PuroJazz

FAB TRIO TRANSFORMING THE SPACE - Rossie, NY, February 17 & 18, 2003 - Tales from da Bronx, Be out s’cool - Billy Bang (vln) Joe Fonda (b) Barry Altschul (d)
“Transforming the Space” —Transformando el espacio— reúne a tres músicos de larga trayectoria en el jazz de vanguardia: el violinista Billy Bang, el contrabajista Joe Fonda y el baterista Barry Altschul. Grabado en febrero de 2003 para el sello CIMP, en Rossie, Nueva York, el disco presenta una formación poco habitual: violín, contrabajo y batería, sin piano ni instrumentos de viento, lo que deja mucho espacio para que los tres músicos interactúen.
Cada uno aporta una personalidad muy definida. Billy Bang desarrolló un sonido inconfundible en el violín, lleno de energía, lirismo y con una fuerte conexión con el blues. Joe Fonda no se limita a sostener la música desde el contrabajo, sino que participa constantemente en la conversación. Y Barry Altschul, veterano de los grupos de Paul Bley, Anthony Braxton y Sam Rivers, utiliza la batería para impulsar la música, pero también para darle color y crear distintos ambientes.
El resultado es una música libre, pero siempre atenta al trabajo de conjunto. Hay momentos de gran intensidad y otros más tranquilos, en los que los músicos se dan tiempo para escucharse y responder. El título, “Transforming the Space”, resulta muy apropiado: aquí, lo que ocurre entre una nota y otra es casi tan importante como las notas mismas.
CHARLES TYLER VOYAGE FROM JERICHO - New York, July, 1974 - Voyage from Jericho (1), Return to the East - Earl Cross (tp) Charles Tyler (as,bar) Arthur Blythe (as-1) Ronnie Boykins (b) Steve Reid (d)
El saxofonista Charles Tyler inició su carrera a mediados de los años sesenta jnto a Albert Ayler, participando en sus importantes grabaciones *Bells* y *Spirits*. Poco después inició su carrera como líder grabando *Charles Tyler Ensemble* y *Eastern Man Alone*, dos discos que mostraban una voz propia dentro del free jazz, aunque su obra quedó algo eclipsada por figuras como el propio Ayler y Ornette Coleman.
En 1974 Tyler publicó *Voyage from Jericho* en su pequeño sello AK-BA Records, la limitada distribución impidió que el álbum tuviera mayor difusión, pero con el tiempo ha llegado a ser considerado uno de sus trabajos fundamentales. Aquí Tyler toca saxos alto y barítono y es acompañado por el trompetista Earl Cross, el contrabajista Ronnie Boykins, el baterista Steve Reid y, en dos temas, el saxofonista Arthur Blythe.
La pieza que da título al álbum comienza con un tema de aire marcial y rápidamente aumenta la intensidad. El poderoso barítono de Tyler contrasta con el sonido más cortante y vibrante de Blythe. En “Return to the East”, Tyler vuelve al alto y aparece con un sonido más ligero y delicado. En todo el disco se percibe además su interés por sonoridades de inspiración oriental, dentro de una música libre, intensa y muy personal.
EVAN PARKER & MATTHEW SHIPP REX, WRECKS & XXX, London October 22, 2013 - Rex 2, 3, Wrecks 2, Rex 6 - Evan Parker (st) Matthew Shipp (p)
“Rex, Wrecks & XXX”, grabado en Londres en 2012, reúne al saxofonista británico Evan Parker y al pianista estadounidense Matthew Shipp, dos músicos con una larga experiencia en el terreno de la improvisación. Vienen de ambientes musicales bastante diferentes, y quizás por eso resulta tan interesante escucharlos juntos.
El disco combina una sesión de estudio, con piezas relativamente breves, y una larga improvisación en vivo grabada en el Vortex de Londres. En ambos casos, lo más interesante es escuchar cómo Parker y Shipp reaccionan a lo que hace el otro. Aquí no hay realmente un solista y un acompañante: cualquiera de los dos puede proponer una idea y el otro recogerla, modificarla o llevarla en otra dirección.
Shipp cambia constantemente de carácter, pasando de acordes fuertes y densos a líneas rápidas o momentos mucho más tranquilos. Parker responde con su lenguaje tan personal en el saxofón tenor, a veces entrecortado e imprevisible, pero también capaz de producir momentos de sorprendente calidez.
En la improvisación en vivo disponen de más tiempo para desarrollar sus ideas. Hay momentos tranquilos y otros de gran intensidad, pero la música mantiene siempre el sentido de una conversación. En el fondo, eso es lo que escuchamos: dos músicos atentos el uno al otro, creando la música a medida que avanza.


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DUKE PEARSON SWEET HONEY BEE
- Englewood Cliffs, NJ, December 7, 1966 - Sweet honey bee, After the rain (fh,jh out,1), Big Bertha - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (fl 1,as 2) Joe Henderson (ts) Duke Pearson (p,arr) Ron Carter (b) Mickey Roker (d)
Duke Pearson llegó probablemente a la órbita de Blue Note a través de Donald Byrd, pero muy pronto su importancia para el sello fue mucho más allá del piano. En 1963 asumió funciones de productor, director musical y responsable de artistas y repertorio, participando en la elección de músicos, la concepción de nuevos proyectos y el trabajo directo en el estudio. Su criterio contribuyó de manera importante al sonido que Blue Note desarrolló durante los años sesenta, entre el hard bop, el postbop y el soul jazz.
Como pianista y compositor, Pearson tenía algo de Horace Silver: una manera directa de tocar, sin excesos, y una especial facilidad para escribir melodías claras y memorables. Pero quizás su mayor talento estaba en saber cómo hacer funcionar un conjunto. Más que buscar protagonismo como solista, parecía interesado en encontrar el lugar preciso para cada músico.
“Sweet Honey Bee” es un buen ejemplo. Pearson reunió a Freddie Hubbard, James Spaulding, Joe Henderson, Ron Carter y Mickey Roker para interpretar siete composiciones propias. Es un grupo formidable, pero Pearson evita convertir el disco en una sucesión de solos. Los arreglos son compactos, no todos improvisan en cada tema y las intervenciones permanecen ligadas al carácter de cada composición.
Entre ellas sobresale “Big Bertha”, un tema en tonalidad menor, vigoroso y contagioso, que muestra especialmente bien la capacidad de Pearson para combinar sofisticación y sencillez. “Sweet Honey Bee” revela así buena parte de lo que hizo de Duke Pearson una figura tan valiosa para Blue Note: sabía escribir, organizar y, sobre todo, hacer que una banda sonara como una verdadera unidad.
FABIÁN ALMAZÁN THIS LAND ABOUNDS WITH LIFE - New Orleans, LA, December 21 & 22, 2018 - H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups), The Vicarious Life, Bola de nieve (1) Sin Alma - Fabian Almazan (p,perc,electronics) Megan Gould, Monica Davis (vln1) Karen Waltuch (viola1) Eleanor Norton (cello1) Linda May Han Oh (b,elb) Henry Cole (d)
En “This Land Abounds With Life”, “Esta Tierra Abunda En Vida”, el pianista y compositor cubano Fabián Almazán trabaja principalmente con el trío que mantiene desde comienzos de la década pasada: Linda May Han Oh en contrabajo y bajo eléctrico, y Henry Cole en batería.
Almazán combina la improvisación con composiciones muy elaboradas, aunque esa complejidad rara vez se siente como un fin en sí mismo. Hay pasajes densos y de gran intensidad junto a otros abiertos y contemplativos, donde el silencio y el espacio adquieren tanta importancia como las notas. Además incorpora grabaciones de sonidos ambientales realizadas en Cuba y elementos electrónicos que se integran a la música como parte de su textura. No aparecen como efectos decorativos: ayudan a establecer una relación entre la música, la naturaleza y la memoria de su país de origen.
En una de las piezas interviene un cuarteto de cuerdas, recordando la formación clásica de Almazán y su experiencia escribiendo para conjuntos más numerosos Pero el centro del álbum permanece en el diálogo entre piano, bajo y batería.
EDDIE HENDERSON WITNESS TO HISTORY - New York, c. 2023 - It never entered my mind, Freedom jazz dance - Eddie Henderson (tp,flhrn) Donald Harrison (as) George Cables (p) Gerald Cannon (b) Lenny White (d) Mike Clark (d1)
Cincuenta años después de colaborar en “Realization”, el primer álbum de Eddie Henderson como líder, el trompetista vuelve a encontrarse con el baterista Lenny White para recorrer una historia musical que ambos ayudaron a construir. Los acompañan George Cables en piano y teclados, Donald Harrison en saxofón y Gerald Cannon en contrabajo.
A lo largo del disco aparecen el jazz eléctrico, el funk, el swing, las formas modales y la balada, tratados con la naturalidad de músicos que han transitado por todos esos lenguajes. “Freedom Jazz Dance”, de Eddie Harris, es uno de los momentos en que esa combinación de jazz y funk resulta especialmente efectiva.
Pero el centro sigue siendo Henderson. Con 83 años conserva un sonido redondo y firme, junto a una manera de frasear que nunca necesita demostrar más de lo necesario. En las baladas, especialmente con sordina, aparece además el lado más íntimo de su trompeta.


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EMMET COHEN UNIVERSAL TRUTH - New York, October 5, 2025 - Well you needn’t (1,4), My funny Valentine (2,4), Blue Trane (1,2,3) - Emmet Cohen (p) Yasushi Nakamura (b) Joe Farnsworth (d) with Jeremy Pelt (tp1) George Coleman (ts2) Tivon Pennicott (ts3) Ron Carter (b4)
Emmet Cohen, pianista, dedica buena parte de Universal Truth a una música que conoce profundamente: el jazz de Miles Davis y John Coltrane, pero sin plantearlo simplemente como un ejercicio de recreación. Junto al contrabajista Yasushi Nakamura y el baterista Joe Farnsworth, Cohen revisa ese repertorio desde la perspectiva de un trío contemporáneo, al que se incorporan varios invitados.
Jeremy Pelt participa en una enérgica versión de “Well, You Needn’t”, de Thelonious Monk, mientras “Budo” recuerda a Bud Powell y “Gingerbread Boy” a Jimmy Heath. En “Blue Train”, de Coltrane, el saxo tenor de Tivon Pennicott se suma al de George Coleman, ampliando el sonido del grupo y ofreciendo dos aproximaciones distintas al blues.
Uno de los momentos especialmente significativos llega con “My Funny Valentine”, que reúne a George Coleman y Ron Carter, integrantes del quinteto de Miles Davis durante los primeros años de la década de 1960. Su presencia establece un vínculo directo entre aquella generación y la de Cohen.
Universal Truth se mueve así entre homenaje y continuidad. Cohen no intenta reproducir el pasado: utiliza ese repertorio como punto de partida para mostrar hasta qué punto sigue siendo una música abierta a nuevas interpretaciones.
SKÚLI SVERRISSON / BILL FRISELL FOR ALL YOUR FLOWERS - New York, c. 2025 - Thank you for taking me there and back, Nowhere to go, Further down the road, Baby - Bill Frisell (el-g) Skuli Sverrisson (el-b)
Bill Frisell aparece en tantos proyectos y contextos diferentes que resulta fácil pensar en él como la figura central de cualquier grabación en la que participa. For All Your Flowers invierte esa relación. Aquí el protagonista es el contrabajista y compositor islandés Skúli Sverrisson, autor de nueve de las diez piezas del álbum. Frisell aporta solamente una composición propia, “Baby”.
Nacido en Reikiavik en 1966, Sverrisson estudió en Berklee antes de establecerse en Nueva York, donde desarrolló una extensa carrera vinculada tanto al jazz como a la música experimental. También ha trabajado como compositor para el cine islandés.
El formato de For All Your Flowers es particularmente austero: bajo eléctrico y guitarra eléctrica, sin batería ni ningún otro instrumento que complete el espacio entre ambos. Sverrisson construye piezas breves, de carácter melódico, en las que pueden percibirse ciertas resonancias de la música folklórica.
El bajo establece la estructura y con frecuencia lleva buena parte del movimiento de la música. Eso permite que Frisell actúe con extraordinaria libertad, agregando colores, pequeños comentarios y silencios sin imponerse sobre las composiciones.
Es un diálogo íntimo entre dos músicos que parecen interesados, sobre todo, en cuánto puede decirse con muy pocos elementos.
BENNY GOLSON AND THE PHILADELPHIANS - New York, November 17, 1958 - Blues on my mind, Stablemates, Afternoon in Paris - Lee Morgan (tp) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Percy Heath (b) Philly Joe Jones (d)
Benny Golson reunió en 1958 para su disco Benny Golson and the Philadelphians a cuatro músicos con algo más en común que su pertenencia al mundo del hard bop: todos estaban estrechamente vinculados a Filadelfia. Junto al saxo tenor de Golson aparecen Lee Morgan en trompeta, Ray Bryant en piano, Percy Heath en contrabajo y Philly Joe Jones en batería.
Era una formación excepcional. Cada uno de ellos desarrollaría una trayectoria propia de enorme importancia, pero aquí funcionan como un conjunto compacto, con esa combinación de precisión, energía y sentido del blues que caracterizó buena parte del jazz de esos años.
El repertorio resulta igualmente familiar. Incluye “Stablemates” e “I Remember Clifford”, dos de las composiciones más conocidas de Golson; “Blues March”, otra pieza suya que se convertiría en parte importante del repertorio de los Jazz Messengers; y “Moanin’”, de Bobby Timmons, inseparable también de la historia de ese grupo.
Escuchado tantos años después, el álbum permite apreciar una de las grandes virtudes de Benny Golson: su capacidad para reunir composición, arreglo e improvisación dentro de una misma concepción musical.


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MUTT CAREY PORTRAIT OF A NEW ORLEANS MASTER - New York 1947 - Shim-me-sha-wabble, Slow drivin’ (pts 1,2), Ostrich walk , Cake walkin’ babies from home - Mutt Carey (tp) Jimmy Archey (tb) Albert Nicholas (cl) James P. Johnson (p) George Foster (b) Baby Dodds (d)
Mutt Carey pertenece a la primera generación de músicos de Nueva Orleans, lamentablemente dejó pocas grabaciones que permitan documentar una carrera bastante extensa.
En 1919 se trasladó a California para incorporarse a la banda de Kid Ory, con quien mantendría una larga relación musical. Cuando Ory dejó Los Ángeles en 1925, Carey quedó al frente del grupo, que más tarde presentó como los Liberty Syncopators y los Jeffersonians.
Su estilo cambió poco con los años: una trompeta cercana a la melodía, de vibrato amplio y expresión directa, sin buscar el virtuosismo. Esa sencillez aparente tenía considerable fuerza y hacía de Carey, sobre todo, un músico de conjunto.
En los años cuarenta volvió a tocar con Kid Ory durante el renacimiento del jazz tradicional, antes de formar nuevamente su propia banda en Los Ángeles.
DON EWELL QUARTET YELLOW DOG BLUES - Chicago, August 21, 1959 - Michigan water blues, Atlanta blues, Blues my naughty sweetie gives to me (nt out) - Nappy Trottier (tp) Don Ewell (p) Marty Grosz (g) Earl Murphy (b)
Don Ewell ocupa un lugar bastante particular en la historia del jazz. Nació en 1916, demasiado tarde para pertenecer a la primera generación de pianistas de stride, pero hizo suyo ese lenguaje precisamente cuando muchos músicos de su edad comenzaban a orientarse hacia el bebop.
Ewell no aprendió esa tradición solamente escuchando discos antiguos. Tocó con músicos que habían participado directamente en los primeros años del jazz y adquirió así un conocimiento muy cercano de ese lenguaje.
Una de sus asociaciones más importantes fue con Jack Teagarden, desde fines de los años cincuenta hasta comienzos de los sesenta. Ambos compartían algo esencial: una técnica extraordinaria que nunca necesitaban exhibir por sí misma.
DON BYAS/BUD POWELL A TRIBUTE TO CANNONBALL - Paris 1961 - Cherokee, I remember Clifford - Idrees Sulieman (tp-1)
El título A Tribute to Cannonball resulta algo engañoso. Cannonball Adderley no participa como músico ni se trata realmente de un homenaje: fue quien produjo la sesión y tuvo la excelente idea de reunir al veterano saxofonista Don Byas con el innovador pianista Bud Powell.
La reunión es particularmente interesante porque acerca dos generaciones del jazz. Byas provenía de la era del swing, pero su lenguaje ya anticipaba muchos elementos del bebop. Powell, una de las figuras centrales del nuevo estilo, conservaba a su vez profundas raíces en el jazz de los años treinta.
Esa relación se hace evidente en temas rápidos donde ambos se mueven con extraordinaria soltura. En el extremo opuesto está “I Remember Clifford”, que muestra el lado más lírico de la sesión.
Completan el grupo Kenny Clarke en batería y Pierre Michelot en contrabajo, el trompetista Idrees Sulieman se incorpora en cuatro temas. Más que el encuentro entre dos estilos diferentes, esta grabación ilustra la continuidad que existe entre el swing y el bebop.
TAFT JORDAN “AND THE MOB”, New York, February 21-22, 1935 - Night wind, If the moon turns green, Devil in the moon, Louisiana fairytale - Taft Jordan (tp) Ward Silloway (tb) Johnny Mince (cl) Elmer Williams (ts) Teddy Wilson (p) Bobby Johnson (g) John Kirby (b) Eddie Dougherty (d)
Taft Jordan fue un trompetista profundamente influido por Louis Armstrong, aunque desarrolló una extensa carrera dentro de algunas de las principales orquestas de la era del swing.
En 1933 se incorporó a la orquesta de Chick Webb, donde compartió con Bobby Stark el papel de principal solista de trompeta. Permaneció en el conjunto durante nueve años, incluyendo el período en que Ella Fitzgerald asumió su dirección tras la muerte de Webb.
En 1943 pasó a la orquesta de Duke Ellington, con la que permaneció hasta 1947. Durante los años siguientes trabajó con menor regularidad, aunque reapareció en contextos muy diversos: realizó una gira con Benny Goodman y participó incluso en la grabación de “Sketches of Spain” de Miles Davis.
Jordan grabó muy poco como líder. Su grabación de 1935, ofrece una oportunidad poco frecuente de escucharlo al frente de su propio conjunto, después de haberse establecido como una de las buenas trompetas de la era del swing.


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“MILES” THE NEW MILES DAVIS QUINTET
Miles Davis no se convirtió en una verdadera estrella del jazz hasta mediados de los años cincuenta. Había logrado superar su adicción a la heroína, recuperado la autoridad de su instrumento y vuelto a conquistar a críticos y público. Su voz, reducida a un áspero susurro después de una operación en la garganta, completaba una presencia que ya resultaba inconfundible.
Miles comprendía, sin embargo, que para alcanzar a un público más amplio necesitaba el respaldo de un sello de mayor proyección. En 1955, después de su celebrada actuación en el Festival de Newport, Miles le interesó a George Avakian para su sello, él era el ejecutivo encargado del jazz en Columbia Records, pero Davis estaba sujeto a su contrato con Prestige. La solución tendría consecuencias extraordinarias: antes de incorporarse plenamente a Columbia debía entregar a Prestige varios álbumes. De esa obligación contractual surgiría una parte fundamental de la historia del jazz moderno.
Las grabaciones fueron realizadas con rapidez, casi como una mera operación destinada a saldar una deuda. Al principio, Miles no se había dado cuenta de haber formado un conjunto extraordinario. La banda creció mientras grababa. Coltrane fue dejando atrás sus inseguridades y comenzó a encontrar una voz propia; Red Garland consolidó la elegancia y claridad de su estilo; Paul Chambers y Philly Joe Jones formaron una de las asociaciones rítmicas más poderosas del período. Miles, estimulado por el entorno que él mismo había creado, alcanzó una nueva seguridad y profundidad expresiva.
Lo que comenzó como una solución práctica terminó convirtiéndose en un proceso de transformación colectiva.
“Miles”, grabado para Prestige en noviembre de 1955, fue el primer álbum de Davis con John Coltrane y el nuevo quinteto. Años después, Miles recordaría: «La música que tocábamos juntos era sencillamente increíble. Era tan poderosa que por las noches me producía escalofríos, y al público le ocurría lo mismo».
MILES DAVIS QUINTET MILES - Hackensack, NJ, November 16, 1955 - S’posin’, Stablemates, There is no greater love (jc out) - Miles Davis (tp) John Coltrane (ts) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)
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“COOKIN’” - LA DESOLUCIÓN DEL NUEVO QUINTETO
Cuando el quinteto se disolvió en la primavera de 1957, Miles, Coltrane, Garland, Chambers y Jones habían alcanzado una unidad excepcional. El conjunto no solo creció como formación: cada músico se benefició individualmente de la libertad y el estímulo que encontró en la banda.
En “Cookin’”, Davis ofrece su primera versión grabada de “My Funny Valentine”, una interpretación emblemática con una apertura sensual para un álbum, que en el resto, se mueve en tempos más intensos. Coltrane presenta la melodía, pero es Red Garland quien prepara el ambiente mediante un sobrio juego de acordes repetidos, sostenido por la figura de dos notas de Paul Chambers. Sobre ese fondo aparecen las meditaciones de Miles con sordina: contenidas, íntimas y profundamente expresivas.
MILES DAVIS QUINTET COOKIN’ WITH THE MILES DAVIS QUINTET - Hackensack, NJ, October 26, 1956 - My Funny Valentine, Blues by Five - Miles Davis (tp) John Coltrane (ts) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)
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58 SESSIONS: EL SEXTETO DE MILES DAVIS

Aunque Miles había reunido una banda sobresaliente, ya comenzaba a sentirse insatisfecho con la densidad armónica de la música que tocaba. Buscaba una música capaz de permanecer armónicamente quieta sin volverse estática: menos acordes, mayor libertad melódica y, sobre todo, más espacio.
Miles amplió el quinteto porque su música también se estaba expandiendo. Cannonball Adderley y John Coltrane aportaban dos voces muy distintas, pero que se complementaban a la perfección: Cannonball era cálido, expansivo y directo; Coltrane, más inquieto, intenso y explorador.
Bill Evans aportaba el color armónico y el sentido del espacio necesarios para la nueva concepción modal. La transición también alcanzó a la batería: Philly Joe Jones todavía participó en algunas sesiones, antes de que Jimmy Cobb aportara al grupo una estabilidad rítmica diferente, menos explosiva, pero firme, flexible y extraordinariamente atenta.
La formación no permaneció intacta durante mucho tiempo. Evans dejó el sexteto a fines de 1958 y Wynton Kelly ocupó su lugar, aunque Miles volvió a convocar a Evans para las sesiones de Kind of Blue en 1959. Ese álbum capturaría la convergencia en el momento preciso: cada músico poseía ya una voz demasiado definida —y ambiciones demasiado grandes— para que el grupo pudiera durar.
Miles había reunido una formación excepcional, pero, como ocurriría tantas veces durante su carrera, comenzó a transformarla apenas alcanzó su plenitud.
MILES DAVIS SEXTET 58 SESSIONS - New York, May 26, 1958 - On Green Dolphin Street, Fran-dance, Stella by starlight (ca out) - Miles Davis (tp) Cannonball Adderley (as) John Coltrane (ts) Bill Evans (p) Paul Chambers (b) Jimmy Cobb (d)

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