Prohibido contar ovejas

Isaac Vizcaíno propone un recorrido por algunas de las canciones más irreverentes y excéntricas de la música española

El programa de hoy se sumerge sin complejos en lo que los presentadores denominan bajar al barro, una exploración necesaria de la música festiva y ese postureo que define gran parte de la cultura popular contemporánea. Frente a la solemnidad impostada de los críticos musicales más estirados y la asfixiante corrección política, se reivindica el derecho al divertimento puro y desvergonzado. Este viaje sonoro nace del petardeo y de canciones que, bajo una apariencia de banalidad, esconden en ocasiones una crítica feroz a la vacuidad de ciertos sectores sociales que dominan el discurso público actual.

La sesión arranca con el dúo Ojete Calor y su ya icónico tema Mocatriz. Esta composición se erige como un retrato despiadado de la futilidad moderna, encarnada en esa figura ubicua que dice ser modelo, cantante y actriz sin poseer un ápice de talento en ninguna de las tres disciplinas. Es una oda al anti-talento y a la fama instantánea de la era de las redes sociales que, irónicamente, se ha convertido en un éxito de masas gracias a un sentido del humor cínico y una base electrónica que invita al desenfreno absoluto en cualquier pista de baile.

Continuando con esta línea de humor y ritmo suburbano, surge la figura de Ladilla Rusa y su celebrado tema Kitt y los coches del pasado. Aquí, la nostalgia kitsch se mezcla con la estética de los barrios periféricos, rescatando iconos de la televisión de los ochenta para situarlos en un contexto de fiesta popular y verbena. La capacidad de estos grupos para conectar con el pueblo a través de referencias compartidas y un desparpajo vocal envidiable demuestra que la verdadera cultura no siempre emana de los centros de poder institucionalizados.

El surrealismo alcanza su cénit con Los Ganglios y su Cumbia de Félix y Jacques. En un alarde de creatividad inclasificable, el grupo rinde un homenaje bizarro a Félix Rodríguez de la Fuente y Jacques Cousteau, figuras esenciales de la divulgación científica que aquí se ven envueltas en ritmos tropicales. Es una muestra de libertad creativa absoluta, donde lo didáctico y lo grotesco se dan la mano en una canción que funciona simultáneamente como un himno de feria y un ejercicio de memoria histórica para toda una generación.

La mirada de los colaboradores se vuelve internacional con Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra y su oda titulada Cerveza. Se destaca cómo los sonidos balcánicos han logrado permear con éxito en la fiesta española, aportando un aire de orquesta de metales que invita a la comunión colectiva y al brindis. Es la fuerza de lo auténtico y lo visceral, de una música que no necesita de los artificios de producción de las multinacionales para transmitir una energía desbordante y un espíritu festivo indomable.

No podía faltar en este repaso la rumba, ese género tan profundamente arraigado en nuestra tierra que Palo Carbonell eleva a los altares con El calimocho de mamá. Con un toque de ternura y mucho de la tradicional picaresca española, la canción celebra las mezclas imposibles de alcohol y la figura protectora materna en un entorno de celebración popular. Se reivindica así una cultura de barrio auténtica, alejada de los lujos de los yates y las chaquetas de lino, centrada en la realidad de las fiestas de pueblo.

El viaje continúa con la curiosa historia del Pollito de California y su versión rumbera del clásico Qué no me puedo levantar. Resulta fascinante analizar cómo un artista estadounidense, enamorado de la rumba española, termina convirtiéndose en un referente de los locales de after madrileños. Esta fusión cultural espontánea y sin subvenciones es el reflejo de una España abierta y festiva, capaz de asimilar influencias externas para pasarlas por el tamiz de la guitarra española y el compás de palmas.

El humor de los componentes de La Hora Chanante también tiene su espacio, recordando la versión de la Monja Nana sobre el polémico y directo tema Hijo de puta. Bajo la influencia creativa de Joaquín Reyes, el estilo denominado Subnopop se convierte en una herramienta de sátira, utilizando letras que desafían frontalmente las normas de conducta impuestas por el nuevo puritanismo. Es un ejercicio de audacia humorística que demuestra que, a veces, la mejor forma de defender la libertad individual es a través de lo aparentemente absurdo y provocador.

El repaso incluye también a L-Kan y su versión de Rata de dos patas, un clásico de la mexicana Paquita la del Barrio llevado al terreno del pop electrónico. Junto a ellos, Raquel Winchester y su inolvidable El marido de la carnicera aportan esa necesaria dosis de desparpajo femenino y letras explícitas que marcaron una época a principios de los años dos mil. Son canciones que rompen moldes establecidos y que apuestan decididamente por la identidad propia frente a los productos prefabricados que salen de los concursos de talentos televisivos.

El cierre de esta particular antología del barro lo pone la pujante escena de Zaragoza con Miercromina Club, maestros del remix que se atreven a mezclar a los Parchís con ritmos contemporáneos o a acelerar clásicos infantiles para la pista de baile. Es la apoteosis de la reinvención musical sin prejuicios, un recordatorio de que en el arte no deben existir fronteras infranqueables y que el objetivo final debe ser siempre la alegría compartida y la celebración de la vida. En definitiva, un recorrido por una España que sabe reírse de sus propias sombras y encuentra en estas melodías su banda sonora más libre.

Alma Espinosa abre el cajón de la nostalgia para recordar algunas de las series de anime que acompañaron la infancia de espectadores en los 80 y 90

En un nostálgico repaso por la cultura popular que definió a las generaciones de los años ochenta y noventa, los tertulianos de este espacio analizan el desembarco y la consolidación del anime en España, un fenómeno que no solo transformó el consumo televisivo, sino que también puso de relieve las tensiones entre la libertad de creación y el intervencionismo moralista de la época. Frente a la actual hegemonía de plataformas como Crunchyroll, se recuerda con especial énfasis cómo la descentralización televisiva, gracias a las televisiones autonómicas, permitió que series hoy consideradas de culto llegaran de forma desigual pero apasionante a los hogares españoles.

El primer gran hito analizado es Dragon Ball, conocida en diversas regiones como Bola de Drac. La serie de Akira Toriyama aterrizó primero en la catalana TV3 y en la gallega TVG a principios de los noventa, dejando en evidencia el retraso de una Telemadrid que tardó años en sumarse al fenómeno. Los ponentes subrayan la polémica censura que persiguió a la obra debido a su supuesta violencia, fruto de las quejas de colectivos de padres que, en un alarde de paternalismo estatalista, pretendían limitar lo que el individuo podía elegir ver en la comodidad de su hogar. A pesar de estos intentos de cancelación avant la lettre, la historia de Goku se convirtió en un pilar intergeneracional indiscutible.

El debate prosigue con Sailor Moon, una obra fundamental que introdujo el género de las Magical Girls en el imaginario colectivo español. Estrenada en 1992, esta serie no solo cautivó por su estética, sino por presentar personajes femeninos con una fuerza y determinación que han servido de base para éxitos contemporáneos como Ladybug. Los tertulianos destacan que la serie alcanzó los 200 episodios, consolidándose como un referente de empoderamiento real, ajeno a las cuotas ideológicas que hoy asfixian a la industria audiovisual, permitiendo que tanto niños como niñas disfrutaran de una narrativa de aventuras universal.

Mención aparte merece Oliver y Benji, el título local para Captain Tsubasa, cuya emisión en España marcó un punto de inflexión en la competencia entre la televisión pública y privada. Mientras que muchos niños de provincias se veían privados de su visionado por la mala señal de los nuevos canales, otros disfrutaban en Tele 5 de aquellos campos de fútbol infinitos que desafiaban las leyes de la física. Es reseñable la anécdota sobre el cambio de nombres en las reediciones actuales, donde se busca recuperar la fidelidad al original japonés, sustituyendo los nombres castizos por los originales como Tsubasa Ozora o Kojiro Hyuga.

El análisis retrocede hasta 1972 con Mazinger Z, el pionero de los robots gigantes que llegó a la TVE de 1976. Se destaca cómo la serie fue retirada prematuramente por ser considerada excesivamente violenta para los estándares de la época, una muestra más del miedo al progreso cultural que a menudo exhiben los entes públicos. Como curiosidad, se menciona la existencia de estatuas de este robot en urbanizaciones de Tarragona, lo que demuestra la profunda huella que la estética mecha dejó en la sociedad española, mucho antes de que el término fuese de uso común entre los aficionados.

Hacia el final de la tertulia, se abordan clásicos como Los Caballeros del Zodíaco (Saint Seiya) y Doraemon. De este último, el gato cósmico que ha superado los 1700 episodios, se comentan las leyendas urbanas sobre su final, comparándolas con el estilo narrativo de Los Serrano, y se celebra el especial vínculo de la serie con España, llegando a dedicar episodios a tradiciones madrileñas como las doce uvas en la Puerta del Sol. Estos momentos subrayan la capacidad del anime para derribar fronteras y crear una cultura global compartida sin necesidad de imposiciones burocráticas.

Finalmente, el programa cierra con Shin-Chan, un ejemplo perfecto de cómo el humor gamberro y políticamente incorrecto lograba conectar con el público antes de que la dictadura de lo políticamente correcto se instalara en nuestras pantallas. A través de escenas que hoy serían impensables, como los diálogos con personajes travestis o el famoso baile de la trompa, la serie de Yoshito Usui defendía, desde la sátira infantil, una libertad de expresión que los tertulianos añoran como parte de una televisión más valiente y plural.

Juanma González analiza el fenómeno de las versiones extendidas y los montajes del director, películas que con el tiempo han encontrado una nueva vida

Desde el subnopop de Ojete Calor hasta el fenómeno de Dragon Ball, el programa explora la cultura popular con una mirada crítica y desenfadada.

El programa Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo en esRadio, comienza con una energía vibrante marcada por el reciente triunfo deportivo del Real Madrid. Tras un distendido intercambio sobre la tecnología actual y el uso de dispositivos portátiles en el estudio, el equipo se sumerge en una serie de anécdotas personales que demuestran el alcance de sus proyectos paralelos. Isaac Belkaid narra una curiosa historia vivida en Valencia junto a Daniel Palacios y Manuel Arias, donde un seguidor llegó a detener el tráfico en una avenida principal simplemente para vitorear a pleno pulmón el éxito de su podcast, Pares y Impares.

La conversación sobre la fama y el reconocimiento público toma un cariz aún más humorístico cuando Alma Espinosa comparte una experiencia que considera insuperable: el momento en que fue reconocida por un oyente en una playa nudista. Este relato, que genera risas y comentarios sobre la falta de vestimenta como factor de identificación, sirve de preámbulo para las secciones habituales del programa, donde la cultura popular, la música poco convencional y el cine de culto son los protagonistas absolutos bajo una mirada crítica y desenfadada.

Isaac Belkaid inaugura su sección musical, titulada Bajando al barro, centrada en el fenómeno del petardeo y el electropop español. Comienza con el icónico tema Mocatriz de Ojete Calor, analizando cómo el concepto de modelo, cantante y actriz se ha convertido en un himno de la cultura trash. Isaac destaca la capacidad de estos grupos para llenar salas mediante el humor y la crítica social velada, mencionando también a Ladilla Rusa y su éxito Kitt y los coches del pasado, una pieza de tecnorrumba que rinde tributo a la nostalgia de los ochenta y a la figura de Macaulay Culkin.

La sección continúa explorando propuestas arriesgadas como la de Los Ganglios y su Cumbia de Félix y Jacques, un homenaje bizarro a Félix Rodríguez de la Fuente y Jacques Cousteau. El equipo comenta la calidad musical de estos artistas de Badajoz, que bajo una apariencia cómica esconden una ejecución técnica notable. No falta la mención a himnos festivos como El calimocho de mamá de Pablito Carbonell o la incursión balcánica de Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra con su tema Cerveza, subrayando el espíritu lúdico que define esta selección musical.

El repaso al subnopop y la música alternativa se cierra con menciones a Muchachada Nui y el tema Hijo de puta de Joaquín Reyes, así como la versión de Rata de dos patas realizada por Elkan. Isaac reivindica estas canciones como elementos esenciales de cualquier fiesta que se precie, donde el sentido del espectáculo prevalece sobre la ortodoxia musical. Además, se comenta brevemente el regreso de Las Ketchup en escenarios internacionales, confirmando que la nostalgia por lo kitsch sigue más viva que nunca.

Por su parte, Alma Espinosa traslada a los oyentes al mundo del anime clásico en su sección de televisión. Analiza el impacto de Dragon Ball (conocida en España como Bola de Dragón), resaltando su longevidad y la polémica que generó en los noventa por su supuesta violencia. Alma destaca cómo la obra de Akira Toriyama logró unir a diversas generaciones, convirtiéndose en un fenómeno de masas que todavía hoy domina las tiendas de merchandising y las plataformas de streaming como Crunchyroll.

La nostalgia continúa con Sailor Moon y Captain Tsubasa (Oliver y Benji). El equipo bromea sobre la física imposible de los campos de fútbol en esta última serie, que podían tardar varios capítulos en ser recorridos. También se menciona Mazinger Z y la curiosa existencia de estatuas gigantes del robot en Tarragona, así como Los Caballeros del Zodíaco. Alma subraya la influencia estética de estas producciones japonesas en la infancia de millones de españoles, marcando un antes y un después en la programación infantil.

Especial mención recibe Doraemon, el gato cósmico, del cual se discuten sus más de 1700 episodios y las leyendas urbanas sobre su final. Se recuerda con especial cariño el capítulo en el que los personajes viajan a Madrid para tomar las doce uvas en la Puerta del Sol, un hito de la localización cultural. Finalmente, Shin-chan cierra el bloque, destacando su doblaje al español, cargado de modismos y un humor adulto que lo convirtió en una serie de culto tanto para niños como para padres.

Juanma González cierra el programa con una profunda disertación sobre el cine y las versiones extendidas. El punto de partida es el anuncio de Kill Bill: The Whole Bloody Affair, la edición completa de la obra de Quentin Tarantino que unifica ambas partes. Juanma explica cómo la influencia de productores como Harvey Weinstein, apodado Harvey Manostijeras por su afición a recortar metraje, obligó a dividir películas que originalmente fueron concebidas como una sola unidad narrativa.

Se analizan casos emblemáticos como The Shining (El Resplandor) de Stanley Kubrick, cuya versión estadounidense contiene escenas cruciales que se omitieron en la europea, o la trilogía de The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos) de Peter Jackson. Juanma detalla la polémica con Christopher Lee, quien quedó fuera del montaje cinematográfico de The Return of the King (El Retorno del Rey), y cómo las versiones extendidas son fundamentales para comprender la profundidad argumental de la Tierra Media.

El análisis termina mencionando el Snyder Cut de Justice League (La Liga de la Justicia) y la versión de Kingdom of Heaven (El Reino de los Cielos) de Ridley Scott, defendiendo que en muchas ocasiones el Director's Cut es la única forma de hacer justicia a la visión artística original. El programa concluye con los acordes de Wicked Game de Chris Isaak, dejando a los oyentes con una reflexión sobre la importancia de preservar la integridad de las obras culturales frente a las presiones comerciales.

Un viaje por el eclecticismo de 1996 que defiende la soberanía profesional y la identidad cultural frente a la estandarización del mercado actual.

En esta nueva entrega del programa Prohibido contar ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo continúa su exhaustivo y nostálgico repaso por el panorama musical de 1996. Bajo el título Han pasado 30 años de todo, Couselo reivindica la importancia de la memoria individual y el valor de las obras artísticas que definieron una época, alejándose de la fugacidad de las redes sociales para centrarse en la trascendencia de los álbumes que marcaron el final del siglo XX.

El programa se abre con la desgarradora interpretación de Nutshell por parte de Alice in Chains en su legendario Unplugged. Couselo destaca la figura de Layne Staley, cuya voz se convirtió en un símbolo de la fragilidad humana y el dolor existencial. En un contexto de libertad creativa, este concierto grabó a fuego la capacidad del artista para transformar su tormento personal en una obra de culto que, tres décadas después, sigue resonando con una autenticidad que pocos productos comerciales actuales pueden igualar.

El viaje musical prosigue con Kula Shaker y su álbum debut K. El presentador pone en valor la independencia creativa de Crispian Mills, quien supo amalgamar el rock británico con influencias de la cultura hindú. Canciones como Hey Dude o Grateful When You're Dead/Jerry Was There representan ese espíritu de exploración y eclecticismo que permitía a las bandas de los noventa alcanzar el éxito comercial sin renunciar a una propuesta personal y diferenciada del mainstream más ramplón.

La resiliencia artística queda personificada en este resumen por Suede y su disco Coming Up. Tras la traumática salida del guitarrista Bernard Butler, Brett Anderson demostró una admirable capacidad de reinvención. Con temas como The Beautiful Ones o Trash, la banda no solo sobrevivió, sino que se alzó con un número uno en las listas británicas, demostrando que el talento y la visión artística individual son capaces de superar las crisis estructurales de cualquier formación musical.

En el ámbito del rock estadounidense, el programa destaca a Sheryl Crow y su segundo álbum homónimo. Couselo subraya el mérito de Crow al asumir la producción de su propio trabajo, un acto de soberanía profesional que dio como fruto clásicos de la talla de If It Makes You Happy o Everyday Is a Winding Road. Esta última, concebida como un homenaje al fallecido Paul Hester de Crowded House, es un ejemplo de cómo la música sirve para preservar el legado de aquellos individuos que dejaron una huella imborrable.

El repaso incluye también los debuts de Matchbox Twenty con Yourself or Someone Like You y de Eels con Beautiful Freak. Couselo resalta la honestidad narrativa de Mark Oliver Everett, conocido como E, cuyas composiciones en Novocaine for the Soul ofrecen una mirada irónica y cruda sobre la inadaptación y la búsqueda de sentido en una sociedad cada vez más estandarizada. Es, en esencia, la defensa de la voz propia frente al colectivismo cultural.

Los sonidos más contundentes también tienen su espacio con Sepultura y su revolucionario álbum Roots, donde la banda brasileña exploró su propia identidad cultural fusionando el metal con percusiones indígenas. Asimismo, el presentador recuerda la perfección técnica de los finlandeses Stratovarius en su disco Episode, un baluarte del power metal que reivindicaba la excelencia interpretativa en un momento en que el virtuosismo parecía haber pasado de moda.

El bloque final del programa se dedica a la madurez de bandas consagradas como Soundgarden, con su disco Down on the Upside, y The Black Crowes con Three Snakes and One Charm. Couselo analiza las tensiones creativas entre figuras como Chris Cornell y Kim Thayil como el motor de una excelencia artística que, si bien llevó a la separación de la banda poco después, dejó un testamento sonoro de primer nivel. Por su parte, la canción Blackberry de los cuervos de Atlanta es ensalzada por su fidelidad a las raíces del rock más puro.

Finalmente, Couselo cierra el programa con un guiño a la historia con mayúsculas: el lanzamiento de los volúmenes 2 y 3 de Anthology de The Beatles. La recuperación de Real Love, una maqueta de John Lennon completada por los otros tres integrantes, supuso un hito en la preservación del canon musical occidental. Con este broche de oro, Prohibido contar ovejas despide un programa que es, ante todo, un elogio a la libertad de creación y al valor imperecedero de la gran música del siglo XX.