PuroJazz

ART TAYLOR TAYLOR’S TENORS - Hackensack, NJ, June 3, 1959 - Dacor, Fidel, Straight no chaser - Frank Foster, Charlie Rouse (ts) Walter Davis, Jr. (p) Sam Jones (b) Art Taylor (d)
Aunque participó en innumerables sesiones fundamentales del jazz moderno, el baterista Art Taylor grabó relativamente pocos discos como líder. “Taylor’s Tenors”, su segundo, fue registrado en 1959 para Prestige y presenta una formación con dos destacados saxofonistas: los tenores Charlie Rouse y Frank Foster. Aunque ambos pertenecían al lenguaje del hard bop, sus estilos ofrecían un interesante contraste: Rouse, más seco, angular y contenido; Foster, de fraseo más expansivo y directamente ligado al swing de las grandes orquestas, en esa época, él todavía era integrante de la orquesta de Count Basie.
Taylor, uno de los bateristas más solicitados del sello. Apreciado por su pulso firme, su imaginación rítmica y una forma de acompañar que impulsaba a los solistas sin imponerse sobre ellos. Además, integraba por esos años el quinteto de Thelonious Monk, de donde provenía también Rouse, quien pronto se convertiría en uno de los colaboradores más identificados con la música del pianista.
El programa reúne piezas de Jackie McLean, de Rouse, Walter Davis Jr. y el propio Taylor; y dos clásicos de Monk. Más que una simple sesión de dos tenores, el disco documenta una conversación lúcida y estimulante entre dos voces muy diferentes, sostenidas por la autoridad rítmica de Art Taylor.
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KEITH JARRETT TRIO LIVE “THE DEER HEAD INN”, Delaware Water Gap, PA, September 16, 1992 - Basin Street blues, Solar - Keith Jarrett (p) Gary Peacock (b) Paul Motian (d)
“At The Deer Head Inn” registra una actuación en vivo realizada en 1992 en un pequeño club de jazz situado cerca de Allentown, Pensilvania. Para Keith Jarrett este no era un escenario cualquiera. Allí, con apenas 16 años, reemplazó al pianista residente Johnny Coates en lo que fue su primer trabajo como músico profesional. Regresar más de tres décadas después tenía, sin duda, un profundo significado personal.
Lo acompañan Gary Peacock y Paul Motian, el inolvidable baterista que integró durante más de una década el célebre trío de Bill Evans. No resulta difícil encontrar aquí un eco de aquella concepción musical: un piano que dialoga de manera permanente con el contrabajo y la batería, donde los tres músicos participan en pie de igualdad, escuchándose y construyendo cada interpretación de forma colectiva.
Esta edición reúne por primera vez la actuación completa de aquella noche. Además de su evidente interés histórico, el álbum adquiere hoy un valor aún mayor. Paul Motian y Gary Peacock ya no están entre nosotros, y Keith Jarrett debió retirarse de los escenarios tras los problemas de salud que marcaron el final de su carrera. Queda, entonces, el testimonio de tres músicos excepcionales en un ambiente íntimo y sin artificios, transformando estándares del jazz en una conversación espontánea, llena de imaginación, sensibilidad y un swing profundamente humano.
LESTER BOWIE’S NEW YORK ORGAN ENSEMBLE THE ORGANIZER - Brooklyn, NY, January 14-16, 1991 - Sonala Nobala, The burglar - Lester Bowie (tp,flhrn) Steve Turre (tb) James Carter (ts) Amina Claudine Myers (org,vcl) Famoudou Don Moye (d,perc 2) Phillip Wilson (d 1) replacing Moye,
En 1991, durante un receso de sus actividades con el Art Ensemble of Chicago y Lester Bowie’s Brass Fantasy, el trompetista Lester Bowie decidió regresar a las raíces musicales de su juventud en St. Louis. Antes de convertirse en una de las figuras más innovadoras del jazz de vanguardia, había crecido escuchando los populares conjuntos liderados por órgano Hammond, una tradición profundamente ligada al blues, el góspel y el soul.
Para este proyecto reunió un grupo excepcional: la organista Amina Claudine Myers, el joven y explosivo saxofonista James Carter, el trombonista Steve Turre y dos bateristas estrechamente vinculados al Art Ensemble of Chicago, Phillip Wilson y Famoudou Don Moye. El resultado es una música que respeta la tradición de los grupos del órgano Hammond B3, pero la enriquece con la libertad creativa y la personalidad de cada uno de sus integrantes.
El repertorio incluye tres composiciones de Bowie, además de obras de Myers y Turre, junto con una emotiva versión de “Angel Eyes”, en homenaje al gran Gene Ammons. Aunque James Carter y Amina Claudine Myers ocupan buena parte del espacio solista, Bowie reserva su intervención más extensa para la suite final, “Brooklyn Works”, cerrando un álbum que combina con naturalidad la calidez del soul jazz con el espíritu explorador que caracterizó toda su carrera.


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FRANK FOSTER FEARLESS FRANK FOSTER - New York, December 2, 1965-Baby Ann, Jitterbug waltz - Virgil Jones (tp) Frank Foster (ts) Albert Dailey (p) Bob Cunningham (b) Alan Dawson (d)
El disco Fearless Frank Foster -el valiente Frank Foster- representa un momento decisivo en la trayectoria de Foster. Cuando se retiró de la orquesta de Count Basie, el saxofonista tenor comenzó a desarrollar una voz más personal, dejando atrás el sonido más contenido de sus primeros años y acercándose a la intensidad y libertad expresiva que John Coltrane había llevado al primer plano del jazz moderno.
Al frente de un sólido quinteto integrado por Virgil Jones en trompeta, Albert Dailey en piano, Bob Cunningham en contrabajo y Alan Dawson en batería, Foster construye un álbum en el que conviven el hard bop, el soul jazz y una energía rítmica contagiosa. La sección rítmica mantiene un impulso constante, mientras el diálogo entre el tenor de Foster y la trompeta de Jones aporta tensión y vitalidad a cada interpretación.
El repertorio incluye cinco composiciones originales, entre ellas “Raunchy Rita”, “Disapproachment”, “Baby Ann” y “Janie Huk”, además de una inspirada versión del clásico de Fats Waller “Jitterbug Waltz”. Aunque algunas piezas incorporan elementos cercanos al funk, el lenguaje permanece firmemente arraigado en el hard bop.
Más allá de su prestigiosa labor como arreglista y compositor para Count Basie, el álbum revela a Frank Foster como un improvisador de primera línea.
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ROSINHA DE VALENÇA APRESENTANDO, Rio de Janeiro lanzamiento 1963 - Tristeza Em Mim, Tema Do Boneco De Palha, Ela É Carioca, Praça 11, Consolação, Estrada Do Nada - Rosinha De Valença (g,voz), Oscar Castro Neves (p/org/g) Jorginho da Flauta (fl) Sérgio de Oliveira (b) Dom Um Romão (dr)
Rosinha de Valença irrumpió en la escena musical brasileña a comienzos de los años sesenta con un estilo que amplió el lenguaje de la bossa nova dándole un toque jazzístico, especialmente en sus improvisaciones, desde la guitarra. Nacida en Valença, Estado de Río de Janeiro, llevó a la sofisticada escena carioca una sensibilidad propia, profundamente ligada a las tradiciones musicales del interior de Brasil, pero perfectamente integrada al refinamiento armónico y rítmico que caracterizaba al nuevo movimiento.
“Apresentando”, grabado en Río de Janeiro en 1963, fue su carta de presentación y reveló de inmediato una personalidad artística singular. Su sonido posee una resonancia cálida y una precisión rítmica extraordinaria, mientras su fraseo combina delicadeza, fluidez y una imaginación melódica que recuerda, por momentos, al gran Baden Powell, aunque siempre con una voz propia e inconfundible.
Acompañada por un excelente grupo encabezado por Oscar Castro-Neves, junto al flautista “Jorginho”, el bajista Sergio de Oliveira y el baterista “Dom Um Romão” el Art Blakey de la Bossa, Rosinha interpreta clásicos de Antonio Carlos Jobim, Baden Powell, Noel Rosa y João Donato con una naturalidad que evita todo virtuosismo ostentoso. En praça 11 paricipa Nelson Martins do Santos “Nelsinho” en trombón.
En piezas como “Consolação” o “Ela É Carioca”, cada nota parece surgir con absoluta espontaneidad, mientras que sus ocasionales intervenciones vocales añaden un encanto íntimo y muy personal.
Con el paso de los años, Rosinha de Valença se consolidaría como una de las grandes guitarristas de la música brasileña. Sin embargo, este primer álbum ya contiene todos los elementos que definirían su arte: elegancia, lirismo, riqueza rítmica y una capacidad poco común para transformar melodías conocidas en interpretaciones profundamente originales. Es una de las joyas discretas de la primera generación de la bossa nova.
ROLAND HANNA THE NEW YORK JAZZ QUARTET IN CHICAGO, July 27, 1981 - Wisteria, Raise a ruckus, You don’t know what love is - Frank Wess (ts,fl) Sir Roland Hanna (p) George Mraz (b) Ben Riley (d)
El pianista Roland Hanna dejó la orquesta de Thad Jones y Mel Lewis para formar un cuarteto que reflejaba su visión de un jazz basado en la colaboración y el equilibrio entre sus integrantes. “The New York Jazz Quartet in Chicago”, grabado en 1981, es uno de los mejores testimonios de ese proyecto y muestra a un grupo que había desarrollado un lenguaje colectivo poco común.
Junto a Hanna participan Frank Wess en saxo tenor y flauta, George Mraz en contrabajo y Ben Riley en batería, cuatro músicos de enorme experiencia que aportan composiciones al repertorio, otorgando al álbum una notable variedad de climas y enfoques.
Desde la apertura con “Four the Hard Way”, construida sobre inesperadas pausas y arranques, queda claro que no se trata del habitual disco de solistas con sección rítmica. “Raise a Ruckus” ofrece un blues moderno de gran energía, mientras las composiciones de Thad Jones recuerdan la estrecha relación de Hanna con su antiguo director. El momento más emotivo llega con “You Don’t Know What Love Is”, donde Frank Wess ofrece una interpretación de extraordinaria sensibilidad, evocando la calidez de Lester Young, acompañado con exquisita sutileza por Hanna, Mraz y Riley.
Con arreglos sobrios, un sonido transparente y una comunicación constante entre sus integrantes, este álbum demuestra que la verdadera sofisticación no depende de la complejidad, sino de la capacidad de cuatro grandes músicos para escucharse y construir un discurso común. Es una pequeña joya del jazz moderno que merece ser redescubierta.


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BOBBY HACKETT “AND HIS DIXIELANDERS”
- New York, June 22, 1948
Oh baby, On the sunny side of the street, My honey’s lovin’ arms
Bobby Hackett (tp) Cutty Cutshall (tb) Peanuts Hucko (cl) Ernie Caceres (bar) Charlie Queener (p) Eddie Condon (g) Irv Manning (b) Morey Feld (d)
Bobby Hackett nació en 1915 dejó el colegio a los 14 años para tocar guitarra y violín en un restaurante. Influenciado por Louis Armstrong decidió aprender corneta y trompeta. Tocó en varias bandas locales hasta que una buena crítica lo llevó a Nueva York en 1937. Aunque admiraba a Armstrong, se hizo conocido por su estilo cercano a Bix Beiderbecke, al punto que Benny Goodman lo invitó a recrear un solo en el concierto del Carnegie Hall en 1938.
En las sesiones de V Disc realizadas en junio y octubre de 1948, grabadas en el Wor Guild Theater and Playhouse de Nueva York, la figura central es sin duda Hackett. Diez años antes se le consideraba un cornetista de sonido delicado y rango limitado, pero para entonces había estudiado a fondo su instrumento y alcanzado una potencia y seguridad notables. Eso se siente de inmediato en “Oh, Baby!”, donde su forma de tocar aparece firme, equilibrada y con un poder sonoro nuevo en él. Su trabajo en “Struttin’ with Some Barbecue” es igual de llamativo: en sus improvisaciones mezcla fraseos melódicos con ideas basadas en acordes que avanzan con naturalidad y elegancia. También destaca la energía de la banda con un un ritmo vertiginoso en “My Honey’s Lovin’ Arms”; el empuje del baterista Morey Feld, resulta en una versión arrolladora.
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FATS WALLER “V DISC SESSION RCA VICTOR STUDIOS”
- New York City, September 16, 1943
Ain’t misbehavin’, Two sleepy people, (Medley : Slightly less than wonderful (1,2)
There’s a gal in my life), (Medley : This is so nice it must be illegal, Martinique)
Waller jive, A birdie’s lament
Fats Waller (p,vcl)
Thomas “Fats” Waller es recordado sobre todo por su sentido del humor y su formidable personalidad, pero fue muchísimo más que eso. Fue uno de los grandes pianistas del estilo stride, el primer organista del jazz, un excelente cantante y un compositor notable. De su pluma salieron clásicos como Honeysuckle Rose, Ain’t Misbehavin’, Black and Blue (la primera canción en denunciar el racismo). SU vida fue una fiesta constante con comida, whisky, mujeres y música en cantidades industriales.
En la sesión VDisc del 16 de septiembre de 1943, grabada en los estudios RCA Victor de Nueva York, Waller relajado y satisfecho, alimentado por generosas dosis de whisky Cutty Sark, abre con Ain’t Misbehavin’ y Two Sleepy People, mezclando éxitos y temas de su musical de Broadway Early to Bed. En There’s a Gal in My Life recuerda lo dulce que podía cantar, mientras que en This Is So Nice It Must Be Illegal -esto es tan agradable que debe se ilegal- el whisky claramente toma el control, aunque mantiene sólido control en el piano.
PEANUTS HUCKO AND HIS MEN
- New York, April 10, 1947 Sweet Georgia Brown, Blintzes bagel boogie
Bobby Hackett (tp) Fred Ohms (tb) Peanuts Hucko (cl) Cliff Strickland (ts) Charlie Queener (p) Jack Lesberg (b) Morey Feld (d)
- New York, May 14, 1947 Stealin’ apples
Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)
- New York, June 6, 1947 Peanut butter, Someday sweetheart, Stolen peanuts
Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)
Michael “Peanuts” Hucko fue un clarinetista que casi siempre sonó demasiado como Benny Goodman. Se movía con gran soltura tanto en el swing como en el dixieland. Al principio se concentró principalmente en el saxo tenor especialmente en las bandas de Jack Jenney, Will Bradley (1939–41), Joe Marsala, Charlie Spivak (1941–42) y Bob Chester.
Su verdadera voz como clarinetista apareció cuando formó parte de la Glenn Miller Army Air Force Band (1943–45), donde era uno de los solistas principales. Después del ejército, trabajó con las orquestas de Goodman (volviendo al tenor en 1945–46) y Ray McKinley (1946–47), lideró sus propios grupos y colaboró con Eddie Condon.
En la década de los años cincuenta, se dedicó más al trabajo de estudio, pero continuó haciendo giras, una europea en 1957 con Jack Teagarden y Earl Hines, y entre 1958 y 1960 fue parte de los AllStars de Louis Armstrong. Después, entre 1964 y 66, trabajó como músico freelance —incluyendo la banda de la casa del Condon’s Club.


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En esta sesión concluimos la serie de cuatro programas dedicados al pianista y compositor Chick Corea. En los tres programas anteriores recorrimos las distintas etapas de su carrera desde sus comienzos en el jazz afro-caribeño, la revolución de la fusión, sus grandes grupos, los tría y su permanente capacidad de reinventarse.
CHICK COREA “CHANGE” - Los Angeles, 1999 - Armando’s tango, Early afternoon blues - Steve Davis (tb) Steve Wilson (sop,as,fl,cl) Bob Sheppard (ts,b-cl,fl) Chick Corea (p,marimba) Avishai Cohen (b) Jeff Ballard (d)
Al disolver la “Elektric Band”, Chick Corea volvió a orientar su atención hacia el jazz acústico. Mientras buscaba artistas para su recién creado sello Stretch Records, descubrió al notable joven contrabajista israelí Avishai Cohen y la extraordinaria química existente entre los músicos de su grupo, lo que lo llevó a Corea a formar el sexteto Origin.
Con una formación de jazz acústico y una delantera de tres instrumentos de viento, el grupo presentó inicialmente su música durante una residencia de una semana en 1998 en el club Blue Note en Nueva York. Al año siguiente, el álbum “Change” demostró cuán rápidamente había evolucionado la banda. Con Steve Wilson y Bob Sheppard en saxofones y flautas, Steve Davis en trombón, Avishai Cohen en contrabajo y Jeff Ballard reemplazando a Adam Cruz en batería, el álbum realizado en el estudio de living de la casa de Chick en Los Angeles reveló un conjunto más cohesionado y seguro de sí mismo, sin perder el espíritu aventurero que había caracterizado sus actuaciones en vivo.
El proyecto proporcionó un año extraordinario para Corea. En la encuesta anual de críticos de “DownBeat” de 1999, “Origin” fue elegido Grupo Acústico del Año, la colección grabada en el Blue Note recibió el premio al Álbum de Jazz del Año, y Chick Corea fue distinguido como Artista de Jazz del Año.
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CHICK COREA FURTHER EXPLORATIONS - Live “The Blue Note”, New York, May 4-17, 2010 - Armando’s tango, Little Flamenco - Chick Corea With Eddie Gomez & Paul Motian : Chick Corea (p) Eddie Gomez (b) Paul Motian (d)
Further Explorations, con Chick Corea en piano, Eddie Gomez en contrabajo y Paul Motian en batería, fue grabado en el Blue Note de Nueva York en mayo de 2010.
Bill Evans fue uno de los pianistas más influyentes en la historia del jazz. Después de Kind of Blue, formó un legendario trío junto al baterista Paul Motian. Años más tarde, el contrabajista Eddie Gomez se convertiría en uno de sus colaboradores más importantes. Décadas después, ambos volverían a reunirse con Chick Corea en Further Explorations.
Más que registrar un simple homenaje, Corea quiso dialogar con el legado de Evans junto a dos de los músicos que mejor conocían ese universo musical.
El repertorio de Evans sirve aquí como punto de partida para nuevas interpretaciones, junto a composiciones de los propios integrantes del trío y una obra inédita de Evans, la hermosa “Song No. 1”, descubierta poco antes de esta grabación.
El resultado es una interpretación inspirada: un trío que parece comunicarse por intuición, combinando una interacción casi telepática con una notable imaginación y una profunda sensibilidad musical.
CHICK COREA / GARY BURTON HOT HOUSE - New York, Ca. 2011 - Eleanor Rigby, Time remembered - Gary Burton (vib) Chick Corea (p) Ilmar Gavilan, Melissa White (vln-1) Juan Miguel Hernandez (viola-1) Paul Wiancko (cello-1)
Hot House, la séptima grabación del dúo integrado por Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton, fue registrada en 2012 y representa uno de los momentos culminantes de una colaboración iniciada cuatro décadas antes con el célebre Crystal Silence, que escuchamos la semana pasada en esta serie. A esas alturas, ambos músicos habían desarrollado un lenguaje compartido de extraordinaria naturalidad, en el que la improvisación fluye con la misma espontaneidad que una conversación entre viejos amigos.
En lugar de recurrir a los temas más conocidos del repertorio del jazz, Corea y Burton escogieron composiciones menos obvias de algunos de sus autores favoritos, entre ellos Art Tatum, Tadd Dameron y Thelonious Monk, junto a una refinada versión de “Eleanor Rigby” de Lennon y McCartney. Más que reinterpretar estas obras, el dúo las utiliza como punto de partida para explorar nuevas posibilidades melódicas y armónicas.
El resultado es una grabación de gran elegancia y sutileza, donde el piano y el vibráfono dialogan con absoluta libertad, confirmando por qué Corea y Burton fueron una de las asociaciones más originales y perdurables del jazz moderno.
CHICK COREA TRILOGY 3 - Live, various locations, 2020 - Trinkle tinkle, Scarlatti: Sonata in D minor K9, L413 allegro - Chick Corea (p) Christian McBride (b) Brian Blade (d)
En la tradición de destacar en formato acústico la sección rítmica de una banda numerosa, como su Five Peace Band, Corea juntó al contrabajista Christian McBride y al baterista Brian Blade para formar un extraordinario trío de piano para registrar Trilogy, una ambiciosa grabación en vivo de tres discos que combina estándares del jazz con composiciones del propio Corea.
Cinco años más tarde, el mismo trío volvió a tocar. Las actuaciones registradas durante su gira de febrero y marzo de 2020, interrumpida por la pandemia, dieron origen a Trilogy 3, el último documento en vivo publicado de Chick Corea. El repertorio reúne estándares, nuevas versiones de sus propias composiciones y la primera interpretación de su clásico “Windows” por esta formación.
Más que un epílogo, Trilogy 3 constituye un testimonio del extraordinario nivel artístico que Corea mantuvo hasta el final de su vida: un músico que nunca dejó de escuchar, dialogar y reinventarse.
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Cuando Chick Corea falleció el 9 de febrero de 2021, el jazz perdió a una de sus figuras más influyentes. A lo largo de más de seis décadas, Corea fue mucho más que un extraordinario pianista. Fue un compositor imaginativo, un improvisador excepcional y un explorador incansable que nunca dejó de buscar nuevos caminos. Desde el jazz acústico hasta la fusión, desde la música afro-latina hasta la tradición clásica, desarrolló un lenguaje profundamente personal, siempre abierto al diálogo y a la experimentación.
Su música continúa viva en sus grabaciones, en el repertorio de innumerables intérpretes y en las nuevas generaciones de músicos que siguen encontrando inspiración en sus ideas.


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RALPH ALESSI SUN THAT NEVER SETS - Mt. Vernon, NY, February, 2025 - Behind clouds, Duck face, Duck face - Ralph Alessi (tp) Joseph Alessi (tb) Matt Mitchell (p) John Hebert (b) Ches Smith (d,vib)
Ralph Alessi se ha consolidado como una de las voces más personales de la trompeta contemporánea. Su música combina una escritura de gran refinamiento con amplios espacios para la improvisación, siempre en un delicado equilibrio entre estructura y libertad.
En “For A Sun That Never Sets”, Alessi amplía el formato de cuarteto que había cultivado en sus últimos trabajos e incorpora un quinto músico: su hermano, el destacado trombonista “”Joseph Alessi”“, cuya presencia añade un nuevo color tímbrico y un estimulante diálogo con la trompeta. El quinteto se completa con el pianista Matt Mitchell, el contrabajista John Hébert y Ches Smith, alternando batería y vibráfono.
Las once composiciones del álbum alternan pasajes de serena contemplación con estructuras angulares y rítmicamente complejas, ofreciendo a los músicos un terreno fértil para la exploración colectiva. La interacción entre las dos voces de metal, el enfoque armónico siempre impredecible de Mitchell y una sección rítmica flexible dan vida a una música exigente, pero de notable riqueza expresiva.
Como en sus mejores trabajos, Alessi privilegia la conversación entre los integrantes del grupo por encima del lucimiento individual, construyendo un álbum donde cada detalle parece cuidadosamente pensado, aunque conserve la espontaneidad y el riesgo propios del mejor jazz contemporáneo.
JAMES “BLOOD” ULMER ARE YOU GLAD TO BE IN AMERICA ? - New York, January 17, 1980 - Layout, Pressure, Jazz is the teacher (Funk is the preacher) (rs out,1), Seethrough, Revelation march - Olu Dara (tp) Oliver Lake (as) David Murray (ts) James “Blood” Ulmer (el-g,vcl) William “Spaceman” Patterson (el-g-1) Amin Ali (el-b) Ronald Shannon Jackson (d) and/or Grant Calvin Weston (d)
El reciente fallecimiento del guitarrista, cantante y compositor James “Blood” Ulmer, a los 86 años, marca la desaparición de una de las figuras más originales del jazz de las últimas cinco décadas. Tras iniciarse en el circuito del rhythm & blues y el doowop, Ulmer encontró su verdadera voz a comienzos de los años setenta cuando se trasladó a Nueva York y comenzó a colaborar con Ornette Coleman. La teoría “harmolódica” de Coleman le abrió un camino que Ulmer llevó aún más lejos, desarrollando un estilo inconfundible que fusionó jazz de vanguardia, blues, funk y rock, siempre con una intensidad expresiva poco común.
Grabado en 1980, “Are You Glad to Be in America?” es una de las obras fundamentales de esa etapa creativa. Sobre ritmos de funk incisivos, guitarras de sonido áspero y líneas melódicas que desafían cualquier convencionalismo, Ulmer construye una música de enorme energía que refleja, al mismo tiempo, una mirada crítica sobre la realidad estadounidense. Cuarenta y cinco años después de su aparición, el álbum conserva intacta su fuerza innovadora y sigue siendo una referencia obligada para comprender cómo el blues, el jazz y la improvisación libre pueden convivir en un lenguaje completamente personal.
ELLERY ESKELIN VANISHING POINT - New York, December 16, 2000 Scatter brain, Horizon blue, Still life Ellery Eskelin (ts) Matt Moran (vib) Mat Maneri (viola) Erik Friedlander (cello) Mark Dresser (b)
A lo largo de su carrera, el saxofonista Ellery Eskelin ha transitado con naturalidad entre la improvisación libre y la composición contemporánea. En “Vanishing Point” decidió dar un paso poco habitual: reunir un ensamble sin batería, dominado por cuerdas, y entrar al estudio sin partituras ni planes previos, confiando en la capacidad de escucha de sus músicos para construir la música en el momento.
El resultado es sorprendente. Lejos de sonar disperso, el quinteto desarrolla un lenguaje de gran cohesión, donde el saxo tenor de Eskelin dialoga permanentemente con el violín de Mat Maneri, el violonchelo de Erik Friedlander, el contrabajo de Mark Dresser y el vibráfono de Matt Moran. Más que acompañar, las cuerdas prolongan, comentan y transforman las líneas del saxofón, creando una textura camerística de gran riqueza.
Las composiciones avanzan con un pulso flexible y una atmósfera introspectiva, a ratos cercana al cine negro, donde el silencio tiene tanto peso como las notas. “Vanishing Point” demuestra que la improvisación no necesita renunciar a la forma para conservar toda su libertad. Es un álbum de gran sutileza, que invita a una escucha atenta y revela nuevos matices en cada regreso.


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