PuroJazz

Hoy iniciamos una serie de programas dedicados a Woody Shaw, que se emitirán los lunes de mayo en *Puro Jazz*. La idea nació a partir de la sugerencia de Carlos, un seguidor desde Madrid, quien recientemente propuso un especial sobre este gran trompetista, en la línea del que dedicamos a Sonny Rollins en marzo.
Woody Shaw fue uno de los músicos de jazz más talentosos e innovadores de su generación. Navegó por la rápida fluctuación de la escena del jazz de los años 70 y 80 para crear una obra que extiende su influencia mucho más allá de su trágica muerte a los 44 años en 1989. Nacido en Newark en 1944, creció en un entorno donde la música era parte del paisaje diario. En 1963, su presencia constante en la vibrante escena del jazz de la ciudad había comenzado a llamar la atención del mundo del jazz en general, y Shaw encontró trabajo con el percusionista Willie Bobo.
ERIC DOLPHY “IRON MAN” - New York, July 3, 1963 - Iron Man, Mandrake - Woody Shaw (tp) Eric Dolphy (as-1,fl-2) Bobby Hutcherson (vib) Richard Davis (b-3) Eddie Khan (b-4) J.C. Moses (d)
Shaw debutó en el estudio en 1963 junto al saxofonista progresivo Eric Dolphy quien reconoció su talento. Dolphy en esa época ya tenía fama de empujar los límites entre el hard bop y el free jazz por eso nadie esperaba que un trompetista de apenas 18 años pudiera seguirlo en ese terreno. Pero Shaw se plantó con seguridad y personalidad desde el primer momento. Su solo empieza con una descarga potente y enseguida se mete en esos saltos amplios entre notas que después serían su sello (y que también eran parte del lenguaje de Dolphy). A partir de ahí, se lanza en una improvisación libre, muy imaginativa y sin amarras, pero que igual mantiene un swing firme y un pie en la tradición.
Lo que Shaw hacía en la trompeta, algo clave de su estilo era moverse con grandes saltos entre notas —no tan habituales en el instrumento—, lo que le daba un sonido distinto y muy reconocible. No es algo fácil de lograr, porque va un poco contra la forma en que la trompeta suele “pedir” que se toquen las frases. Justamente ahí está parte de su brillo: una manera de tocar más abierta, con líneas que se sienten menos previsibles y mucho más personales.
THE HORACE SILVER QUINTET
- “THE CAPE VERDEAN BLUES”, Englewood Cliffs, NJ, October 1, 1965 - Bonita - Woody Shaw (tp) J.J. Johnson (tb) Joe Henderson (ts) Horace Silver (p) Bob Cranshaw (b) Roger Humphries (d)
- “THE JODY GRIND” - Englewood Cliffs, NJ, November 2, 1966 - Grease Piece - Woody Shaw (tp) James Spaulding (as,fl-1) Tyrone Washington (ts) Horace Silver (p) Larry Ridley (b) Roger Humphries (d)
The Cape Verdean Blues suele considerarse un clásico del postbop y, para muchos, está justo detrás de Song for My Father dentro de la discografía de Horace Silver. Parte de su atractivo viene del grupo que armó Silver. La presencia de Woody Shaw, con apenas 20 años, le suma un sonido más moderno, encendido y con ganas de ir un poco más allá. Y Joe Henderson aporta una tensión que le da más carácter tanto a las melodías como al pulso del quinteto.
El resultado es un equilibrio muy logrado: música accesible, con groove, pero que no se queda en lo cómodo y siempre empuja un poco más lejos.
LARRY YOUNG “UNITY” - Englewood Cliffs, N.J., November 10, 1965 - The Moontrane - Woody Shaw (tp) Joe Henderson (ts) Larry Young (org) Elvin Jones (d)
“The Moontrane” es, sin duda, la composición más conocida de Woody Shaw, y es probablemente sea su versión más emblemática junto a Larry Young en el album Unity. Aunque podía desatarse con intensidad en la trompeta, acá Shaw elige un enfoque más contenido, casi meditativo. En parte, para dejarle espacio al órgano de Larry Young, pero también porque eso le da al tema un aire más reflexivo, como de búsqueda.
De hecho, más que lucirse, lo interesante es cómo arma un solo de principio a fin. Es una de las veces en que mejor se percibe a Shaw como narrador musical, con una idea clara que se va desarrollando paso a paso hasta cerrar de forma redonda.
WOODY SHAW “... IN THE BEGINNING”, New York, December, 1965 - Cassandranite, Obsequious - Woody Shaw (tp) Joe Henderson (ts) Larry Young (p1) or Herbie Hancock (p2) Ron Carter (b1) or Paul Chambers (b2) Joe Chambers (d)
Woody Shaw
... In The Beginning es la primera sesión en el estudio de Shaw como líder, es un Hard bop directo y con ese toque modal que le da otro enfoque. Y además congregó a los mejores artistas de Blue Note Records: Larry Young (acá, de forma poco habitual, en piano en un tema), Herbie Hancock, Ron Carter, Joe Henderson y Paul Chambers. No hay temas flojos, y el hecho de que cada pista tenga combinaciones distintas de músicos lo hace todavía más atractivo. Comparen el enfoque de Young frente al de Hancock, o el pulso de Carter contra el de Chambers.


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BRIDGE QUARTET NIGHT - Live “LV’s Uptown”, Portland, OR, March 11, 2007 - Strode rode, Isfahan - Phil Dwyer (ts,sop) Darrell Grant (p) Tom Wakeling (b) Alan Jones (d)
El Bridge Quartet se mueve claramente en una estética heredera del período “postBridge” de Sonny Rollins: un sonido abierto, flexible, donde el liderazgo del saxofonista Phil Dwyer se apoya en un grupo compacto y muy atento. Lo acompañan Darrell Grant en piano, Tom Wakeling en contrabajo y Alan Jones en batería.
Night recoge la segunda parte de estas sesiones registradas en 2007, y se percibe un pulso más intenso que en el volumen anterior, en buena medida por el contexto en vivo. El cuarteto se toma libertades, estira las formas y deja espacio para que cada músico empuje la música con decisión.
Hay momentos especialmente logrados: una versión expansiva y enérgica de “Strode Rode”, de Sonny Rollins, y una lectura áspera de “Isfahan” de Billy Strayhorn. En ambos casos, el grupo confirma su capacidad para equilibrar tradición y riesgo sin perder cohesión.
TONY MORENO SHORT STORIES - Brooklyn, NY, May 18 & 19, 2015 - Three for D’reen, No blues to you - Ron Horton (tp) Marc Mommaas (ts) JeanMichel Pilc (p) Ugonna Okegwo (b) Tony Moreno (d)
El baterista Tony Moreno es una figura respetada en la escena neoyorquina, aunque curiosamente su reconocimiento ha sido mayor fuera de su ciudad natal. A lo largo de su carrera ha trabajado con nombres de peso como Jaki Byard, Dave Liebman, Mal Waldron, Barry Harris y Paul Bley, entre otros.
Tras perder su batería en un huracán, Moreno encontró en un pequeño teclado una vía para volver a componer. Ese proceso, casi terapéutico, terminó dando forma a Short Stories, un ambicioso álbum doble que presentó en 2015 en el 55 Bar, acompañado por un grupo con el que venía trabajando desde hacía varios años.
De carácter tranquilo y reservado fuera del escenario, Moreno se transforma al sentarse en la batería. Su toque evita el gesto excesivo: incluso en las baladas más introspectivas, cada acento y cada silencio están medidos con una sensibilidad notable, revelando una profundidad expresiva que sostiene y da sentido a todo el conjunto.
ARI BROWN ULTIMATE FRONTIER - Chicago, IL, January 17 & 18, 1995 - Lester Bowie’s gumbo stew (1), Motherless child - Ari Brown (ts,as,sop,fl,p) Kirk Brown (p) Yosef Ben Israel (b) Avreeayl Ra (d) Dr. Cruz, Enoch (perc1)
El saxofonista Ari Brown, figura clave de la escena de Chicago, encarna muchas de las virtudes del jazz más arraigado en la tradición. Ultimate Frontier marca su debut como líder —grabado cuando ya tenía 52 años— y deja claro que se trata de un músico con una voz plenamente formada.
Su estilo parte del postbop, pero incorpora con naturalidad ciertos gestos del free jazz, sin romper el hilo con la tradición. Esa combinación le permite moverse con libertad, manteniendo siempre un sentido claro de forma y narrativa.
El grupo que lo acompaña está integrado por músicos locales de gran oficio, y eso se nota en el sonido: cálido, directo, sin afectación.
Que una música así aparezca “tarde” en términos discográficos termina siendo una ventaja: lo que se escucha es a un artista maduro, con ideas claras y una creatividad que fluye sin esfuerzo. Un hallazgo poco común.


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VALERY PONOMAREV BEYOND THE OBVIOUS - New York, September 22, 2005 - You dig, I hear you, you know what I mean, etc. (db out), The blessing - Valery Ponomarev (tp) Don Braden (ts) Martin Zenker (b) Jerome Jennings (d)
Beyond The Obvious mas alla de lo obvio es un disco liderado por el trompetista ruso Valery Ponomarev, ex integrante de los Jazz Messengers, es un cuarteto sin piano, con dos vientos —él en trompeta y Don Braden en tenor— apoyados por Martin Zenker en contrabajo y Jerome Jennings en batería.
El repertorio mezcla estándares con composiciones propias. Una de ellas, “Love On Sale”, se basa en “Love for Sale” de Cole Porter. El tema de apertura, “You Dig”, se grabó sin Braden, que estaba atascado en el tráfico de Nueva York.
En los estándares Ponomarev juega con los arreglos, buscando ángulos distintos sin perder la esencia. También hay un momento especial en “The Blessing” de Ornette Coleman, con una versión intensa y muy cuidada.
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KEN PEPLOWSKI LIVE “MEZZROW JAZZ CLUB”, New York, February 5, 2023 - Vignette, Prisoner of love, Bright Missisippi, Here’s to life, Who knows - Ken Peplowski (cl,ts) Ted Rosenthal (p) Martin Wind (b) Willie Jones, III (d)
El clarinetista Ken Peplowski tenía un sonido cálido y soltura en un instrumento difícil. Sus primeros pasos escuchando a Benny Goodman ayudaron a perfilarlo como un músico que conecta el swing clásico con una mirada más abierta y actual del jazz.
Su primer clarinete fue uno heredado de su padre, cuando tenía unos ocho años y a los veinte, tocó en la orquesta de Tommy Dorsey y más tarde en la última big band de Goodman, experiencias que marcaron su desarrollo.
En Live at Mezzrow, Peplowski se mueve entre clásicos y piezas menos conocidas, siempre con buen gusto y personalidad. Es interesante cómo dialoga con el pianista Ted Rosenthal, dejando que las melodías respiren y se transformen sobre la marcha.
La base rítmica —Willie Jones III en batería y Martin Wind en contrabajo— acompaña con soltura y musicalidad. El resultado es un concierto vivo, fluido, donde la interacción lo es todo.
TAD SHULL IN THE LAND OF THE TENOR - New York, December 17, 1991 - Night horse, Pick yourself up, Nobody else but me - Tad Shull (ts) Mike LeDonne (p) Dennis Irwin (b) Kenny Washington (d)
El saxofonista tenor Tad Shull combina en su estilo un sonido amplio y lleno —heredero de los grandes tenores clásicos— con una mirada armónica más arriesgada, cercana al hard bop y sus extensiones.
Se formó con David Liebman y Joseph Allard, y pronto empezó a moverse en distintas agrupaciones, como la Widespread Depression Jazz Orchestra y el Smithsonian Jazz Repertory Ensemble. Con el tiempo, fue consolidando sus propios cuartetos, donde su forma de tocar y escribir se escucha con más claridad. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con figuras como Cab Calloway, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie y Woody Herman, lo que habla de su versatilidad y oficio.
Entre sus trabajos como líder destaca In the Land of the Tenor, en la tierra del tenor, un disco que refleja bien su afinidad con la tradición y, al mismo tiempo, su interés por empujarla un poco más allá.
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BILLY DRUMMOND QUINTET NATIVE COLOURS - Englewood Cliffs, N.J., March 15, 1991 - 8/4 beat, Native colours, Ruby my dear - Steve Wilson (as,sop) Steve Nelson (vib) Renee Rosnes (p) Ray Drummond (b) Billy Drummond (d)
El baterista Billy Drummond, destacado por la revista *DownBeat* como uno de los líderes más interesantes de su generación, ha construido una carrera sólida tanto como sideman —con más de 350 grabaciones— como al frente de sus propios proyectos. Formado junto a figuras como Horace Silver, Joe Henderson, Bobby Hutcherson y Sonny Rollins, su estilo combina energía, precisión y gran musicalidad.
En Native Colours, su álbum debut como líder, Drummond reúne un quinteto de alto nivel y un repertorio que mezcla originales de la pianista Renée Rosnes, estándares y clásicos del jazz, ofreciendo un equilibrio atractivo entre tradición y novedades.
Drummond muestra su versatilidad en formatos variados, incluyendo tríos sin instrumento armónico en piezas de Thelonious Monk y Ornette Coleman. Rosnes, por su parte, destaca con solos elegantes y composiciones como “Lexicon”. El resultado es un debut sólido que confirmó a Drummond como un músico clave de su generación.
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AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The Vagabond, March from ten pieces for piano, Piano etude no 16 - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d)
Aunque “The Vagabond” es, en esencia, un disco de jazz que mira a la tradición —con ecos de pianistas como Art Tatum, Mary Lou Williams y Ahmad Jamal, —, también deja claro que la música clásica forma parte del lenguaje de Aaron Diehl.
En este álbum, el pianista se mueve con soltura entre ambos mundos. Junto a un trío explora puntos en común entre compositores como Philip Glass y George Gershwin, encontrando afinidades rítmicas y armónicas que encajan de manera fluida en el contexto del jazz.
El repertorio incluye, además, versiones de “March” de las 10 piezas para Piano, Op. 12* de Prokofiev y el “Piano Etude No. 16” de Glass, piezas que refuerzan esa conexión.
TERELL STAFFORD BROTHERLEE LOVE: CELEBRATING LEE MORGAN - Brooklyn, NY, May 19, 2014 - Candy (tw out), Favor - Terell Stafford (tp,comp) Tim Warfield (ts) Bruce Barth (p) Peter Washington (b) Dana Hall (d)
“BrotherLee Love” encuentra al trompetista Terell Stafford rindiendo homenaje a Lee Morgan, no solo como ícono del hard bop, sino también como compositor, un aspecto a veces menos valorado, el disco pone el foco en ese repertorio: siete de los nueve temas son de Morgan.
Stafford y el saxofonista Tim Warfield se entienden muy bien.
Stafford no imita sino que recoge la energía de Morgan, pero con un sonido propio, más cálido y abierto. Se luce especialmente en “Candy”, donde usa sordina, y en “Favor”, su única composición en el disco, con un aire relajado y un toque bluesero.
Es un tributo sin vueltas: directo, bien tocado y con espíritu de banda. Justo lo que Morgan hacía.


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THE DAVE BRUBECK QUARTET W/BILL SMITH BRUBECK A LA MODE - New York, May-June, 1960 - Dorian dance, Invention, Lydian dance, Frisco fog - Bill Smith (cl) Dave Brubeck (p) Eugene Wright (b) Joe Morello (d)
Brubeck à la mode es un disco del cuarteto de Dave Brubeck pero con el clarinetista Bill Smith en el instrumento principal. Smith, un amigo suyo desde los años de universidad y parte del grupo original conocido como The Brubeck Octet a fines de los 40, era un gran técnico del clarinete, pero también un innovador, que experimentó con recursos poco comunes como el uso de computadores y sordinas.
Este es el segundo de tres que Brubeck grabó con Smith. La base rítmica de siempre —Joe Morello y Eugene Wright— mantiene todo en movimiento, con ese pulso tan característico del cuarteto. Los temas son composiciones de Smith, y queda la curiosidad de imaginar qué habría hecho Paul Desmond con este material modal, construido a partir de una sola escala. Por su parte, Brubeck cambia bastante de un tema a otro, ajustando su forma de tocar al estilo y las ideas de Smith.
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VICTOR FELDMAN THE ARRIVAL OF VICTOR FELDMAN - Los Angeles, January 21 & 22, 1958 - Serpent’s tooth, Waltz, S’posin’, Be-bop - Victor Feldman (vib,p) Scott LaFaro (b) Stan Levey (d)
Victor Feldman fue un niño prodigio que ya trabajaba como músico profesional desde los siete años. Nació en Inglaterra, estuvo muy activo durante la era del bebop, sobre todo como baterista, y debutó como líder en 1948. A comienzos de los 50 empezó a destacar cada vez más en el vibráfono.
Después de salir de gira con la banda de Woody Herman entre 1956 y 1957, decidió mudarse a Estados Unidos. Ya instalado en la Costa Oeste, tocó en el Lighthouse junto a Howard Rumsey. Entre 1957 y 1961 grabó tanto en vibráfono como en piano para varios sellos y se convirtió en un músico de estudio muy solicitado. También pasó por el quinteto de Cannonball Adderley, principalmente como pianista, y en 1963 grabó con Miles Davis, quien incluso le ofreció sumarse a su nuevo grupo (incluso registró su tema “Seven Steps to Heaven” con Miles). Aun así, Feldman prefirió quedarse en Los Ángeles, enfocado en el trabajo de estudio.
En *The Arrival of Victor Feldman*, su segundo disco en EE.UU., lo acompañan el gran contrabajista Scott LaFaro y el baterista Stan Levey. Su repertorio be bop como muestra a un Feldman todavía en pleno desarrollo, pero ya con mucho que decir. La Faro, como siempre, no deja de sorprender.
LEE KONITZ WITH THE GERRY MULLIGAN QUARTET:
- The Haigh, Los Angeles, late January 1953 - Too marvellous for words, Sextet, Broadway, These foolish things - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Carson Smith (b) Larry Bunker (d)
- Phil Turetsky’s House, Los Angeles, late January o February 1, 1953 - Lady be good, I can’t believe that you’re in love with me - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Joe Mondragon (b) Larry Bunker (d)
Lee Konitz Plays with the Gerry Mulligan Quartet
Cuando apareció por primera vez en 1952, el cuarteto de Gerry Mulligan —saxofón barítono, trompeta, contrabajo y batería— introdujo una idea poco habitual en el jazz de posguerra: un grupo sin instrumento armónico. En una época en que el piano o la guitarra parecían indispensables, este ensamble prescindía de ellos.
A comienzos de 1953, Mulligan invitó a Lee Konitz, entonces un músico poco conocido de la orquesta de Stan Kenton. Con Carson Smith o Joe Mondragon en contrabajo y Larry Bunker en batería, registraron diez temas: cinco en vivo en el club The Haig el 25 de enero, y otros pocos días después en el estudio casero de Phil Turetsky.
Más que “cool jazz”, este cuarteto desarrolló un lenguaje propio. La ausencia de piano abría el espacio y favorecía un diálogo en contrapunto entre Mulligan y Chet Baker. Aquí la interacción pesa tanto como los solos, y la incorporación de Konitz aporta una voz nítida que refuerza ese delicado equilibrio.


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