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THE ROY HARGROVE QUINTET EARFOOD - Los Angeles, September 19-21, 2007 - Strasbourg/St. Denis, Rouge, Brown, Joy is sorrow unmasked - Roy Hargrove (tp,flhrn) Justin Robinson (as,fl) Gerald Clayton (p) Danton Boller (b) Montez Coleman (d)
Con “Earfood”, Roy Hargrove confirma la plena madurez de un músico que, desde muy joven, fue reconocido como uno de los grandes trompetistas de su generación. Después de participar en proyectos de distintas tendencias, aquí vuelve decididamente al jazz acústico con el quinteto que lo acompañó durante varios años, logrando un equilibrio admirable entre tradición y frescura.
Lo secundan el saxofonista alto Justin Robinson, de sonido expresivo y elegante; el pianista Gerald Clayton, entonces una de las figuras emergentes del jazz; el contrabajista Danton Boller y el baterista Montez Coleman. Juntos construyen un sonido cohesionado, flexible y lleno de matices.
El repertorio alterna composiciones originales con piezas de Cedar Walton, Larry Willis, Weldon Irvine y Sam Cooke. Entre los momentos más destacados aparecen la contagiosa “Strasbourg/St. Denis”, el pulso en 7/8 de “Brown”, y la baladas “Joy Is Sorrow Unmasked” donde Hargrove demuestra su notable capacidad para decir mucho con muy pocas notas.
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RON CARTER & ART FARMER LIVE “SWEET BASIL”, New York, 1990 - My funny Valentine, It’s about time, When love is new - Art Farmer (tp,flhrn) Cedar Walton (p) Ron Carter (b) Billy Higgins (d)
Grabado en 1990 en el legendario y desaparecido club neoyorquino Sweet Basil, este álbum reúne a cuatro figuras fundamentales del jazz moderno: el contrabajista Ron Carter, el trompetista y fliscornista Art Farmer, el pianista Cedar Walton y el baterista Billy Higgins.
El repertorio combina composiciones originales con una estupenda versión del clásico “My Funny Valentine”, interpretada con la serenidad y la sensibilidad que distinguían a Art Farmer. Lejos del exhibicionismo técnico, Farmer privilegia el fraseo melódico y el sonido cálido de su fliscorno, mientras Carter sostiene el conjunto con la elegancia y la solidez que lo convirtieron en uno de los contrabajistas más influyentes de la historia del jazz.
“Live at Sweet Basil” confirma que, muchas veces, la verdadera intensidad nace de la contención. Es un disco que demuestra cómo la madurez, la escucha y el equilibrio entre cuatro grandes músicos pueden resultar mucho más elocuentes que cualquier despliegue de destreza.
LOREN STILLMAN TIME AND AGAIN - Queens, NY, July, 2022 - Backyard, Unsung, Time and again - Loren Stillman (ts) Drew Gress (b) Mark Ferber (d)
Después de casi una década sin publicar un nuevo álbum, en el 2022 el saxofonista Loren Stillman regresa con “Time and Again”, un trabajo que marca una nueva etapa en su carrera. Reconocido durante años como uno de los grandes exponentes del saxofón alto, aquí opta por el tenor, un instrumento cuyo sonido venía explorando silenciosamente y que se convierte en la voz principal de este proyecto.
Lo acompañan dos músicos de absoluta confianza: el contrabajista Drew Gress y el baterista Mark Ferber. La ausencia de un piano o una guitarra no es casual; permite que la música respire con mayor libertad y que Stillman ocupe el espacio armónico mediante el diálogo permanente con sus compañeros.
Las composiciones, inspiradas en el legado de Lee Konitz, Warne Marsh y Paul Motian, combinan estructuras cuidadosamente diseñadas con una improvisación que fluye con total naturalidad. Piezas como “Backyard”, “Unsung”, “Fearless Dreamer” y la contemplativa “Mask” revelan un lenguaje moderno, sutil y profundamente melódico.


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JOSHUA REDMAN WHERE ARE WE - New York ?, c. 2022 - Chicago blues (2), Do you know what it means to miss New Orleans ? (1), Manhattan (4), My heart in San Francisco - Joshua Redman (ts) Joel Ross (vib2) Aaron Parks (p) Peter Bernstein (g4) Joe Sanders (b) Brian Blade (d) Gabrielle Cavassa (vcl)
Después de más de tres décadas de trayectoria, el saxofonista, compositor y director Joshua Redman inició una nueva etapa con “Where Are We”, su primer álbum para el sello Blue Note. Se trata de una obra exigente y profundamente expresiva, construida en torno a un repertorio de baladas y, por primera vez en su discografía, la participación de una cantante. Él había considerado durante años la posibilidad de realizar un proyecto con voz, pero solo encontró el estímulo necesario al escuchar a Gabrielle Cavassa. En ella reconoció una cualidad expresiva poco común, marcada por la intimidad, la fragilidad y una forma muy personal de abordar cada canción. Para acompañarla reunió un grupo especialmente sensible a las necesidades del repertorio: el baterista Brian Blade, colaborador de Redman desde los comienzos de sus respectivas carreras, Aaron Parks, compañero suyo en el cuarteto James Farm, en piano; y el contrabajista Joe Sanders completa la formación.
El álbum recorre distintas ciudades de Estados Unidos a través de composiciones asociadas a cada una de ellas. Redman invitó a Kurt Rosenwinkel en “Streets of Philadelphia”, Peter Bernstein en “Manhattan”, Joel Ross en “Chicago Blues” y Nicholas Payton en “Do You Know What It Means to Miss New Orleans?”, todos nacidos o criados en los lugares que evocan. El resultado es un viaje musical de atmósfera nocturna, elegante y melancólica.
LEM WINCHESTER WITH FEELING - Englewood Cliffs, N.J., October 7, 1960 - But beautiful, With a song in my heart, Why don’t they understand - Lem Winchester (vib) Richard Wyands (p) George Duvivier (b) Roy Haynes (d)
La carrera de Lem Winchester fue tan breve como prometedora. Nacido en 1928, trabajó durante varios años como policía en Wilmington, Delaware, hasta que una deslumbrante actuación en el Festival de Jazz de Newport de 1958 lo convenció de abandonar esa profesión para dedicarse por completo a la música. Apenas tres años más tarde, un trágico accidente puso fin a una trayectoria que apenas comenzaba.
Aunque su principal influencia fue Milt Jackson, Winchester desarrolló una personalidad propia. Compartía con Jackson un sonido cálido y una profunda raíz en el blues, pero su estilo era más enérgico y directo. Su vibráfono combinaba un swing poderoso con líneas ágiles, sincopadas y de gran fluidez, logrando una expresividad poco común en un instrumento muchas veces asociado a un sonido más delicado.
“With Feeling”, publicado poco antes de su fallecimiento, muestra una faceta especialmente íntima del músico. Predominan las baladas y los tiempos medios, interpretados con sensibilidad y un notable lirismo, sin renunciar a la intensidad que caracterizó su forma de tocar. Es un álbum que invita a descubrir a un artista cuyo talento excepcional tuvo una vida demasiado breve.
DEVIN DANIELS QUINTET LESGO! - Live “Sam First”, Los Angeles, February 16 & 17, 2024 - LesGo!, Nothing Song, Ugly Beauty - Julien Knowles (tp) Devin Daniels (as) Chris Fishman (p) Jermaine Paul (b) Benjamin Ring (d)
El saxofonista alto Devin Daniels es una de las voces emergentes más interesantes de la escena jazzística de Los Ángeles. Tras acompañar a Herbie Hancock en gira y participar en el homenaje a Wayne Shorter realizado en el Hollywood Bowl en 2023, Daniels presenta “LesGo!”, un álbum grabado en vivo junto a su quinteto en el club Sam First, muy cerca del aeropuerto internacional de Los Ángeles.
Además de revelar un sonido propio, Daniels confirma aquí su talento como compositor. Lo acompaña un sólido grupo de jóvenes músicos: Julien Knowles en trompeta, Chris Fishman en piano, Jermaine Paul en contrabajo y Benjamin Ring en batería, todos intérpretes que comienzan a consolidar una destacada trayectoria.
El tema que da título al álbum abre con una breve introducción del saxofón antes de que el quinteto exponga una melodía festiva, con claros toques de góspel. Daniels desarrolla un solo imaginativo y lleno de energía, culminando en un intenso diálogo con el baterista. Es un excelente punto de partida para un disco que combina la espontaneidad del concierto en vivo con composiciones de gran personalidad y confirma a Devin Daniels como un músico al que conviene seguir muy de cerca.



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Después de tanto oír las bandas de Ellington y Basie, vale la pena detenerse en otras grandes orquestas del swing que son menos conocidas aunque que hicieron aportes fundamentales al desarrollo del jazz. En esta sesión escucharemos tres excelentes big bands del Swing: Luis Russell, Erskine Hawkins y Cootie Williams.
LUIS RUSSELL AND HIS ORCHESTRA:
- New York, 1930 - Saratoga shout, Louisiana swing - Louis Metcalf (tp) J.C. Higginbotham (tb) Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (ts) Luis Russell (p,dir) Will Johnson (bj,g) Bass Moore (tu) Paul Barbarin (d) Walter “Fats” Pichon (vcl)
- New York September 30, 1930 - Panama - Henry “Red” Allen, Bill Coleman (tp) J.C. Higginbotham (tb,vcl) Albert Nicholas (cl,as) Charlie Holmes (as,sop) Teddy Hill (ts) Luis Russell (p,dir) Will Johnson (bj,g) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d) vocal trio (1) only (Henry
- New York, August 8, 1934 - My blue heaven (sw vcl,*), Ghost of the freaks (tpb vcl), Hokus pokus, Primitive - Rex Stewart (cnt) Leonard Davis, Gus Aiken (tp) Nat Story, Jimmy Archey (tb) Henry Jones (as) Charlie Holmes (as,cl) Bingie Madison, Greely Walton (ts,cl) Luis Russell (p,dir) Lee Blair (g) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Sonny Woods, The Palmer Brothers (vcl)
Luis Russell ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Nacido en Panamá, inició su carrera profesional en Nueva Orleans antes de establecerse en Chicago y, posteriormente, en Nueva York. Esa trayectoria le permitió reunir dos mundos: la espontaneidad del jazz de Nueva Orleans y el creciente refinamiento de las grandes orquestas. Aunque nunca alcanzó la popularidad de Duke Ellington o Count Basie, su conjunto fue uno de los primeros en anticipar el lenguaje del swing.
El período más brillante de la orquesta se concentró entre 1929 y 1930. En esos años desarrolló un sonido poderoso, basado en secciones de metales cuidadosamente organizadas, una sólida base rítmica y arreglos que privilegiaban la fuerza del conjunto por encima del lucimiento individual. Al mismo tiempo, reunió a algunos de los mejores solistas de su generación, entre ellos Henry “Red” Allen, J. C. Higginbotham, Barney Bigard, Omer Simeon, Pops Foster y Paul Barbarin.
Grabaciones como “Louisiana Swing” y “Saratoga Shout” muestran a una orquesta en plena madurez artística. En 1935, Louis Armstrong asumió el liderazgo de la agrupación, mientras Russell permanecía como director musical, poniendo fin a una de las etapas más innovadoras y menos reconocidas del jazz anterior a la era del swing.
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ERSKINE HAWKINS AND HIS ORCHESTRA - New York, 6/29/1942 - Tuxedo Junction, Hawk’s boogie, Country boy, Lucky seven [Bill’s tune], Bicycle bounce - Erskine Hawkins (tp,vcl,arr) Sammy Lowe, Charlie Jones, Wilbur “Dud” Bascomb (tp) Ed Sims, Don Coles, David “Jelly” James, Norman Greene (tb) Bobby Smith (as) Jimmy Mitchell (as,vcl) Julian Dash, Paul Bascomb (ts) Haywood Henry (bar,cl) Gene Rodgers (p) Bill Johnson (g) Leemie Stanfield (b) Kelly Martin (d)
Erskine Hawkins fue uno de los grandes arquitectos del swing que surgió en lugares no tradicionales del jazz. Formada originalmente en el Alabama State Teachers College bajo el nombre de “Bama State Collegians”, su orquesta llegó a Nueva York a finales de los años treinta y pronto se convirtió en una de las atracciones permanentes del Savoy Ballroom de Harlem. Allí desarrolló un estilo enérgico y profundamente bailable que la distinguió entre las grandes bandas de la época.
El sonido de la orquesta se apoyaba en una poderosa sección de metales, una sólida base rítmica y arreglos que combinaban precisión con amplios espacios para la improvisación. Al frente, Hawkins impresionaba con el brillante registro agudo de su trompeta, una cualidad que le valió el apodo de “Gabriel del siglo XX” y que revelaba la profunda influencia de Louis Armstrong.
Su mayor éxito fue “Tuxedo Junction”, composición inspirada en un popular punto de encuentro de la comunidad afro-estadounidense de Birmingham. Aunque la versión de Glenn Miller convirtió la melodía en un éxito internacional, la grabación original de Hawkins conserva toda la energía, el swing y el carácter bailable que hicieron famosa a la orquesta. Junto a títulos como “After Hours”, “Bear Mash Blues” y “King Porter Stomp”, constituye el mejor testimonio de una de las grandes bandas de la era del swing.
COOTIE WILLIAMS AND HIS ORCHESTRA:
- New York, 1942 - Is you is or is you ain’t my baby (ecv vcl), Somebody’s gotta go (ecv vcl), ‘Round midnight [Round about midnight] - Cootie Williams, E.V. Perry, George Treadwell, Lammar Wright, Tommy Stevenson (tp) Ed Burke, Bob Horton, Ed Glover (tb) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Frank Powell (as) Sam “The Man” Taylor, Lee Pope (ts) Eddie De Verteuil (bar) Bud Powell (p) Leroy Kirkland (g) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d)
- New York, February 26, 1945 - I’m beginning to see the light (tw vcl) - Cootie Williams, Harold “Money” Johnson, E.V. Perry, George Treadwell (tp) Ed Burke, Bob Horton (tb) Charlie Parker, Frank Powell (as) Lee Pope, Sam “The Man” Taylor (ts) Eddie De Verteuil (bar) Arnold Jarvis (p) Leroy Kirkland (g) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d) Tony Warren (vcl) Rupert Cole (as) replaces Charlie Parker
- New York, May 29, 1945 - Juice head baby (ecv vcl), Jitterbug serenade (cw ? vcl,*), Mood for Coot, When my baby left me , Everything but you - Cootie Williams, E.V. Perry, George Treadwell, Billy Ford, Gene Redd (tp) Ed Burke, Danny Logan, Bob Horton (tb) Rupert Cole (as) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Sam “The Man” Taylor, Lee Pope (ts) George Favors (bar) Arnold Jarvis (p) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d)
Cuando Cootie Williams dejó la orquesta de Duke Ellington en 1940 para formar su propia big band, ya era reconocido como una de las voces más originales de la trompeta en el jazz. Su característico sonido gutural, obtenido mediante el uso del sopapo, había sido uno de los sellos distintivos del célebre “Jungle Style” de Ellington. Sin embargo, como líder, Williams prefirió mirar hacia el futuro antes que recrear el pasado.
Su orquesta se convirtió rápidamente en uno de los conjuntos más innovadores de comienzos de los años cuarenta, al combinar un swing vigoroso, una profunda raíz blues y los primeros elementos del naciente bebop. Más importante aún, fue un verdadero semillero de jóvenes talentos, entre ellos Bud Powell, Eddie “Cleanhead” Vinson, Eddie “Lockjaw” Davis, Joe Guy e, incluso por un breve período, Charlie Parker.
Williams también abrió sus puertas a nuevos compositores y arreglistas. En 1944 su orquesta realizó la primera grabación comercial de “’Round Midnight”, de Thelonious Monk, contribuyendo a dar a conocer una de las composiciones más importantes de la historia del jazz. Aunque nunca alcanzó el éxito comercial de las grandes orquestas del swing, desempeñó un papel decisivo en la transición hacia el jazz moderno. Grabaciones como “Blue Garden Blues”, “Epistrophy”, “House of Joy” y “Salt Lake City Bounce” muestran a una banda firmemente anclada en el swing, pero con la mirada puesta en el futuro.
Con estas tres grandes orquestas de swing que, pese a su enorme calidad, nunca alcanzaron el reconocimiento de Ellington o Basie hemos concluido la sesión de esta noche: Luis Russell, el puente entre el jazz de Nueva Orleans y el nacimiento del swing; Erskine Hawkins, creador de una de las bandas más vibrantes y bailables de la época; y Cootie Williams, cuya orquesta abrió el camino hacia el bebop.



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NASHEET WAITS NEW YORK LOVE LETTER - New York Central Park May 2021 & “Hunter College”, March 2022 - The Summit, Snake hip waltz, Tough Love - Mark Turner (sax) Steve Nelson (vib) Rashaan Carter (b) Nasheet Waits (d)
Conocido durante años como uno de los bateristas más creativos del jazz contemporáneo, Nasheet Waits confirma en *New York Love Letter* que también posee una voz muy personal como compositor y líder de grupo. Grabado en vivo junto al saxofonista Mark Turner, el vibrafonista Steve Nelson y el contrabajista Rashaan Carter, el álbum prescinde del piano para construir una sonoridad abierta, transparente y llena de matices.
Las composiciones de Waits se distinguen por su sólida arquitectura y por un desarrollo melódico y armónico poco frecuente en el jazz actual. Sin buscar imitar a Thelonious Monk, algunas de ellas evocan su manera de construir temas con formas imprevisibles y gran personalidad. A ellas se suman versiones de Andrew Hill, Jason Moran y dos composiciones de John Coltrane, integradas con naturalidad al concepto del álbum.
El cuarteto mantiene un equilibrio ejemplar entre escritura e improvisación. Mark Turner vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes saxofonistas de su generación, mientras Steve Nelson y Rashaan Carter aportan sensibilidad y profundidad en cada intervención. Al frente de todo, Waits conduce el conjunto con una batería siempre musical, expresiva y al servicio de la obra colectiva. El resultado es uno de los trabajos más logrados de su carrera como líder.
New York Love Letter (Bittersweet) is quite the ride for both performers and listeners.
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KALIA VANDEVER REGROWTH
- Brooklyn, NY, c. 2021 - An unwelcome visit (1,2,3), More of the good stuff later (2,3), Pick it up (and drop it again) - Kalia Vandever (tbn) Immanuel Wilkins (sa) Paul Cornish (p) Lee Meadvin (g) Nick Dunston (b) Connor Parks (dr)
Con *Regrowth*, la trombonista y compositora Kalia Vandever confirma el notable crecimiento que ya anunciaba su debut, *In Bloom*. Al frente de un quinteto integrado por Paul Cornish en piano, Lee Meadvin en guitarra, Nick Dunston en contrabajo y Connor Parks en batería, además de la participación especial del saxofonista Immanuel Wilkins, Vandever desarrolla una propuesta donde la composición ocupa un lugar tan importante como la improvisación.
Sus obras nacen a menudo de pequeñas ideas descubiertas durante sus propias improvisaciones, que luego transforma en piezas de gran coherencia. A partir de motivos breves y repetitivos construye un lenguaje que combina la influencia del minimalismo con la libertad del jazz contemporáneo. En algunos momentos recuerda la intensidad espiritual de Pharoah Sanders; en otros, la economía de recursos de Steve Reich, siempre con una voz propia.
El diálogo entre el trombón de Vandever y el saxofón de Wilkins constituye uno de los grandes atractivos del álbum, especialmente en piezas como *Soft* y *An Unwelcome Visit*. Sin buscar el virtuosismo por sí mismo, *Regrowth* privilegia el desarrollo colectivo, las texturas y la profundidad expresiva. Es un trabajo maduro que confirma a Kalia Vandever como una de las compositoras e instrumentistas más originales de la nueva generación del jazz estadounidense.
STAN TRACEY JAZZ SUITE UNDER MILK WOOD - London, May 8, 1965 - Cockle row, Starless and bible black, No Good Boyo, Under Milk Wood - Bobby Wellins (ts) Stan Tracey (p) Jeff Clyne (b) Jackie Dougan (d)
Considerada una de las obras fundamentales del jazz británico, la Jazz Suite de Stan Tracey inspirada en la obra Under Milk Wood de Dylan Thomas, marcó un punto de inflexión cuando apareció en 1965. Aunque nació inspirada en la célebre obra radiofónica del poeta galés Dylan Thomas, el álbum trasciende su origen literario para convertirse en una brillante afirmación del talento de Stan Tracey como compositor, pianista y líder de grupo.
El cuarteto reúne a Bobby Wellins en saxo tenor, Jeff Clyne en contrabajo y Jackie Dougan en batería, un conjunto que logra un equilibrio excepcional entre lirismo, swing y modernidad.
Wellins ofrece algunas de las interpretaciones más memorables de su carrera, especialmente en Starless and Bible Black y en la delicada pieza que da título al álbum. Mientras tanto, la sección rítmica sostiene cada movimiento con una flexibilidad admirable, permitiendo que el lenguaje pianístico de Tracey —de claras afinidades con Thelonious Monk, aunque profundamente personal— se despliegue con absoluta naturalidad.
Más que una simple colección de temas, la suite posee una notable unidad musical. Cada episodio conduce al siguiente con una lógica narrativa poco habitual en este tipo de proyectos, culminando en el vibrante A.M. Mayhem. Se trata de un disco que no solo ocupa un lugar central en la historia del jazz británico, sino que sigue siendo, siete décadas después, una obra de extraordinaria frescura y creatividad.
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ART TAYLOR TAYLOR’S TENORS - Hackensack, NJ, June 3, 1959 - Dacor, Fidel, Straight no chaser - Frank Foster, Charlie Rouse (ts) Walter Davis, Jr. (p) Sam Jones (b) Art Taylor (d)
Aunque participó en innumerables sesiones fundamentales del jazz moderno, el baterista Art Taylor grabó relativamente pocos discos como líder. “Taylor’s Tenors”, su segundo, fue registrado en 1959 para Prestige y presenta una formación con dos destacados saxofonistas: los tenores Charlie Rouse y Frank Foster. Aunque ambos pertenecían al lenguaje del hard bop, sus estilos ofrecían un interesante contraste: Rouse, más seco, angular y contenido; Foster, de fraseo más expansivo y directamente ligado al swing de las grandes orquestas, en esa época, él todavía era integrante de la orquesta de Count Basie.
Taylor, uno de los bateristas más solicitados del sello. Apreciado por su pulso firme, su imaginación rítmica y una forma de acompañar que impulsaba a los solistas sin imponerse sobre ellos. Además, integraba por esos años el quinteto de Thelonious Monk, de donde provenía también Rouse, quien pronto se convertiría en uno de los colaboradores más identificados con la música del pianista.
El programa reúne piezas de Jackie McLean, de Rouse, Walter Davis Jr. y el propio Taylor; y dos clásicos de Monk. Más que una simple sesión de dos tenores, el disco documenta una conversación lúcida y estimulante entre dos voces muy diferentes, sostenidas por la autoridad rítmica de Art Taylor.
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KEITH JARRETT TRIO LIVE “THE DEER HEAD INN”, Delaware Water Gap, PA, September 16, 1992 - Basin Street blues, Solar - Keith Jarrett (p) Gary Peacock (b) Paul Motian (d)
“At The Deer Head Inn” registra una actuación en vivo realizada en 1992 en un pequeño club de jazz situado cerca de Allentown, Pensilvania. Para Keith Jarrett este no era un escenario cualquiera. Allí, con apenas 16 años, reemplazó al pianista residente Johnny Coates en lo que fue su primer trabajo como músico profesional. Regresar más de tres décadas después tenía, sin duda, un profundo significado personal.
Lo acompañan Gary Peacock y Paul Motian, el inolvidable baterista que integró durante más de una década el célebre trío de Bill Evans. No resulta difícil encontrar aquí un eco de aquella concepción musical: un piano que dialoga de manera permanente con el contrabajo y la batería, donde los tres músicos participan en pie de igualdad, escuchándose y construyendo cada interpretación de forma colectiva.
Esta edición reúne por primera vez la actuación completa de aquella noche. Además de su evidente interés histórico, el álbum adquiere hoy un valor aún mayor. Paul Motian y Gary Peacock ya no están entre nosotros, y Keith Jarrett debió retirarse de los escenarios tras los problemas de salud que marcaron el final de su carrera. Queda, entonces, el testimonio de tres músicos excepcionales en un ambiente íntimo y sin artificios, transformando estándares del jazz en una conversación espontánea, llena de imaginación, sensibilidad y un swing profundamente humano.
LESTER BOWIE’S NEW YORK ORGAN ENSEMBLE THE ORGANIZER - Brooklyn, NY, January 14-16, 1991 - Sonala Nobala, The burglar - Lester Bowie (tp,flhrn) Steve Turre (tb) James Carter (ts) Amina Claudine Myers (org,vcl) Famoudou Don Moye (d,perc 2) Phillip Wilson (d 1) replacing Moye,
En 1991, durante un receso de sus actividades con el Art Ensemble of Chicago y Lester Bowie’s Brass Fantasy, el trompetista Lester Bowie decidió regresar a las raíces musicales de su juventud en St. Louis. Antes de convertirse en una de las figuras más innovadoras del jazz de vanguardia, había crecido escuchando los populares conjuntos liderados por órgano Hammond, una tradición profundamente ligada al blues, el góspel y el soul.
Para este proyecto reunió un grupo excepcional: la organista Amina Claudine Myers, el joven y explosivo saxofonista James Carter, el trombonista Steve Turre y dos bateristas estrechamente vinculados al Art Ensemble of Chicago, Phillip Wilson y Famoudou Don Moye. El resultado es una música que respeta la tradición de los grupos del órgano Hammond B3, pero la enriquece con la libertad creativa y la personalidad de cada uno de sus integrantes.
El repertorio incluye tres composiciones de Bowie, además de obras de Myers y Turre, junto con una emotiva versión de “Angel Eyes”, en homenaje al gran Gene Ammons. Aunque James Carter y Amina Claudine Myers ocupan buena parte del espacio solista, Bowie reserva su intervención más extensa para la suite final, “Brooklyn Works”, cerrando un álbum que combina con naturalidad la calidez del soul jazz con el espíritu explorador que caracterizó toda su carrera.


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