Prohibido contar ovejas

Felipe Couselo repasa las canciones que lideraron las listas de ventas británicas y estadounidenses, desde Elvis hasta The Beatles.

El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, dedica su edición número 478 a repasar grandes éxitos discográficos que alcanzaron el número uno de las listas de ventas un 4 de noviembre a ambos lados del Atlántico, comparando las clasificaciones británicas y las estadounidenses de Billboard a lo largo de varias décadas.

El recorrido musical comienza en el año 1953 con el éxito de Les Paul y Mary Ford interpretando Vaya con Dios, que lideró la lista norteamericana durante once semanas. Couselo aprovecha la pieza para reflexionar sobre cómo la música cruzaba el océano con mayor lentitud en aquella época y cómo la técnica de guitarra de Les Paul transformó por completo la música popular contemporánea.

Cuatro años más tarde, en 1957, la lista británica estaba encabezada por Buddy Holly y The Crickets con That'll Be the Day, composición inspirada en la película Centauros del desierto de John Wayne y pieza fundacional para numerosas bandas inglesas, entre ellas The Beatles. Mientras sonaba en el Reino Unido, en Estados Unidos el puesto de honor lo ocupaba Elvis Presley con Jailhouse Rock.

El propio Elvis Presley protagoniza el repaso de 1960 gracias a It's Now or Never, su adaptación de O sole mio, que conquistó las listas británicas vendiendo decenas de millones de copias y demostrando la versatilidad vocal del artista más allá del rocanrol tradicional. En territorio estadounidense, mientras tanto, el liderato recaía en The Drifters con Save the Last Dance for Me.

La factoría de Detroit y el sonido Motown asumen el protagonismo de 1964 con The Supremes y su clásico Baby Love, compuesto por el reputado trío Holland-Dozier-Holland, copando la primera plaza en Estados Unidos. Por su parte, en las islas británicas triunfaba Sandie Shaw interpretando la composición (There's) Always Something There to Remind Me de Burt Bacharach y Hal David.

En 1965 se produjo una coincidencia transatlántica con The Rolling Stones situando en lo más alto de ambos mercados su enérgico Get Off of My Cloud. Apenas un año después, en 1966, el trío creativo de la Motown volvía a dominar en el Reino Unido de la mano de The Four Tops con Reach Out I'll Be There, mientras en las listas americanas imperaba The Monkees con Last Train to Clarksville.

La llegada de 1968 trae consigo el análisis de Hey Jude de The Beatles, un tema concebido por Paul McCartney para apoyar al hijo de John Lennon tras la separación matrimonial de sus padres. Pese a romper las normas comerciales radiofónicas por superar los siete minutos de duración, se convirtió en un himno universal, compartiendo protagonismo temporal con Mary Hopkin y su célebre Those Were the Days.

La década de los setenta queda inaugurada en el espacio con el éxito en 1971 de Rod Stewart y su emblemático Maggie May, perteneciente al álbum Every Picture Tells a Story, que despegó hacia el número uno impulsado por la mandolina de Ray Jackson. En 1972, el texano Johnny Nash introdujo los ritmos jamaicanos en la cúspide de Billboard gracias a la célebre I Can See Clearly Now.

La alianza compositiva formada por Elton John y Bernie Taupin dominó Norteamérica en noviembre de 1975 mediante Island Girl, canción que contó con la participación del sintetizador de James Newton Howard. Por aquellas mismas fechas, en el Reino Unido triunfaba la reedición especial de Space Oddity de David Bowie.

El bloque dedicado a las bandas sonoras cinematográficas cobra fuerza con el año 1978, cuando el fenómeno musical de Grease situó a John Travolta y Olivia Newton-John en el primer puesto británico con Summer Nights. Esta tendencia continuó en 1982 gracias al dueto formado por Joe Cocker y Jennifer Warnes en Up Where We Belong, tema central de la cinta Oficial y caballero que obtuvo el premio Oscar.

La recta final del programa aborda los años ochenta con Berlin y la balada Take My Breath Away perteneciente a Top Gun en 1986, el pop adolescente de Tiffany con I Think We're Alone Now en 1987 y el regreso triunfal de The Beach Boys con Kokomo en 1988 gracias al filme Cocktail. La emisión concluye en 1990 recordando el renacimiento de Unchained Melody de The Righteous Brothers, catapultada al número uno un cuarto de siglo después de su grabación gracias a su inclusión en la película Ghost.

El influjo del rebelde autor inglés recorre obras cumbre del folk y la contracultura, desde Donovan hasta The Verve.

El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, presentado por Felipe Couselo, dedica su entrega a desgranar la profunda huella que dejó William Blake en la música popular contemporánea. Considerado mucho más que un autor literario, el artista británico aunó poesía, grabado, pintura y misticismo, legando un imaginario rebelde que sedujo a generaciones enteras de creadores dentro del rock, el folk y las corrientes contraculturales.

El recorrido se inicia con la figura de Allen Ginsberg, quien en 1969 llevó al formato musical las obras cumbres del poeta en su disco Songs of Innocence and of Experience. Acompañado por músicos de jazz, el referente de la generación beat pretendió atrapar el espíritu visionario del escritor inglés para sintonizarlo con las inquietudes sociales y artísticas de su propia época.

La reivindicación de su figura también abarca su entorno más íntimo de la mano de Frank Turner y su tema I Believed You, William Blake, perteneciente al álbum No Man's Land. La composición rinde tributo a Catherine Blake, esposa del autor, cuya devoción y trabajo manual iluminando grabados resultaron fundamentales para preservar una producción artística ignorada por la sociedad de su tiempo.

La obra de madurez espiritual de Bob Dylan también bebe directamente de este influjo en canciones como Every Grain of Sand, perteneciente a su trabajo Shot of Love de 1981. En plena etapa evangélica, el músico de Minnesota reformula los célebres versos de los augurios de inocencia para reflexionar sobre la redención, el sentimiento de culpa y la experiencia mística ante lo cotidiano.

El influjo del grabador londinense cruzó asimismo las fronteras anglosajonas para calar en el rock español de la mano de Enrique Bunbury. Al frente de Héroes del Silencio concibió El camino del exceso, pieza angular de El espíritu del vino inspirada en los proverbios infernales de El matrimonio del cielo y el infierno, donde se aborda la búsqueda de los límites frente a la moral convencional y la libertad de elección del individuo.

En el ámbito del britpop y el rock independiente inglés destacan aproximaciones como la de The Verve en History, corte de 1995 donde Richard Ashcroft toma el inicio del poema London para ambientar un doloroso paseo urbano y existencial. Años después, la formación londinense Bloc Party situaba en Ion Square una peregrinación sentimental vinculada a la búsqueda de la tumba del genial ilustrador en Bunhill Fields.

La compositora Patti Smith representa otra de las devociones más sinceras hacia el poeta, plasmada en My Blakean Year dentro de su disco Trampin'. La dama del punk encuentra en las penurias materiales y la incomprensión sufridas por el artista un espejo donde reafirmar la vocación creadora por encima de los aplausos del público o las dificultades del entorno vital.

Las metáforas sobre las emociones humanas adquieren tono íntimo con Beth Orton y su lectura de A Poison Tree en Sugaring Season, adaptando los versos sobre la cólera acumulada a su dolencia física. En el plano psicodélico de los años sesenta, Donovan se inspiró en los contrastes entre inocencia y experiencia para construir su balada Legend of a Girl Child Linda dentro del aclamado Sunshine Superman, exhibiendo una notable carga alegórica y pastoral.

La travesía concluye con figuras indispensables como The Doors y Jim Morrison, cuyo propio bautismo artístico procede de los textos de Blake, patente en cortes como End of the Night. Del mismo modo, las complejas mitologías del autor encuentran acomodo en el heavy metal de Bruce Dickinson en Accident of Birth, el misticismo céltico de Van Morrison en Veedon Fleece y las resonancias épicas de Led Zeppelin, certificando la influencia inagotable del ilustrador sobre el arte sonoro contemporáneo.

Una queja de Robert De Niro y un batacazo en cines precedieron al último gran himno triunfal grabado por 'La Voz' a finales de los 70.

En el espacio Prohibido Contar Ovejas de esRadio, Alicia Valiente y el equipo del programa abordan la historia que rodea a una de las piezas musicales más universales del siglo XX: la canción "New York, New York". Aunque en la actualidad el tema está indisolublemente asociado a la voz de Frank Sinatra, su nacimiento estuvo marcado por un inicio accidentado, discrepancias creativas y un notable fracaso en taquilla antes de alcanzar la categoría de himno indiscutible.

El origen de la composición se sitúa en el año 1976, en el marco de los preparativos de la película musical que dirigía Martin Scorsese con Liza Minnelli y Robert De Niro al frente del reparto. Los prestigiosos compositores John Kander y Fred Ebb presentaron ante el equipo de producción las canciones diseñadas para la banda sonora original. Aunque la sesión parecía desarrollarse en un ambiente distendido y entusiasta, uno de los presentes mostró de inmediato su desacuerdo con la melodía principal.

Fue el actor Robert De Niro quien manifestó en privado al director que la pieza resultaba débil y poco convincente para su personaje, señalando que quedaba eclipsada por los números vocales de Minnelli. Ante las exigencias del actor, el cineasta solicitó a los autores una reescritura completa del tema principal, dando pie a la versión definitiva y enérgica que finalmente grabó Liza Minnelli para la película.

A pesar del esfuerzo creativo, el largometraje se estrenó en 1977 y se convirtió en un sonoro fracaso comercial, lo que provocó que la melodía pasara desapercibida para el gran público. No obstante, la esposa del afamado vocalista, Barbara Sinatra, vislumbró el potencial oculto de la obra tras visionar la cinta y le insistió para que la incorporara a su repertorio, una sugerencia que en un primer momento el intérprete descartó por considerarla una pieza ajena a su estilo.

La perseverancia de su entorno cercano terminó por convencer a Sinatra, quien comenzó a probar el tema en directo en 1978 sobre el escenario del Radio City Music Hall, en pleno centro de Manhattan. La reacción del auditorio fue tan entusiasta que el cantante decidió acudir al estudio a finales de 1979 para dejar constancia grabada del arreglo definitivo, publicándolo en la primavera de 1980 dentro del álbum Trilogy: Past Present Future.

La grabación se convirtió en un auténtico fenómeno de masas y supuso el último gran éxito en las listas comerciales para Sinatra antes de su fallecimiento. Décadas después, convertida en el símbolo sonoro de la Gran Manzana, la canción demuestra cómo una objeción artística en una sala de ensayo acabó transformando un fracaso cinematográfico en una leyenda de la música norteamericana.

El nuevo portal rescata películas de culto y rarezas olvidadas al margen de los algoritmos, con un evento especial de presentación en Madrid.

El programa aborda la puesta de largo del portal digital oficial vinculado a Horror Losers, una destacada comunidad consagrada a la divulgación del cine de género y fantástico. Su creador y crítico cinematográfico, Jorge Loser, interviene en directo para detallar las claves del acto de presentación que se celebrará en la sala y bar Fotomatón, ubicada en las proximidades de la plaza de España en Madrid, en un encuentro concebido para congregar a los seguidores de la iniciativa en un entorno físico y distendido.

Loser relata que la creación del portal responde a la imperiosa necesidad de centralizar y poner a buen recaudo el inmenso volumen de material generado a lo largo de varios años. Ante las sucesivas transformaciones y la volatilidad que sufren las redes sociales, donde gran cantidad de hilos divulgativos y artículos quedan sepultados o resultan difíciles de localizar, la web actuará como un centro neurálgico unificado que albergará textos revisados, análisis pormenorizados y material inédito para ofrecer una lectura mucho más sosegada y estructurada.

Durante la conversación se profundiza en la apuesta editorial del proyecto, caracterizada por una firme resistencia a la tiranía del algoritmo y a la obsesión por la actualidad inmediata. Frente a la tendencia generalizada de los medios culturales de hablar exclusivamente del estreno de la semana o de la película del mes, la filosofía de la bitácora se orienta hacia la arqueología cinematográfica, rescatando cintas de culto, producciones pretéritas, rarezas olvidadas y anécdotas de rodaje que merecen ser reivindicadas por sus propios valores visuales o narrativos.

Respecto a la futura hoja de ruta del proyecto, el colaborador adelanta que la siguiente meta prioritaria será el lanzamiento inminente de un podcast propio de cine. Aunque el mantenimiento de la plataforma se realiza de forma artesanal y exige un considerable esfuerzo de compaginación con su trabajo profesional de crítica en diversas cabeceras escritas, Loser confirma que el salto al audio constituirá la base sobre la que después se estudiará la viabilidad de incorporar formatos en vídeo.

El evento programado en Madrid ofrecerá una completa agenda de actividades que arrancará con una charla centrada en la evolución del cine de terror actual, seguida por la proyección en pantalla grande de varios cortometrajes de culto antiguos y desconocidos, cuidadosamente seleccionados por el propio crítico. La jornada incluirá además el reparto de obsequios a los asistentes, destacando una lámina exclusiva numerada obra de la ilustradora Nuria Mermelada de Sesos, antes de clausurar la noche con una sesión musical especial orientada a Halloween.

La intervención concluye con el recuerdo de algunos hitos virales de la comunidad, como el rescate de secuencias analógicas de brujería y transformaciones sorprendentes sin efectos digitales contemporáneos. Asimismo, los locutores invitan a Jorge Loser a reeditar la tradicional mesa redonda del terror al término de la temporada para desgranar los títulos más representativos exhibidos en certámenes especializados como el Festival de Sitges.

Analizamos cómo Sinatra convirtió en mito un tema de Scorsese, el regreso de Tony Iommi y las claves del teatro de La Abadía entre otras cosas.

Una nueva edición de Prohibido contar ovejas en esRadio, conducida por Felipe Couselo junto a Dani Palacios, Isaac Vizcaíno y Alma Espinosa —con la consabida ausencia de Juanma González—, ofreció un amplio repaso por novedades musicales del panorama independiente y diversas citas culturales.

El bloque sonoro arrancó con la veteranía de la banda australiana The Church y su último trabajo de estudio, seguido por las reflexiones en torno a Queens of the Stone Age y el concepto estético japonés del kintsugi aplicado a su sonido. La sesión continuó con el regreso discográfico de Editors mediante su sencillo Seriously, publicado por el sello PIAS, además de la propuesta híbrida entre electrónica y punk del dúo londinense RIP Magic, quienes recientemente ejercieron como teloneros de Tame Impala.

El programa exploró asimismo interesantes revisiones y fusiones contemporáneas. Por un lado, se destacó el lanzamiento del grupo canadiense Dwayne Gretzky, especializado en versiones con motivo de las fechas de Halloween, como su interpretación de Magic Dance de David Bowie. Por otro, se prestó atención al fenómeno del trap metal abanderado por Ghostemane, un estilo que entrelaza la crudeza vocal del black metal tradicional y sintetizadores industriales con bases procedentes del trap.

La vertiente guitarrera se completó con la vuelta de Tony Iommi junto al vocalista noruego Jørn Lande, rememorando la sonoridad de la clásica etapa de Black Sabbath con Ronnie James Dio. En el terreno nacional y británico emergente, destacaron el trío femenino de pop punk La 126 con su primer álbum en Mushroom Pillow y el enérgico dúo de Brighton Lambrini Girls. A su vez, se abordó la reedición conmemorativa de Texas, la banda liderada por Sharleen Spiteri, que vuelve a poner en valor su histórico catálogo discográfico.

En el apartado escénico, Alma Espinosa desgranó la obra teatral Mantener fuera del alcance de los niños, escrita e interpretada por la dramaturga María Velasco en el Teatro de La Abadía. El montaje, concebido como una pieza de autoficción experimental con danza y flamenco, profundiza en el aislamiento y la hipersensibilidad infantil a partir de las vivencias de su autora en aulas de educación especial.

El espacio contó también con la intervención de Jorge Loser para presentar el estreno del portal web unificado de Horror Losers en Madrid. La iniciativa busca reivindicar el cine de terror de culto y la arqueología audiovisual frente a la tiranía de los algoritmos de las plataformas digitales, celebrando un encuentro especial con proyecciones de cortometrajes y sesiones temáticas de pinchadiscos.

Para concluir, Alicia Parente protagonizó la sección habitual de vodevil centrada en el nacimiento de Theme from New York, New York. Diseñado originalmente por John Kander y Fred Ebb para el filme homónimo de Martin Scorsese con Liza Minnelli y Robert De Niro —quien exigió endurecer la melodía por considerarla floja—, el tema fracasó en taquilla antes de que Barbara Sinatra convenciera a su marido para versionarlo. El legendario himno de Frank Sinatra terminaría convirtiéndose en un éxito mundial imperecedero y en el último gran hito de su carrera artística.