Prohibido contar ovejas

Isaac Vizcaino y Dani Palpaciones deciden colonizar un programa con gente disfrazada y una buena producción de Rubin. Una noche para la música.

En una nueva emisión de Prohibido contar ovejas a través de esRadio, el presentador Felipe Couselo lidera una tertulia marcada por el análisis musical y el tono distendido tras haber superado la barrera de los trescientos programas. Los colaboradores inician la charla reflexionando sobre la evolución del espacio radiofónico y la asimilación del éxito por parte del equipo, antes de dar paso a las secciones que exploran la cultura popular desde diversas aristas.

El primer bloque de contenido relevante corre a cargo de Isaac Vizcaíno, quien introduce el libro Generación Hip Hop de Jeff Chang para hablar sobre las raíces rítmicas de Kingston. Durante la charla se mencionan géneros fundamentales como el ska y el dub, resaltando figuras icónicas como Lee Scratch Perry y The Wailers. El debate gira en torno a cómo el sonido de Perry se convirtió en el epítome de los ritmos de los barrios bajos, influyendo de manera definitiva en la música contemporánea.

La conversación se desvía brevemente hacia anécdotas personales y bromas internas, como la supuesta construcción de un monumento a uno de los integrantes en El Escorial. También se dedican unos minutos a la interacción con la audiencia, mencionando a oyentes que sintonizan el programa desde lugares tan remotos como Shanghái. El aspecto visual no queda fuera de la tertulia, con comentarios jocosos sobre la vestimenta de Juanma González, comparada con el estilo de Natalie Imbruglia en el videoclip de su éxito Torn, lo que sirve para subrayar la estética noventera que aún perdura en la memoria colectiva.

En el plano estrictamente musical, el programa viaja al año 2007, calificado por Couselo como un año excelente para la industria. Se analiza el auge del término indie y la trayectoria de la banda Editors a través de su segundo álbum, An End Has a Start. Además de la música, se vinculan hitos culturales de aquel periodo con el séptimo arte, citando películas de culto como Tropa de Élite o No es país para viejos, estableciendo una comparativa entre la calidad sonora y visual de la época.

Uno de los segmentos más extensos del audio se dedica a la iconografía del rock y el uso de máscaras o maquillaje. Se analiza a la legendaria banda Kiss y su éxito I Was Made for Lovin' You, revelando que sus característicos maquillajes están inspirados en el teatro Kabuki japonés. Se detallan las personalidades de sus miembros, como The Demon o The Starchild, subrayando cómo la identidad visual fue clave para su éxito masivo.

Posteriormente, la tertulia aborda el fenómeno de Daft Punk y su trabajo en la banda sonora de Tron. Los colaboradores discuten la identidad robótica asumida por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter desde 1999, destacando cómo ocultar sus rostros bajo cascos futuristas se convirtió en un sello de sofisticación dentro de la música electrónica global.

La provocación artística es otro tema central al hablar de Marilyn Manson y su tema User Friendly. Se comenta el origen de su nombre artístico como una amalgama entre Marilyn Monroe y Charles Manson, y cómo el artista utilizaba el maquillaje no para embellecerse, sino para incomodar al espectador, buscando una reacción constante en la sociedad estadounidense de finales de los noventa.

En un contraste de estilos, se presenta a Claptone y su propuesta de house elegante. El uso de la máscara veneciana dorada por parte de este artista sirve para discutir la mística del anonimato en la escena nocturna contemporánea, valorando la sencillez y la calidad de su producción por encima de la exposición mediática de su rostro.

El programa también analiza la figura de Lady Gaga a través de Poker Face. Los tertulianos comparan su capacidad de reinvención estética con la de otros grandes iconos, destacando su evolución desde la provocación inicial hasta su consolidación como una artista respetada en el cine con Ha nacido una estrella, sin perder nunca su esencia como showman visual.

La agresividad sonora llega con Slipknot y su tema Psychosocial. Se resalta la evolución de sus máscaras con cada álbum y cómo el grupo ha logrado mantener un metal contemporáneo de alta factura técnica. De igual forma, se menciona a Gorillaz y su éxito Clint Eastwood, ensalzando la innovación visual de Damon Albarn al crear una banda virtual con personajes animados como 2D o Murdoc Niccals.

El bloque final se centra en la figura de Rick Rubin, el legendario productor. Se repasan canciones en las que Rubin ha dejado su huella, demostrando una versatilidad inigualable que abarca desde el hip hop de LL Cool J y Run-DMC hasta el metal de Slayer con su disco Reign in Blood. Se destaca su capacidad para fusionar el rap con el hard rock, como hizo con Aerosmith en Walk This Way, creando un subgénero que cambiaría la radio para siempre.

Finalmente, se menciona el trabajo de Rubin con los Red Hot Chili Peppers en Blood Sugar Sex Magik, así como su labor con Audioslave y el emotivo Johnny Cash en sus American Recordings. El programa concluye con una reflexión sobre la pureza de la producción y cómo Rubin es capaz de desnudar una canción para mostrar su esencia más bella, cerrando la emisión con la melancolía de Smokers Outside the Hospital Doors de Editors.

De Kiss a Daft Punk, un repaso por artistas que emplean el maquillaje y el anonimato para forjar leyendas estéticas más allá de sus acordes.

El contenido del audio se centra en un análisis pormenorizado de diversos artistas y agrupaciones musicales que han hecho del **uso del disfraz** y la ocultación de la identidad un pilar de su carrera. Se plantea que, a pesar de tratarse de una sección que los propios locutores consideran como caducada por su temática, el fenómeno del **espectáculo visual** mediante máscaras y maquillajes sigue siendo un elemento fascinante para la audiencia, permitiendo a los músicos construir una narrativa que trasciende la propia composición sonora.

Uno de los primeros referentes mencionados es la banda estadounidense Kiss, cuya trayectoria está marcada por un **maquillaje icónico** inspirado en el teatro Kabuki. Durante la charla, se detallan las identidades adoptadas por cada miembro del grupo: The Demon para Gene Simmons, Starchild para Paul Stanley, Catman para Peter Criss y Spaceman para Ace Frehley. Este recurso visual permitió a la banda crear una **mitología propia** en la historia del rock, logrando que sus rostros pintados fueran más reconocibles que sus rasgos reales.

El dúo francés Daft Punk también ocupa un lugar destacado en la conversación por su transición hacia una **imagen robótica**. Los presentadores analizan cómo Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter utilizaron sus cascos futuristas para proteger su vida privada y centrar la atención en su música electrónica y en el género electroclash. Se resalta que esta **estética tecnológica** se convirtió en un símbolo de modernidad que definió la imagen del grupo desde finales de los años noventa hasta su separación.

En una vertiente más transgresora, se discute la figura de Marilyn Manson y su capacidad para la **provocación deliberada**. El origen de su nombre, que amalgama a Marilyn Monroe y Charles Manson, sirve como punto de partida para explicar cómo utiliza el maquillaje y las lentillas para generar una sensación de incomodidad. El audio subraya que su **cultura musical** es profunda y que nada en su puesta en escena es dejado al azar, buscando siempre desafiar las convenciones de la sociedad estadounidense.

El resumen continúa con el proyecto de música electrónica Claptone, caracterizado por el uso de **máscaras venecianas** doradas con una nariz alargada. Este elemento, propio del carnaval, les permite mantener el anonimato en sus sesiones de house y deep house. Se destaca que este misterio aporta una capa de **sofisticación y elegancia** que encaja perfectamente con el ambiente de las fiestas exclusivas en las que suelen actuar, manteniendo una distancia cautivadora con su público.

La camaleónica Lady Gaga es analizada por su habilidad para utilizar el disfraz como una extensión de su **expresión artística**. Los locutores recuerdan sus vestimentas más extremas, como el famoso vestido de carne o sus referencias en temas como Poker Face. Sin embargo, también se pone de relieve su evolución hacia una faceta más orgánica y reconocida por la crítica, especialmente tras su participación en la película A Star is Born, demostrando que su talento musical supera cualquier **artificio visual**.

La banda de metal Slipknot es otro ejemplo de cómo el terror puede ser un vehículo estético potente. Sus máscaras, inspiradas originalmente en disfraces de Halloween, evolucionan con cada álbum para reflejar el estado interno de la banda. El audio menciona que el uso de **monos de trabajo** como uniforme, sumado a las máscaras grotescas, configura una **identidad colectiva** que refuerza la agresividad y el impacto de sus presentaciones en vivo.

Respecto a la propuesta de Gorillaz, el audio la define como la **banda virtual** por excelencia de la era moderna. Creada por Damon Albarn, la agrupación se manifiesta a través de personajes animados como 2-D, Noodle, Russel Hobbs y Murdoc Niccals. El uso de **hologramas** en sus conciertos es citado como una innovación tecnológica que permite al público disfrutar de una experiencia inmersiva sin necesidad de ver a los músicos reales sobre el escenario.

El género del horror punk tiene su representación con The Misfits. El grupo es reconocido por su característico peinado devilock y un **maquillaje fúnebre** que emula calaveras. Se explica que esta **estética de serie B** y cine de terror de los años cincuenta fue fundamental para definir su sonido y atraer a una base de seguidores fieles que adoptaron su simbología como un estilo de vida.

Se dedica un espacio al análisis de la **moda urbana** y la extravagancia a través de Harry Styles y su estilista Harry Lambert. Aunque no utiliza máscaras en el sentido tradicional, se argumenta que su vestuario andrógino y llamativo funciona como un disfraz que redefine la masculinidad moderna. Su impacto es tal que sus colecciones han llegado a grandes superficies como Zara, convirtiendo la **estética vanguardista** en un fenómeno de consumo masivo.

Finalmente, se menciona a la banda Devo y su concepto de la **de-evolución** humana. Sus famosos cascos rojos, conocidos como energy domes, son presentados como un ejemplo de cómo el diseño puede reforzar un mensaje filosófico y social. Su versión del clásico (I Can't Get No) Satisfaction de los Rolling Stones es citada como el ejemplo perfecto de su **originalidad visual** y sonora, consolidando una imagen que sigue siendo referente para el pop experimental.

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Desde el punk neoyorquino, este visionario revolucionó la industria al fusionar guitarras distorsionadas y ritmos urbanos con un estilo orgánico.

En este episodio se analiza la figura del legendario productor Rick Rubin, un hombre capaz de unir géneros aparentemente irreconciliables. La sección comienza con fragmentos de canciones icónicas como Big Gun de AC/DC, Walk on Water de Eminem con Beyoncé, 99 Problems de Jay-Z y Before I Forget de Slipknot. El nexo común entre estas piezas tan diversas es el toque maestro de Rubin, un productor con el que prácticamente todo el mundo en la industria ha querido trabajar en algún momento de su carrera.

La trayectoria de Rick Rubin se inició en la ciudad de Nueva York a principios de los años 80. Aunque sus raíces estaban profundamente ligadas al punk, pronto descubrió el potencial del hip-hop que emergía en las calles. Su enfoque revolucionario consistió en dotar al rap de un espíritu rockero, utilizando arreglos instrumentales, guitarras distorsionadas y baterías potentes que no entorpecían el fraseo de los artistas. Un ejemplo temprano de esta visión fue el tema Rock the Bells de LL Cool J, incluido en su álbum Radio.

Uno de los hitos más significativos de su carrera ocurrió en 1986, cuando Rubin convenció a los grupos Run-DMC y Aerosmith para colaborar en una nueva versión de Walk This Way. Esta unión fue definitiva para convertir el hip-hop en un fenómeno popular y masivo, creando un subgénero híbrido que acercó el hard rock a las audiencias del rap. Su capacidad para hacer que sonidos complejos resulten accesibles para el gran público se convirtió en su marca de identidad.

Ese mismo año, 1986, Rubin demostró su versatilidad al producir Reign in Blood de Slayer. A pesar de la agresividad intrínseca del thrash metal, el productor logró una limpieza de sonido excepcional, donde cada instrumento ocupaba su lugar sin generar ruido innecesario. Esta filosofía de transparencia sonora se aplicó también al debut de los Beastie Boys, Licensed to Ill, el primer álbum de hip-hop en alcanzar el número uno en las listas de ventas, fusionando nuevamente guitarras eléctricas con ritmos urbanos.

Tras abandonar el sello Def Jam por discrepancias con Russell Simmons, Rubin fundó American Recordings en 1988. Bajo este nuevo paraguas, produjo el aclamado Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers en 1991. En este trabajo, Rubin implementó un proceso creativo exigente, obligando a la banda a componer decenas de canciones para seleccionar solo las mejores. El resultado fue un sonido nítido y orgánico que redefinió el funk rock de los noventa, destacando éxitos como Give It Away.

La sensibilidad de Rubin no se limitó a los sonidos potentes. Produjo el disco Wildflowers de Tom Petty, considerado por muchos como uno de los álbumes con mejor producción de la historia por su delicadeza y elegancia. Rubin tiene la capacidad de desnudar las canciones para mostrar su esencia más pura, una característica que se volvió aún más evidente en sus trabajos posteriores con artistas como System of a Down en su disco Toxicity, donde canalizó el caos del grupo hacia estructuras más melódicas y directas.

En el ámbito del rock moderno, su trabajo con el supergrupo Audioslave dejó una huella imborrable. Temas como Like a Stone muestran una sección rítmica contundente pero equilibrada con la poderosa voz de Chris Cornell. Incluso artistas del pop internacional como Shakira han contado con su visión en la producción ejecutiva de proyectos como Fijación Oral, lo que demuestra que su criterio artístico trasciende fronteras estilísticas y barreras idiomáticas.

Finalmente, el resumen destaca la etapa final de Johnny Cash bajo la tutela de Rubin. Con la serie American Recordings, el productor logró capturar la vulnerabilidad del artista utilizando arreglos mínimos, como una simple guitarra acústica o un piano. La versión de Hurt de Nine Inch Nails se convirtió en el epítome de su estilo: menos es más. Rick Rubin, a pesar de no poseer una formación técnica musical profunda, basa su éxito en un instinto y un gusto excepcionales que le permiten extraer el alma de cada composición.

Scream reinventó el slasher con ironía, sangre y una máscara que se convirtió en mito. Wes Craven y Kevin Williamson dinamitaron el género.

En esta nueva entrega del programa Prohibido contar ovejas, conducido por Felipe Couselo, se realiza un exhaustivo repaso por una de las franquicias más icónicas del cine de terror contemporáneo: la saga Scream. Acompañado por colaboradores de la talla de Juanma González, Daniel Palacios, Gonzalo Contreras y Vicky Carrasco, el equipo desgrana los elementos que convirtieron a Ghostface en un fenómeno cultural. El análisis comienza destacando cómo la primera entrega, estrenada en 1996, supuso una reinvención del género slasher gracias a la magistral dirección de Wes Craven y el afilado guion de Kevin Williamson, quienes introdujeron el concepto de metacine en el terror comercial.

Durante la tertulia, se subraya la importancia de las reglas establecidas en Scream. Los tertulianos recuerdan con entusiasmo el personaje de Randy, el cinéfilo que explicaba al resto del reparto —y al espectador— las normas para sobrevivir en una película de miedo. Se menciona especialmente el impacto mediático que supuso el prólogo de la primera cinta, donde se decidió acabar con la vida de Drew Barrymore, la actriz más famosa del reparto en aquel momento, apenas diez minutos después de empezar la proyección. Este movimiento, inspirado en el giro de Psicosis de Alfred Hitchcock, dejó claro que en el universo de Scream nadie estaba a salvo, rompiendo las expectativas del público desde el primer fotograma.

Al avanzar hacia Scream 2, el debate se centra en el desafío de las secuelas. La película traslada la acción a la universidad y profundiza en la autoconsciencia cinematográfica, discutiendo abiertamente si las segundas partes pueden superar a las originales, citando ejemplos como El Padrino: Parte II o Terminator 2: el juicio final. Los invitados coinciden en que esta entrega perfecciona la fórmula, aumentando el número de cadáveres y la espectacularidad de las muertes, manteniendo a la vez ese juego de espejos donde la realidad imita al cine dentro de la propia trama de la película ficticia Puñalada.

El análisis de Scream 3 revela las dificultades de producción de la época, marcada por los trágicos sucesos de Columbine, lo que obligó a reducir la carga de violencia y sangre. La acción se traslada a Hollywood, al propio set de rodaje de la saga ficticia, lo que permite a los creadores explorar el pasado de la madre de Sidney Prescott. Un punto de interés crítico en el programa es la mención velada a la figura de Harvey Weinstein, productor real de la cinta, y cómo la trama sobre actrices que deben pasar por el aro de productores abusivos resuena hoy con una fuerza aterradora tras el movimiento Me Too.

Con el estreno de Scream 4 en 2011, la saga intentó adaptarse a la era de las redes sociales y la fama instantánea de internet. Aunque los tertulianos admiten que esta entrega envejeció rápido debido a lo incipiente de la tecnología de aquel entonces, valoran positivamente el regreso de Wes Craven y la introducción de nuevos personajes como Kirby Reed. La película se presenta como un remake encubierto que cuestiona la obsesión de las nuevas generaciones por la notoriedad digital, manteniendo el respeto por el trío protagonista original formado por Neve Campbell, Courteney Cox y David Arquette.

Finalmente, el equipo aborda las entregas más recientes, Scream (2022) y Scream VI, dirigidas por el colectivo Radio Silence tras el fallecimiento de Craven. Se discute el concepto de recuela (secuela que funciona como reboot) y el relevo generacional encabezado por Jenna Ortega y Melissa Barrera. A pesar del éxito comercial, algunos colaboradores critican la pérdida de cierta esencia artesanal en favor de un estilo más plano, aunque celebran el traslado de la acción a Nueva York en la sexta entrega. Para concluir, los invitados comparten sus películas de terror favoritas, mencionando clásicos como La semilla del diablo, La matanza de Texas o El resplandor, cerrando así un programa dedicado a la pasión por el miedo en la gran pantalla.

Segunda entrega dedicada al universo de Tony Scott: más adrenalina, más fuego y el cine llevado al límite de la emoción y la imagen.

En esta nueva entrega del programa Prohibido contar ovejas de esRadio, Felipe Couselo retoma la segunda parte del especial dedicado al cineasta británico Tony Scott. Acompañado por Raúl Álvarez y los colaboradores Dani Paracio y Juanma, el debate se sumerge en la etapa más madura y experimental del director. La premisa fundamental de la tertulia es que Scott fue un realizador capaz de impregnar su sello personal tanto en ejercicios de estilo como en trabajos de encargo, convirtiendo películas aparentemente intercambiables en piezas de cine de autor perfectamente reconocibles por su frenética estética visual.

El análisis comienza con Amor a quemarropa (True Romance), película cuyo guion firma Quentin Tarantino. Los tertulianos destacan el reparto estelar, que incluye a Christian Slater, Patricia Arquette y apariciones memorables de Brad Pitt o Gary Oldman. Se detienen especialmente en la icónica escena entre Dennis Hopper y Christopher Walken, conocida como la escena de los sicilianos, subrayando cómo Scott logra equilibrar la afilada prosa de Tarantino con una puesta en escena llena de tensión y atmósfera, elevando un thriller de serie B a la categoría de culto.

Posteriormente, el grupo analiza Marea roja (Crimson Tide), un filme donde el dilema moral y la jerarquía militar son los ejes centrales. Protagonizada por Gene Hackman y Denzel Washington, la película se beneficia de diálogos pulidos por el propio Tarantino, lo que aporta una profundidad intelectual inusual al cine de acción de los noventa. Los invitados resaltan el uso del color y la iluminación saturada dentro del submarino, una técnica que Scott perfeccionaría para transmitir una sensación de claustrofobia y urgencia constante al espectador.

La conversación avanza hacia Fanático (The Fan), con Robert De Niro y Wesley Snipes. Se comenta la oscuridad psicológica del personaje de De Niro y cómo la película, ambientada en el mundo del béisbol, trata de forma cruda el acoso y la obsesión. A pesar de no ser uno de sus mayores éxitos de taquilla, se reivindica por su realismo visual y la crudeza de ciertas escenas, como la muerte del personaje de Benicio del Toro, que se aleja de las coreografías glamurosas para mostrar una violencia más patética y humana.

Con Enemigo público (Enemy of the State), los colaboradores identifican un thriller visionario que se adelantó a la paranoia sobre la vigilancia masiva y la pérdida de privacidad. Protagonizada por Will Smith y recuperando a Gene Hackman en un papel que remite directamente a La conversación de Coppola, la cinta es alabada por su ritmo incesante. Scott logra aquí una simbiosis perfecta entre la producción de alto presupuesto de Jerry Bruckheimer y un mensaje político sobre los límites del poder estatal en la era tecnológica anterior al 11-S.

La etapa final del director está marcada por su colaboración constante con Denzel Washington y una experimentación formal radical. En Juego de espías (Spy Game), Scott enfrenta a Robert Redford con Brad Pitt en un duelo generacional de espionaje, utilizando montajes rápidos y juegos de cámara que desafían al ojo del espectador. El análisis resalta cómo el director transforma situaciones estáticas, como reuniones en despachos, en secuencias cargadas de dinamismo puramente cinematográfico.

Un punto de inflexión emocional es El fuego de la venganza (Man on Fire), rodada en México. Los contertulios coinciden en que esta obra representa el cenit estético de Tony Scott, donde su estilo de cámara movida y sobreexposición sirve a una historia de redención profundamente amarga. La química entre Washington y la joven Dakota Fanning sostiene una película que, con el tiempo, ha pasado de ser un éxito comercial a una obra de culto rescatada constantemente en redes sociales por su potencia visual y su poética violencia.

Finalmente, se aborda la fase de los trenes con Déjà vu, Asalto al tren Pelham 123 e Imparable (Unstoppable). En estas cintas, Scott dignifica al héroe cotidiano, el trabajador común que debe enfrentarse a desastres inminentes. La tertulia concluye con una reflexión sobre su trágica muerte en 2012, lanzándose desde un puente en Los Ángeles. Los invitados destacan que, a diferencia de su hermano Ridley, Tony siempre prefirió el rock and roll y la autenticidad del cine de acción directo, dejando un legado de imágenes vibrantes que le confirman como uno de los grandes maestros del montaje moderno.