Prohibido contar ovejas

Análisis de los recursos musicales y narrativos fuera de época que grandes directores usan de forma deliberada para atrapar al espectador actual.

En una nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por Dani Palacios, Juanma González y Gonzalo Contreras, dedica el programa a analizar los anacronismos intencionados en el cine. A diferencia de los errores históricos fortuitos, se centran en aquellas películas donde los directores introducen de forma deliberada elementos fuera de su época, principalmente musicales y narrativos, para lograr un determinado efecto estético, rítmico o dramático. El debate se abre con una de las obras más emblemáticas en este sentido: Moulin Rouge!, dirigida por Baz Luhrmann en 2001.

Los colaboradores recuerdan el enorme impacto que supuso Moulin Rouge! en su estreno y la fiebre posterior por sus completísimas ediciones en DVD, que incluían menús ocultos y abundante material extra. Gonzalo Contreras destaca el nerviosismo técnico de Luhrmann y cómo su estilo hiperbólico y videoclipero —que ya se vio en Romeo + Julieta y más tarde en El Gran Gatsby o Elvis— encaja a la perfección con la banda sonora contemporánea en una historia ambientada en el París de 1899. Canciones de David Bowie, Queen o t.A.T.u. sirven para conectar de forma inmediata con el espectador moderno, destacando la escena del popurrí amoroso en el elefante como el punto de inflexión definitivo donde la película termina de atrapar al público.

El segundo título analizado es Malditos Bastardos, la aclamada obra de Quentin Tarantino de 2009 ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Dani Palacios resalta cómo el realizador utiliza la música de forma magistral para romper las barreras temporales, utilizando el tema "Cat People (Putting Out Fire)" de David Bowie —compuesto en los años ochenta— en una de las escenas más tensas del filme. Además, se debate sobre la inclusión de composiciones clásicas de Ennio Morricone para películas italianas de los setenta y el anacronismo formal que supone la proyección dentro de la propia película, cuya edición ágil emula técnicas muy posteriores a los años cuarenta. La tertulia destaca la licencia histórica que se toma Tarantino al reescribir el final de la guerra en una sala de cine, convirtiendo el metraje en una obra maestra absoluta.

A continuación, el equipo aborda Destino de Caballero, el filme de 2001 protagonizado por Heath Ledger que traslada los códigos de las comedias adolescentes y el cine de pandilleros a la Edad Media. El uso de temas míticos de Queen, Eric Clapton o Robbie Williams sirve para insuflar un aire festivo y deliberadamente juvenil a las justas medievales, creando una atmósfera que emula los espectáculos deportivos actuales. Juanma González repasa la trayectoria del director Brian Helgeland, responsable también de guiones brillantes como el de L.A. Confidential o la turbulenta producción de Payback con Mel Gibson, señalando cómo este enfoque desenfadado y pop convirtió a la película en un clásico de culto muy disfrutable para su generación.

Finalmente, los tertulianos se detienen en la comedia de culto Los Caballeros de la Mesa Cuadrada, dirigida por Terry Gilliam y Terry Jones en 1975. En esta joya de los Monty Python, el anacronismo se utiliza como una herramienta de sátira política y social brutal, presentando a campesinos medievales que debaten sobre anarcosindicalismo o caballeros que discuten sobre la velocidad de vuelo de las golondrinas europeas y africanas. El colofón del filme, donde la fantasía medieval se rompe por completo al irrumpir la policía moderna en el rodaje, sirve para ilustrar la genialidad de un grupo que rompió la cuarta pared como nadie. La conversación concluye reflexionando sobre cómo la irreverencia de los cómicos británicos, que en su día escandalizó a los sectores conservadores, choca hoy con la cultura de la cancelación de la izquierda progresista, demostrando que su humor sigue siendo tan incómodo como necesario.

Anécdotas, humor al estilo Monty Python y los secretos del rodaje de los primeros largometrajes del famoso grupo musical británico en los sesenta.

En esta nueva edición del programa Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores habituales Juanma González y Alicia Parente, dedica un monográfico especial a la filmografía de la mítica banda británica The Beatles. El programa arranca analizando el impacto cultural y cinematográfico de sus dos primeras producciones cinematográficas en la década de 1960: A Hard Day's Night y Help!, ambas bajo la dirección del cineasta Richard Lester.

El primer bloque se centra en A Hard Day's Night, estrenada en 1964. Los colaboradores explican que, a pesar de ser la banda más famosa del planeta en ese momento, la discográfica EMI optó por rodar la película en blanco y negro debido a una evidente racanería presupuestaria. A pesar de estas limitaciones económicas, la obra fue un rotundo éxito de crítica y taquilla, llegando a conseguir varias nominaciones a los premios Oscar en categorías musicales y de guion. La cinta destaca por capturar el espíritu frenético de la 'beatlemanía' mediante un estilo que mezclaba el documental realista con el absurdo británico.

Durante la conversación, se revelan detalles jugosos sobre el rodaje. Alicia resalta la aparición de la modelo Pattie Boyd como extra en la famosa escena del tren, un encuentro fortuito que daría pie a su matrimonio con George Harrison y que posteriormente inspiraría composiciones legendarias como 'Something' de la propia banda, o 'Layla' de Eric Clapton. Además, se destaca la presencia de un jovencísimo Phil Collins entre la multitud de adolescentes enloquecidos que aparecen al comienzo del filme, una de las muchas anécdotas que enriquecen este clásico del cine musical.

Juanma González establece conexiones entre el humor de la película y el de otros referentes del humor británico. El ritmo caótico y los gags recuerdan notablemente al estilo que más tarde popularizarían los Monty Python, colectivo con el que George Harrison mantendría una estrecha relación de amistad y mecenazgo en el futuro. También se comenta la escena de la bañera en la que John Lennon balbucea en alemán, una clara referencia a la dura etapa de aprendizaje que la banda vivió en los clubs de Hamburgo a principios de los sesenta.

Posteriormente, el debate se traslada a su segundo largometraje, Help!, estrenado en 1965. En esta ocasión, la trama abandona el tono semidocumental para sumergirse de lleno en una parodia de espías muy influenciada por la estética de las películas de James Bond. La disparatada historia gira en torno a un anillo de sacrificios que Ringo Starr no se puede quitar del dedo, lo que desencadena una persecución por parte de una secta mística y científicos locos a lo largo de localizaciones tan exóticas como las Bahamas o los Alpes.

Los tertulianos comentan el ambiente que rodeó la producción, señalando que los músicos admitieron años después haber pasado gran parte del rodaje bajo los efectos de la marihuana, lo que explica el tono marcadamente surrealista de muchas de las escenas. A nivel estrictamente musical, el álbum homónimo dejó clásicos eternos como 'Ticket to Ride' o 'You're Going to Lose That Girl', además de la célebre balada Yesterday, una de las piezas más versionadas de la historia de la música popular, grabada en solitario por Paul McCartney con un cuarteto de cuerda.

En el tramo final del espacio, Alicia y Juanma recuerdan la enorme presión que sufrían los músicos en su vida pública, evocando el peligroso incidente que vivieron en Filipinas al ser expulsados del país tras un malentendido con la primera dama Imelda Marcos. Para cerrar el programa de forma lúdica, Couselo somete a sus compañeros a un divertido juego de preguntas utilizando el Trivial Pursuit oficial de la banda, poniendo a prueba los conocimientos de los colaboradores antes de despedir la emisión.

Felipe Couselo pone fin a esta primera entrega con la canción 'I Need You', compuesta por George Harrison. El locutor agradece la participación de Alicia Parente y Juanma González, emplazándolos a una segunda parte en el próximo programa de Prohibido Contar Ovejas en esRadio para abordar los títulos restantes de la filmografía beatle: Magical Mystery Tour, Yellow Submarine y Let It Be.

La emisión nocturna en esRadio analiza la tragedia teatral con Miriam Díaz-Aroca junto al tributo al talento imperecedero sobre Jeff Buckley.

En una nueva entrega de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, la audiencia vuelve a sumergirse en una amalgama de cultura, música de calidad y análisis crítico sin concesiones al pensamiento políticamente correcto. Fiel al estilo dinámico y libre que caracteriza a Libertad Digital y su grupo de comunicación, el espacio reúne a colaboradores habituales como Dani Palacios, Isaac Kene, Alma Espinosa y Juanma González para desgranar la actualidad del arte, el teatro y las pantallas, todo ello con la impecable asistencia técnica de Miriam García a los mandos de la emisión.

La andadura comienza con la sección musical de Dani Palacios, quien trae al frente la inminente novedad discográfica de la legendaria banda de thrash metal Anthrax, que prepara el lanzamiento de su álbum Cursum Perficio, un título en latín que parece evocar un cierre de etapa definitivo. Asimismo, Palacios introduce al público en los sonidos oscuros y bailables de la agrupación de Las Vegas Social Order y su tema Ketamine Eyes, una propuesta de puro dark wave de herencia ochentera. Para rematar, el colaborador viaja a Australia de la mano del dúo Scratching y su sencillo Malvern Star, una delicada pieza de pop e indie folk cuya denominación homenajea a una icónica marca de bicicletas de dicho país.

El turno de Isaac Kene aporta una dosis de feliz nostalgia e hibridación cultural al rescatar la sintonía mítica de Movie Record, antesala indiscutible del cine de infancia para varias generaciones. Kene conecta este recuerdo con la frescura rumbera de Uña y Carne, un proyecto liderado por el director de la cinta de culto Criando ratas. La sección se torna decididamente exótica al adentrarse en la escena centroasiática con la banda kazaja Moldanazar y, posteriormente, al reivindicar la audaz fusión de techno y tradición siria de Acid Arab con su magnético Jasmine al-Sham, un claro ejemplo de cómo la música electrónica puede enriquecerse de otras raíces sin caer en el burdo cosmopolitismo de escaparate.

En el apartado de las artes escénicas, Alma Espinosa defiende con entusiasmo el montaje teatral La casa del mar, actualmente en cartel en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. La obra, un intenso drama dirigido por Tonet Ferrer, supone la consagración definitiva de la actriz Miriam Díaz-Aroca en un registro trágico y doloroso alejado de los estereotipos infantiles y de comedia que marcaron sus inicios televisivos. Espinosa destaca la valentía de la puesta en escena a la hora de abordar temas tabú como la ludopatía y el duelo, mostrando las miserias y esperanzas de dos mujeres heridas por el destino en una solitaria cabaña frente al acantilado.

El análisis cinematográfico y televisivo corre a cargo de Juanma González, quien despliega su habitual agudeza para comentar proyectos de gran calado. González destaca en primer lugar The Drama, una de las grandes apuestas de la productora A24 dirigida por Kristoffer Borgli y apadrinada por Ari Aster, que promete ser una ácida e incómoda comedia negra protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson. También se detiene en Der Fall Collini (El caso Collini), un sobrio e implacable drama judicial alemán que bucea en la herencia de los crímenes nacionalsocialistas sin los clichés propagandísticos del progresismo actual. Por último, analiza el prometedor avance de The Boroughs, la nueva serie de ciencia ficción de Netflix apadrinada por los hermanos Duffer que, con un reparto estelar encabezado por Alfred Molina y Geena Davis, adopta un entrañable tono a lo Cocoon.

El broche de oro del programa lo pone el propio Felipe Couselo con un sentido homenaje a Jeff Buckley, coincidiendo con el doloroso aniversario de su prematura muerte en aguas del río Wolf. Couselo reivindica Grace, el único álbum de estudio que el artista llegó a culminar en vida, como una de las obras cumbre de la historia de la música contemporánea. Con la mítica e imperecedera Lover, You Should've Come Over sonando de fondo, el espacio concluye recordando que el verdadero talento sobrevive a las modas pasajeras y a las tragedias del destino.

De Rosalía a La Oreja de Van Gogh: el nuevo pódcast analiza audaces adaptaciones sonoras que cambiaron el destino de temas icónicos.

El presente episodio del pódcast musical se sumerge en el apasionante universo de las remezclas y versiones alternativas, reuniendo una selección de temas que se distancian notablemente de sus composiciones originales. Con el icónico tema Blue Monday de New Order (en su remezcla de 1995 por Hardfloor) sonando de fondo, el locutor introduce una sesión especialmente diseñada para los amantes de la música electrónica, el electropop y el synth-pop, contando con las aportaciones y comentarios de sus colaboradores habituales.

La primera propuesta de la lista es la reinterpretación que el productor Kiko realizó en 2004 del éxito Rock Your Body de Justin Timberlake. El presentador desvela una curiosa anécdota histórica: este tema fue compuesto originalmente por el aclamado dúo The Neptunes, formado por Pharrell Williams y Chad Hugo, con el rey del pop, Michael Jackson, en mente. Tras el rechazo de este último, la canción acabó en manos de Timberlake, convirtiéndose en un hito de su carrera en solitario. La versión de Kiko, editada bajo el sello de culto Turbo Recordings de Tiga, aporta un marcado carácter de italo-disco y electro-house muy apreciado en las pistas de baile.

A continuación, el programa analiza la sorprendente versión que la banda Queen of Japan hizo en el año 2000 del clásico de Kiss, I Was Made for Loving You. Caracterizados por sus extravagantes adaptaciones de himnos del rock, los de Múnich transforman la pomposidad de la pieza original en una propuesta de synth-pop minimalista. El locutor recuerda que el tema original de Kiss ya coqueteaba descaradamente con la música disco de finales de los setenta, un aspecto que esta versión explota desde una perspectiva electrónica mucho más fría y pausada.

El viaje musical continúa en territorio nacional con Alaska y Dinarama y su emblemático álbum Deseo Carnal de 1984. En esta ocasión, se presenta la remezcla del tema Carne, huesos y tú a cargo de la banda madrileña Cycle. Fieles a su identidad sonora, Cycle inyecta guitarras afiladas, sintetizadores analógicos y un toque de rock electrónico industrial que refresca la canción original, dotándola de una atmósfera bailable pero oscura que entusiasma al equipo del programa.

Uno de los momentos cumbres del programa llega con la remezcla de Slow de Kylie Minogue, firmada en 2005 por Michael Mayer y Reinhard Voigt. Este hipnótico y sugerente tema surgió casi de manera accidental en el estudio mientras trabajaban en otra producción. La combinación de una línea de bajo minimalista con la voz sugerente de la diva del pop da como resultado un clásico del techno pop contemporáneo.

La música en español vuelve a tomar el protagonismo con Amatria y su versión de La Copa de Europa, el solemne cierre del aclamado disco Una semana en el motor de un autobús de Los Planetas. Publicada en 2015, esta adaptación logra el milagro de transformar la densidad melancólica y el ruidismo original en una pieza de indie pop luminoso y bailable, demostrando cómo una remezcla puede cambiar por completo la carga de una letra tan existencialista.

El programa también rescata del recuerdo la magistral aportación de Playgroup (Trevor Jackson) a la discografía de Depeche Mode con su remezcla de Behind the Wheel. Concebida originalmente para la prestigiosa serie de sesiones DJ-Kicks de la discográfica K7, la remezcla desnuda el tema original de elementos innecesarios para potenciar un groove oscuro y altamente bailable, muy característico del sello Output Records que Jackson dirigía.

En el plano de las sorpresas absolutas, destaca la versión de La negra flor de Radio Futura, realizada en 2011 por el proyecto barcelonés DeLaFe y Las Flores Azules para un homenaje organizado por el mítico periodista Julio Ruiz en su programa Disco Grande. La remezcla se adentra en terrenos de un hip-hop industrial denso y pesado, una dirección totalmente inesperada para el estilo habitualmente vitalista de DeLaFe.

Hacia el final de la sesión, el locutor pincha la gélida y marcial remezcla que el productor francés Gesaffelstein hizo de A Palé de Rosalía en 2020, sustituyendo el aire trap original por un opresivo techno industrial oscuro. Acto seguido, suena la versión de Tiga del clásico de INXS, Need You Tonight, y se cierra el programa con una auténtica rareza humorística: la remezcla que el propio Tiga realizó en 2004 para el tema Bonus Track de La Oreja de Van Gogh. El locutor bromea afirmando que esta bizarra reinterpretación electrónica de la banda donostiarra bien pudo haber sido el detonante para que Amaia Montero abandonase la formación.

Del funk de James Brown al metal de Pantera, descubrimos cómo este recurso de percusión en la guitarra sostiene el ritmo de la música moderna.

En este episodio se realiza un repaso exhaustivo sobre las notas fantasmas, también conocidas en el argot musical como dead notes o notas muertas. Los presentadores introducen la temática a raíz de una mención en el programa de radio Autoreverse, iniciando una animada conversación técnica y melómana sobre este recurso, que resulta ser una de las columnas vertebrales de la rítmica en la guitarra moderna a lo largo de diversos géneros musicales.

La definición técnica de la nota fantasma se describe como el acto de rasguear las cuerdas de la guitarra con la púa o los dedos mientras la mano izquierda se posa sobre el mástil sin llegar a pisar los trastes. Esto impide que la cuerda vibre libremente y produzca una nota afinada, generando en su lugar un sonido puramente percusivo. Los locutores ponen como ejemplo cotidiano y fácilmente reconocible el célebre inicio de Smells Like Teen Spirit de la banda Nirvana, donde el característico rasgueo previo al riff principal constituye el ejemplo perfecto de esta técnica.

El recorrido musical avanza hacia el funk y el soul, terrenos donde este recurso brilla con luz propia. Se destaca la figura de James Brown y su clásico Sex Machine, donde el guitarrista Jimmy Nolen asienta las bases del llamado scratching guitar. Asimismo, se analiza el trabajo de Nile Rodgers con la banda Chic en el éxito Good Times, utilizando la técnica del chucking para rellenar huecos rítmicos, lo que demuestra cómo la precisión rítmica puede dotar de una personalidad arrolladora a una composición sencilla.

Posteriormente, el programa aborda exponentes más contemporáneos y virtuosos como Cory Wong, guitarrista de la banda Vulfpeck, de quien elogian su capacidad para combinar las notas fantasmas con el palm mute, una técnica que apaga el sonido con el dorso de la mano derecha justo después de pulsar la cuerda. En el ámbito del soul, rescatan Take Me to the River de Al Green, señalando que el guitarrista Teenie Hodges introduce estas notas muertas para otorgar al tema un patrón rítmico muy característico, priorizando la percusión sobre la melodía tradicional.

La conversación se traslada después a estilos con mayor distorsión, donde las notas fantasmas adquieren un matiz diferente pero igualmente efectivo. Se menciona a leyendas de la guitarra como Stevie Ray Vaughan en Pride and Joy y a Jimi Hendrix en Voodoo Child, este último valiéndose además del pedal de efectos wah-wah. Los locutores coinciden en que la maestría de estos músicos radica en su habilidad para intercalar solos de alta complejidad con rasgueos apagados de manera casi simultánea y natural, destacando también a John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers en el tema Can't Stop.

En el terreno acústico, se pone como ejemplo el tema More Than Words de la banda Extreme, donde los golpes sobre las cuerdas imitan el golpe de una caja de batería. Por contraposición, en el metal extremo se analiza a Dimebag Darrell de Pantera en el demoledor 5 Minutes Alone, o a Joey Z de Life of Agony en el tema Weeds de su álbum Soul Searching Sun, donde las notas muertas se mezclan con la distorsión y los acoples de guitarra para crear texturas densas y agresivas.

Para finalizar la sección, los tertulianos bromean de forma distendida sobre la posibilidad de que exista un superhéroe llamado "El Notas Fantasma", lo que desvía la conversación hacia referencias cinematográficas de finales de los noventa y principios de los dos mil, como la película de culto The Phantom protagonizada por Billy Zane y Catherine Zeta-Jones, o la parodia Scary Movie 2 con Tori Spelling. El bloque concluye con la promesa de realizar una futura sección dedicada a las notas fantasmas en la batería, entre risas y comentarios sobre la dinámica interna de su propio programa.