Prohibido contar ovejas

Felipe Couselo y su plantel exploran la madurez del espacio entre novedades de Foo Fighters y el repaso a la trayectoria del eterno Rey del Pop.

En la última entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo y su equipo habitual compuesto por Daniel Palacio, Juanma González e Isaac Vizcaíno, cierran la semana con su entrega número 338. Durante los primeros compases del programa, los colaboradores bromean sobre la evolución y madurez del espacio, destacando su compromiso con el tranchetismo y fijando la vista en el horizonte de la entrega número 400, prevista para el mes de agosto.

El bloque musical comienza con un análisis del nuevo material de Foo Fighters. El grupo liderado por Dave Grohl ha presentado Full People, un adelanto que precede al lanzamiento de su duodécimo álbum de estudio. Los tertulianos comentan la incombustible capacidad creativa de la banda y recuerdan su incursión cinematográfica en Studio 666, una película de terror que refleja la idiosincrasia de la banda. También surge el debate sobre la evolución del grupo frente a otros artistas contemporáneos como Michael Kiwanuka, subrayando el peso de Grohl en el rock actual.

Isaac Vizcaíno introduce a Burned as Witches, el nuevo proyecto de Rick McMurray, conocido por ser el batería de Ash. Con el tema Hold Your Nerve, la banda se aleja del pop-punk para abrazar sonidos más densos y clásicos. El equipo destaca la influencia de Black Sabbath y el género stoner, valorando positivamente que músicos consagrados se arriesguen con propuestas más oscuras y psicodélicas que escapan de las corrientes comerciales mayoritarias.

La exploración musical continúa con Fast Money Music y su tema Loverboy. Este proyecto, liderado por el productor Nick Hookman, es definido como una mezcla inclasificable que combina el post-punk con la new wave de los años ochenta. Los colaboradores resaltan la atmósfera nostálgica y moderna que logra el grupo, evocando por momentos el sonido de artistas icónicos como Bryan Ferry o Roxy Music, especialmente por el uso de guitarras distorsionadas y arreglos de saxofón.

Otro de los nombres destacados de la noche es el colectivo Crippled Black Phoenix, fundado por Justin Greaves. Con su álbum Scathach, el grupo profundiza en lo que ellos mismos denominan como baladas para el fin del mundo. El análisis se centra en la densidad del sonido, que transita entre el rock progresivo y el dark rock. La incorporación de voces femeninas, según comentan en el estudio, aporta una sensibilidad melancólica que refuerza la carga apocalíptica de su propuesta musical.

Isaac Vizcaíno comparte su experiencia en el festival Gijón Sound, destacando la vitalidad de la escena independiente asturiana. Menciona especialmente a Los Míticos del Chimborazo, una banda que fusiona la cumbia con el surf, y a Los Ácidos, quienes apuestan por un horror surf muy particular. Estas actuaciones gratuitas en la plaza del Ayuntamiento de Gijón sirven para reivindicar el acceso a la cultura y el talento de las bandas que operan fuera de los grandes circuitos comerciales.

En el terreno de la electrónica, el programa rescata la figura de Tiga y su nuevo trabajo High Rollers, tras una década sin publicar un álbum completo. El debate gira en torno al retorno del electroclash y cómo productores veteranos están recuperando la primera línea de los festivales internacionales. También se menciona el proyecto Tomora, una colaboración entre Tom Rowlands, de Chemical Brothers, y la cantante Aurora, que destaca por su frescura y luminosidad.

Juanma González toma la palabra para reseñar los estrenos cinematográficos, comenzando por Michael, el biopic sobre la controvertida figura del Rey del Pop dirigido por Antoine Fuqua. A pesar de las críticas mixtas, González defiende el espectáculo visual y el tratamiento de la relación de Michael con su padre, Joseph Jackson, interpretado por Colman Domingo. La película evita profundizar en los escándalos más oscuros de su vida privada para centrarse en su impacto cultural y en su genialidad como creador de espectáculos universales.

En cuanto al cine español, el equipo analiza La ahorcada, protagonizada por Amaya Salamanca y dirigida por José Manuel de la Mata. Se trata de un thriller doméstico con tintes sobrenaturales que se desmarca de las tendencias actuales del terror nacional. La trama subvierte los tópicos de género y ofrece una visión moderna y clásica a la vez, ambientada en la ciudad de Teruel. Destacan la capacidad del director para construir una historia de fantasmas que funciona también como un romance contemporáneo.

Para cerrar la noche, se rinde un emotivo homenaje a Prince con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento. El equipo de esRadio repasa su inmenso legado, deteniéndose en temas como When Doves Cry y Purple Rain. Destacan su rivalidad mediática con Michael Jackson y su incansable búsqueda de la libertad creativa, que le llevó a enfrentarse a la industria discográfica y a componer éxitos para numerosos artistas de primer nivel. El programa concluye reivindicando a Prince como un músico total que redefinió los límites del pop, el rock y el funk.

Un recorrido por obras maestras fílmicas que, como Angustia o Los Sin Nombre, triunfaron en el exterior gracias a su arriesgada propuesta visual.

En una nueva entrega de los espacios dedicados al séptimo arte en esRadio, se ha realizado un exhaustivo repaso por la historia del cine de terror español, coincidiendo con el estreno de la película La Horcada, dirigida por Miguel Ángel Lamata. Durante la charla, se ha destacado cómo el género ha evolucionado significativamente desde la década de los ochenta, logrando un reconocimiento internacional que, en muchas ocasiones, supera al obtenido en el propio territorio nacional gracias a propuestas arriesgadas y directores con una clara vocación exterior.

El primer título destacado en esta lista de recomendaciones personales es Angustia, una obra de Bigas Luna estrenada en 1987. Esta película, calificada como un auténtico peliculón por los colaboradores, destaca por su carácter inclasificable y su innovadora propuesta metacinematográfica, donde la acción se desarrolla dentro de una sala de cine. A pesar de haber sido rodada en gran parte en la ciudad de Barcelona, su atmósfera internacional y el hecho de estar grabada en inglés la convierten en una pieza única de nuestra cinematografía que genera un profundo desasosiego en el espectador desde sus primeros compases.

A continuación, el análisis se ha centrado en Los Sin Nombre, el largometraje con el que debutó Jaume Balagueró en el año 1999. Mucho antes del fenómeno global que supuso la franquicia REC, Balagueró ya demostraba su maestría para el terror puro con esta adaptación de la novela de Ramsey Campbell. La trama, que sigue la angustia de una madre que recibe una llamada de su hija supuestamente fallecida años atrás, es descrita como una experiencia absolutamente perturbadora que consolidó al director catalán como uno de los grandes referentes del género en la escena europea.

No podía faltar en este recorrido la cinta Mil Gritos Tiene la Noche, dirigida por Juan Piquer Simón. Conocida internacionalmente bajo el título de Pieces, esta obra de 1982 es considerada hoy un objeto de culto en Estados Unidos. El resumen resalta el ingenio del director para suplir la escasez de presupuesto con una creatividad visual desbordante, logrando escenas de impacto dentro del subgénero slasher que todavía son reivindicadas por figuras de la cultura popular internacional, demostrando que el terror español siempre ha sabido exportar pesadillas con éxito.

El repaso histórico también ha hecho una parada obligatoria en la década de los setenta con Una Vela Para el Diablo, de Eugenio Martín. Localizada en el pueblo de Grazalema, esta película se encuadra en el denominado folk horror y cuenta con las magistrales interpretaciones de Aurora Bautista y Esperanza Roy. La historia de dos hermanas que deciden eliminar a todo aquel que consideran pecador es una joya del cine patrio que, debido a las restricciones de la censura de la época, tuvo que encontrar su mayor éxito comercial fuera de nuestras fronteras mediante su distribución internacional.

En una vertiente mucho más contemporánea, se ha ensalzado Verónica, la película de Paco Plaza estrenada en 2017. Inspirada en el célebre caso Vallecas, la cinta logra recrear con gran precisión el Madrid de los años noventa, apoyándose en una cuidada ambientación y una banda sonora protagonizada por Héroes del Silencio. Según los críticos de esRadio, Paco Plaza se encuentra actualmente en el mejor estado de forma de su carrera, demostrando una capacidad inigualable para adaptar los códigos del cine de posesiones al contexto social y cultural español.

Posteriormente, se ha recordado el impacto cultural de REC, codirigida por Jaume Balagueró y el propio Paco Plaza. Este ejercicio de found footage revolucionó las salas de cine al situar al espectador en el centro de una infección zombi dentro de un edificio de viviendas de Barcelona. La tensión asfixiante sostenida durante todo el metraje y su capacidad para aterrorizar incluso a los espectadores más curtidos en el género la sitúan como un hito ineludible que marcó un antes y un después en la producción de terror nacional.

La selección ha incluido asimismo No Profanar el Sueño de los Muertos, dirigida por Jorge Grau en 1974. Esta película, que llegó a contar con hasta dieciocho títulos alternativos en diferentes países, es considerada una obra maestra del cine de muertos vivientes. Debido a las directrices políticas del momento, la acción tuvo que situarse en la ciudad de Manchester, aunque el rodaje se realizó en localizaciones españolas. Es una pieza de culto que, según se ha subrayado en el programa, compite en calidad y atmósfera con las grandes producciones contemporáneas de George A. Romero.

Finalmente, como la cumbre del cine de terror español de todos los tiempos, se ha destacado ¿Quién Puede Matar a un Niño?, la obra maestra de Narciso Ibáñez Serrador, el recordado Chicho. Los tertulianos han lamentado que un genio de su talla solo dirigiera dos largometrajes, ambos considerados clásicos indiscutibles. Esta película, con su atmósfera opresiva y su premisa moralmente perturbadora, cierra una lista esencial para cualquier oyente que desee profundizar en la historia de un género donde España ha demostrado ser una verdadera potencia creativa.

De Heidi a la complejidad de Go Shiina: las aventuras de Tanjiro Kamado revolucionan el mercado global con una calidad técnica cinematográfica.

En una reciente entrega de la programación de esRadio, los colaboradores se sumergieron en un análisis vibrante sobre el fenómeno cultural del anime, centrándose específicamente en la música y la experiencia en vivo de una de las franquicias más exitosas de la actualidad: Demon Slayer, conocida originalmente como Kimetsu no Yaiba. Durante la charla, se destacó la evolución que ha experimentado el género de la animación japonesa, pasando de las sencillas melodías de series clásicas como Heidi a las complejas y épicas bandas sonoras que definen a las producciones modernas.

Juanma compartió con los oyentes su experiencia personal tras asistir al concierto oficial de la serie celebrado en el Palacio de Vista Alegre de Madrid. El evento contó con una orquesta compuesta por una veintena de músicos jóvenes que interpretaron en directo la banda sonora de la primera temporada del anime. Según el colaborador, el espectáculo fue un suceso audiovisual impresionante que combinó la potencia de la orquesta con proyecciones en pantalla gigante, permitiendo a los asistentes revivir los momentos más intensos de la trama mientras la música envolvía el recinto.

Uno de los puntos clave tratados en esRadio fue la sofisticación técnica de la música en el anime actual. Se comparó la sencillez de los temas de los años ochenta y noventa con el trabajo de los compositores Yuki Kajiura y Go Shiina, responsables de la atmósfera sonora de Demon Slayer. Los colaboradores señalaron que estas nuevas partituras beben de influencias como Hans Zimmer, mezclando elementos electrónicos con una orquestación tradicional de gran calado emocional. Esta evolución refleja cómo la industria del anime ha pasado de ser un nicho infantil a convertirse en una superproducción capaz de atraer a familias enteras y melómanos por igual.

Durante el resumen de la trama y sus personajes, se hizo especial hincapié en la figura de Tanjiro Kamado, el protagonista, y en el alivio cómico que representa Zenitsu Agatsuma. Este último fue descrito como un personaje cobarde que, curiosamente, sólo despliega su inmenso poder cuando se queda dormido por la tensión. Los tertulianos bromearon sobre esta dualidad del personaje, destacando cómo el anime logra equilibrar escenas de una violencia estética sublime con momentos de comedia slapstick que recuerdan a clásicos como Dragon Ball.

La producción de la serie, a cargo del estudio Ufotable, fue alabada por su calidad de animación cinematográfica. Se mencionó que Demon Slayer no sólo es un éxito en plataformas de streaming como Netflix o Crunchyroll, sino que su impacto en taquilla es comparable al de grandes superproducciones de Hollywood. De hecho, se recordó que el primer filme de la franquicia recaudó cifras estratosféricas, situándose a niveles de recaudación de películas como Avatar de James Cameron, lo que demuestra que el manga y el anime son hoy piezas fundamentales de la industria del entretenimiento global.

Finalmente, se discutió la figura de la autora del manga original, Koyoharu Gotouge, de quien se sabe muy poco debido a su discreción personal. La autora suele representarse a sí misma con el avatar de un caimán con gafas, un detalle que causó curiosidad entre los colaboradores. La sección concluyó con la mención a la próxima trilogía de películas, que cerrará la historia del Tren Infinito y el enfrentamiento final contra las fuerzas demoníacas, consolidando a Demon Slayer como un hito histórico de la animación que ha sabido conectar con el público a través de una épica visual y sonora sin precedentes en la televisión moderna.

Un recorrido por el autor de Eternal Sunshine, que revolucionó la estética musical junto a artistas como Kylie Minogue y Foo Fighters.

En una nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, se rinde un exhaustivo homenaje a la figura de Michel Gondry. El director francés, mundialmente conocido por su trabajo en el cine con cintas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind, es recordado en esta ocasión por su faceta más innovadora: la de director de videoclips musicales. Couselo destaca cómo Gondry logró revolucionar la estética de los noventa y principios de los dos mil, fusionando técnicas artesanales con efectos visuales hipnóticos.

El recorrido musical comienza con los orígenes de Gondry en la banda francesa Oui Oui, donde él mismo tocaba la batería. Su pieza Bolide sirve como punto de partida para entender su evolución hacia el éxito internacional. Sin embargo, uno de los hitos más recordados de su carrera es su colaboración con The White Stripes. Couselo relata la genialidad detrás de Fell in Love with a Girl, un vídeo creado íntegramente con piezas de Lego mediante animación stop-motion, que se convirtió en un icono de la cultura pop inmediata.

La capacidad de Gondry para trabajar con diferentes géneros queda patente al mencionar su obra para The Rolling Stones en la versión de Like a Rolling Stone. En 1995, el director empleó una técnica de morphing y cámaras estáticas que conferían un aire surrealista a la imagen, contando con la presencia de la actriz Patricia Arquette. Esta innovación visual se repetiría, aunque con matices más espaciales y oníricos, en el videoclip de Believe para Lenny Kravitz, inspirado en la estética de la ciencia ficción clásica.

Felipe Couselo subraya que la relación artística más profunda de Gondry fue, sin duda, con Björk. Juntos crearon piezas de una complejidad narrativa y visual asombrosa, como Bachelorette, del álbum Homogenic. En este clip, Gondry explora la recursividad y el concepto de una historia dentro de otra, consolidando un lenguaje propio que mezclaba el expresionismo estético con la vanguardia tecnológica del momento, algo que también se aprecia en otros trabajos para la artista islandesa como Army of Me.

En el ámbito del rock alternativo, el programa destaca Everlong de Foo Fighters. El vídeo es una representación de un sueño compartido, con claras referencias al cine de terror de serie B y a la película Posesión Infernal. Según Couselo, la habilidad de Gondry para dotar de un sentido del humor oscuro a canciones melancólicas es lo que lo diferencia de otros directores de su generación. También se menciona su trabajo para Sheryl Crow en A Change Would Do You Good, donde rinde homenaje a la serie Embrujada mediante una narrativa de personajes cruzados.

La electrónica no se queda atrás en este especial de esRadio. El tema Let Forever Be de The Chemical Brothers, con la voz de Noel Gallagher, es puesto como ejemplo de psicodelia visual moderna. Gondry utiliza efectos de multiplicación y caleidoscopios humanos que anticiparían su obra maestra rítmica: Around the World de Daft Punk. En este último, el director coreografió a distintos grupos de bailarines para que cada uno representara visualmente una capa instrumental de la canción, logrando una simbiosis perfecta entre imagen y sonido.

Finalmente, el repaso concluye con piezas como Come into My World de Kylie Minogue, un plano secuencia de enorme complejidad técnica donde la cantante se multiplica a sí misma en un bucle temporal, y la versión de Mad World de Gary Jules para la banda sonora de la película de culto Donnie Darko. Couselo cierra el programa reafirmando que Michel Gondry no solo dirigió vídeos musicales, sino que creó mundos imaginarios que siguen vigentes décadas después, demostrando que la creatividad no conoce límites cuando se domina el lenguaje audiovisual.

Entre leyendas urbanas y bromas, el equipo de Couselo debate sobre la cultura seriéfila y la trascendencia de bandas sonoras como la de Demon Slayer.

En una nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo inició la madrugada con su habitual tono distendido, acompañado por colaboradores como Juanma Rodríguez, Isaac Vizcaíno, Alma Espinosa y Dani Palacios. La emisión comenzó con una curiosa disertación sobre la hora exacta en la que se encuentran, debatiendo si las doce y media pertenecen aún a la noche o ya a la madrugada. Durante los primeros minutos, el equipo bromeó sobre la agenda del músico Matthew Herbert y la energía del programa tras sus recientes compromisos en directo.

Uno de los temas centrales del inicio fue el repaso de lo sucedido en el espectáculo Par en Par celebrado en Gijón. Los colaboradores comentaron ciertos rumores y leyendas urbanas que surgieron tras el evento, mencionando jocosamente el "buen rollo" detectado entre las "ovejas" del programa. Entre bromas, recordaron mitos clásicos del mundo del espectáculo, como aquel que aseguraba que a famosas como Yola Berrocal o Ana Obregón les habían explotado los implantes mamarios en un avión, sirviendo esto para ilustrar cómo se generan las historias exageradas en torno a los viajes del equipo.

Felipe Couselo dedicó un bloque especial a su reciente experiencia musical tras asistir al concierto de Love Revisited, la formación liderada por el guitarrista Johnny Echols. El presentador destacó la vigencia de temas como Alone Again Or y la importancia histórica del álbum Forever Changes, considerado uno de los mejores trabajos de la década de los sesenta. Couselo subrayó la capacidad del grupo para recrear la magia de una época mítica, logrando conjurar los espíritus de un tiempo en el que la música rock alcanzó cotas de creatividad inigualables.

Posteriormente, Alma Espinosa tomó las riendas con su sección de juegos, proponiendo un concurso de adivinanzas basado en series de televisión. A través de series de tres palabras clave, los colaboradores debían identificar títulos icónicos. La primera ronda, definida por los conceptos de "subida" y "precio", fue resuelta por Felipe al identificar Breaking Bad, bromeando sobre cómo el coste de las sustancias ilegales marcaba la trama del profesor Walter White. El ambiente se caldeó con la competencia entre Isaac y Dani por liderar el marcador.

El juego continuó con pistas como "eco", "ruptura" y "regreso", que hacían referencia a la serie Perdidos, aunque los colaboradores pasaron por títulos tan dispares como Veraño Azul o Fargo antes de dar con la respuesta correcta. También hubo un espacio para la nostalgia con Los Serrano, una serie que Alma calificó como referente del costumbrismo patrio, provocando risas al recordar el polémico final protagonizado por Antonio Resines. El segmento demostró el amplio conocimiento seriéfilo del equipo, que también identificó éxitos actuales como Stranger Things.

En las rondas finales del concurso de Espinosa, se mencionaron ficciones más complejas como The Leftovers, a través de pistas como "caos", "caza" y "ritual", y Mr. Robot, vinculada a los términos "voz", "control" y "hacker". Finalmente, el concurso se decidió en una ronda especial con puntuación doble donde la serie ganadora fue Verano Azul, permitiendo a Dani Palacios alzarse con una victoria muy celebrada frente a sus compañeros, a pesar de las quejas de Juanma Rodríguez por la arbitrariedad de los puntos.

Para cerrar el programa, Isaac Vizcaíno ofreció una detallada crónica de su asistencia al concierto de la banda sonora de Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba) en el Palacio de Vistalegre. Vizcaíno analizó la evolución de la música de anime, desde las melodías clásicas de Heidi hasta las composiciones épicas actuales de LiSA y los autores Yuki Kajiura y Go Shiina. Comparó el impacto emocional y técnico de estas piezas con el trabajo de maestros como Ennio Morricone o Hans Zimmer, destacando la espectacularidad visual y sonora de la producción japonesa.

La sección musical de Vizcaíno puso el broche de oro al programa, resaltando cómo la industria del anime ha creado una cultura global masiva capaz de llenar recintos con familias enteras. El colaborador recomendó encarecidamente la serie tanto por su factura técnica como por su profundidad narrativa, cerrando así una madrugada en la que la música, el cine y el humor fueron los protagonistas absolutos en los micrófonos de esRadio.