín. Localizada en el pueblo de Grazalema, esta película se encuadra en el denominado folk horror y cuenta con las magistrales interpretaciones de Aurora Bautista y Esperanza Roy. La historia de dos hermanas que deciden eliminar a todo aquel que consideran pecador es una joya del cine patrio que, debido a las restricciones de la censura de la época, tuvo que encontrar su mayor éxito comercial fuera de nuestras fronteras mediante su distribución internacional.

En una vertiente mucho más contemporánea, se ha ensalzado Verónica, la película de Paco Plaza estrenada en 2017. Inspirada en el célebre caso Vallecas, la cinta logra recrear con gran precisión el Madrid de los años noventa, apoyándose en una cuidada ambientación y una banda sonora protagonizada por Héroes del Silencio. Según los críticos de esRadio, Paco Plaza se encuentra actualmente en el mejor estado de forma de su carrera, demostrando una capacidad inigualable para adaptar los códigos del cine de posesiones al contexto social y cultural español.

Posteriormente, se ha recordado el impacto cultural de REC, codirigida por Jaume Balagueró y el propio Paco Plaza. Este ejercicio de found footage revolucionó las salas de cine al situar al espectador en el centro de una infección zombi dentro de un edificio de viviendas de Barcelona. La tensión asfixiante sostenida durante todo el metraje y su capacidad para aterrorizar incluso a los espectadores más curtidos en el género la sitúan como un hito ineludible que marcó un antes y un después en la producción de terror nacional.

La selección ha incluido asimismo No Profanar el Sueño de los Muertos, dirigida por Jorge Grau en 1974. Esta película, que llegó a contar con hasta dieciocho títulos alternativos en diferentes países, es considerada una obra maestra del cine de muertos vivientes. Debido a las directrices políticas del momento, la acción tuvo que situarse en la ciudad de Manchester, aunque el rodaje se realizó en localizaciones españolas. Es una pieza de culto que, según se ha subrayado en el programa, compite en calidad y atmósfera con las grandes producciones contemporáneas de George A. Romero.

Finalmente, como la cumbre del cine de terror español de todos los tiempos, se ha destacado ¿Quién Puede Matar a un Niño?, la obra maestra de Narciso Ibáñez Serrador, el recordado Chicho. Los tertulianos han lamentado que un genio de su talla solo dirigiera dos largometrajes, ambos considerados clásicos indiscutibles. Esta película, con su atmósfera opresiva y su premisa moralmente perturbadora, cierra una lista esencial para cualquier oyente que desee profundizar en la historia de un género donde España ha demostrado ser una verdadera potencia creativa.

De Heidi a la complejidad de Go Shiina: las aventuras de Tanjiro Kamado revolucionan el mercado global con una calidad técnica cinematográfica.

En una reciente entrega de la programación de esRadio, los colaboradores se sumergieron en un análisis vibrante sobre el fenómeno cultural del anime, centrándose específicamente en la música y la experiencia en vivo de una de las franquicias más exitosas de la actualidad: Demon Slayer, conocida originalmente como Kimetsu no Yaiba. Durante la charla, se destacó la evolución que ha experimentado el género de la animación japonesa, pasando de las sencillas melodías de series clásicas como Heidi a las complejas y épicas bandas sonoras que definen a las producciones modernas.

Juanma compartió con los oyentes su experiencia personal tras asistir al concierto oficial de la serie celebrado en el Palacio de Vista Alegre de Madrid. El evento contó con una orquesta compuesta por una veintena de músicos jóvenes que interpretaron en directo la banda sonora de la primera temporada del anime. Según el colaborador, el espectáculo fue un suceso audiovisual impresionante que combinó la potencia de la orquesta con proyecciones en pantalla gigante, permitiendo a los asistentes revivir los momentos más intensos de la trama mientras la música envolvía el recinto.

Uno de los puntos clave tratados en esRadio fue la sofisticación técnica de la música en el anime actual. Se comparó la sencillez de los temas de los años ochenta y noventa con el trabajo de los compositores Yuki Kajiura y Go Shiina, responsables de la atmósfera sonora de Demon Slayer. Los colaboradores señalaron que estas nuevas partituras beben de influencias como Hans Zimmer, mezclando elementos electrónicos con una orquestación tradicional de gran calado emocional. Esta evolución refleja cómo la industria del anime ha pasado de ser un nicho infantil a convertirse en una superproducción capaz de atraer a familias enteras y melómanos por igual.

Durante el resumen de la trama y sus personajes, se hizo especial hincapié en la figura de Tanjiro Kamado, el protagonista, y en el alivio cómico que representa Zenitsu Agatsuma. Este último fue descrito como un personaje cobarde que, curiosamente, sólo despliega su inmenso poder cuando se queda dormido por la tensión. Los tertulianos bromearon sobre esta dualidad del personaje, destacando cómo el anime logra equilibrar escenas de una violencia estética sublime con momentos de comedia slapstick que recuerdan a clásicos como Dragon Ball.

La producción de la serie, a cargo del estudio Ufotable, fue alabada por su calidad de animación cinematográfica. Se mencionó que Demon Slayer no sólo es un éxito en plataformas de streaming como Netflix o Crunchyroll, sino que su impacto en taquilla es comparable al de grandes superproducciones de Hollywood. De hecho, se recordó que el primer filme de la franquicia recaudó cifras estratosféricas, situándose a niveles de recaudación de películas como Avatar de James Cameron, lo que demuestra que el manga y el anime son hoy piezas fundamentales de la industria del entretenimiento global.

Finalmente, se discutió la figura de la autora del manga original, Koyoharu Gotouge, de quien se sabe muy poco debido a su discreción personal. La autora suele representarse a sí misma con el avatar de un caimán con gafas, un detalle que causó curiosidad entre los colaboradores. La sección concluyó con la mención a la próxima trilogía de películas, que cerrará la historia del Tren Infinito y el enfrentamiento final contra las fuerzas demoníacas, consolidando a Demon Slayer como un hito histórico de la animación que ha sabido conectar con el público a través de una épica visual y sonora sin precedentes en la televisión moderna.