PuroJazz

Mainstream Jazz es un estilo que se encuentra cómodamente entre la tradición del jazz de la era del swing y las innovaciones del bebop. No es jazz “más simple”, se trata más de continuidad que de ruptura.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el jazz se dividió en múltiples direcciones: Bebop (rápido, complejo, armónicamente avanzado). Cool jazz (más restringido, cerebral), Hard bop (bluesy, jazz moderno influenciado por el gospel).
El jazz Mainstream surgió como un camino intermedio, especialmente entre los músicos que habían surgido en la era del swing, pero que absorbieron algo de lenguaje bebop sin abandonar sus raíces. En esencia, el mainstream jazz enfatiza una fuerte sensación de swing arraigada en la era de la big band, melodías claras y frases líricas, el blues y repertorio estándar, improvisación accesible, menos armónicamente densa que el bebop, pero aún así sofisticada.
JOE NEWMAN AND HIS BAND - Brooklyn, NY, March 9, 1954 - Close quarters, Jose beguines, Blues for Slim - Joe Newman (tp) Matthew Gee (tb) Frank Wess (fl,ts) Frank Foster (ts) Johnny Acea (p) Eddie Jones (b) Osie Johnson (d)
JOE NEWMAN (1922–1992) fue originalmente un trompetista de swing con un sonido elegante y muy personal. Aunque se perciben ecos de Harry “Sweets” Edison, él siempre señaló a Louis Armstrong como su principal referencia. Originario de Nueva Orleans y criado en una familia musical, dio su primer gran paso profesional con la orquesta de Lionel Hampton (1941–42).
Su nombre quedó estrechamente ligado a Count Basie: fue, junto al guitarrista Freddie Green, uno de los pocos músicos que integró de forma sostenida tanto la orquesta de los años 40 (1943–46), donde compartía protagonismo con Edison, como la célebre formación posterior a 1951 (1952–61), esta vez alternando solos con Thad Jones. Entre ambas etapas, pasó por la popular banda de Illinois Jacquet (1946–50).
Además de su labor como sideman, Newman lideró numerosas sesiones —especialmente para RCA— hoy consideradas esenciales. Tras dejar Basie definitivamente, desarrolló una carrera variada: giras internacionales (incluida la URSS con Benny Goodman en 1962), educación (cofundando Jazz Interactions), trabajo en Broadway y colaboraciones con figuras como Benny Carter, manteniéndose activo hasta sus últimos años.
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RUBY BRAFF RUBY BRAFF SPECIAL - Brooklyn, NY, October 17, 1955 - Romance in the dark, When you wish upon a star (1), Wishing - Ruby Braff (tp) Vic Dickenson (tb) Sam Margolis (ts,cl-1) Nat Pierce (p) Walter Page (b) Jo Jones (d)
RUBY BRAFF (1927–2003) fue un cornetista profundamente expresivo, dueño de un sonido inconfundible y ajeno a las modas. Aunque pertenecía a la generación del bebop —contemporáneo de Dizzy Gillespie y Miles Davis—, siempre se sintió más cercano al legado de Louis Armstrong, Lester Young y Billie Holiday. Esa elección estética lo dejó, durante años, fuera de sintonía con su época.
Braff construyó una trayectoria muy personal, centrada en estándares y en un lenguaje a medio camino entre el swing y el trad jazz. Como Thelonious Monk, ignoró tendencias y se mantuvo fiel a la música que amaba, lo que con el tiempo le valió reconocimiento. Comenzó a tocar muy joven en Boston y pronto trabajó con figuras como Edmond Hall, Pee Wee Russell y Bud Freeman.
Instalado en Nueva York desde 1953, fue casi el único músico de su generación dedicado al mainstream. Grabó con Vic Dickenson, el sexteto de Benny Goodman y Buck Clayton, aunque durante un tiempo tuvo escasa actividad pública. Su carrera cobró nuevo impulso en los años 60 con George Wein, y más tarde destacó en su cuarteto con George Barnes, consolidándose como una figura clave del swing tardío.
BUCK CLAYTON BUCKIN’ THE BLUES - Brooklyn, NY, March 14, 1957 - Buck huckles, Claytonia, Cool too, Squeeze me - Buck Clayton (tp) Vic Dickenson (tb) Earl Warren (as) Hank Jones (p) Kenny Burrell (el-g) Aaron Bell (b) Jo Jones (d)
Buck Clayton (1911–1991) fue uno de los grandes trompetistas de la era del swing, con un estilo elegante, flexible y atemporal. Su forma de tocar se adaptaba tanto a contextos cercanos al bop como al Dixieland, sin pertenecer del todo a ninguno. No es casual que el crítico Stanley Dance utilizara el término mainstream para describir justamente ese tipo de swing en pequeños grupos que Clayton encarnaba.
Nacido en Kansas, comenzó en el piano —enseñado por su padre— y no adoptó la trompeta hasta los 18 años, inspirado por Louis Armstrong. Prácticamente autodidacta, se formó tocando en California con diversas bandas, incluyendo la de Earl Dancer, donde también realizó arreglos. Una experiencia clave fue su estancia en Shanghái (1934–35), donde lideró una orquesta con gran éxito hasta la inminente invasión japonesa.
De regreso en Estados Unidos, su carrera dio un giro decisivo al integrarse a la orquesta de Count Basie en Kansas City, donde se convirtió en su principal solista de trompeta. Su lirismo, claridad y swing lo consolidaron como una figura central del jazz clásico durante décadas.
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HAROLD MABERN AFRO BLUE - New York, August 21 & 29, 2014 - Afro Blue (gp), Such is life (ac), Do it again (3) - Jeremy Pelt (tp1) Steve Turre (tb2) Eric Alexander (ts) Harold Mabern (p) Peter Bernstein (g3) John Webber (b) Joe Farnsworth (d) Gregory Porter, Alexis Cole (vcl)
Afro Blue presenta a Harold Mabern junto a cinco destacadas voces: Gregory Porter, Norah Jones, Jane Monheit, Kurt Elling y Alexis Cole. Mabern despliega un acompañamiento sensible y atento, dejando espacio para que cada cantante brille y generando una química muy natural.
El pianista, que siempre ha valorado el trabajo con vocalistas como parte esencial del aprendizaje en el jazz, encuentra aquí un terreno ideal. A lo largo del disco, su estilo cálido, con raíces en el blues, se mantiene como hilo conductor. Lo respalda un sólido elenco instrumental, con vientos de gran nivel Jeremy Pelt (tp1) Steve Turre (tb2) Eric Alexander (ts) y una sección rítmica firme, John Webber (b) Joe Farnsworth (d) además de la participación especial del guitarrista Peter Bernstein en “Do It Again” de Steely Dan. El resultado es un álbum variado, fluido y especialmente agradable.
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BUDDY DEFRANCO / ART TATUM THE COMPLETE PABLO GROUP ART TATUM MASTERPIECES - Los Angeles, February 6, 1956 - Deep night, This can’t be love, Memories of you, Once in a while - Buddy DeFranco (cl) Art Tatum (p) Red Callender (b) Bill Douglass (d)
The Complete Pablo Group Masterpieces reúne a Art Tatum en una serie de grabaciones realizadas entre 1954 y 1956. Aunque célebre por su virtuosismo deslumbrante —velocidad, técnica y una fuerte personalidad musical—, Tatum demuestra aquí cuánto disfrutaba tocar en grupo.
La caja incluye tríos con figuras como Benny Carter, Lionel Hampton y Buddy Rich, además de cuartetos liderados por Roy Eldridge, Buddy DeFranco y Ben Webster. Cada encuentro revela distintas dinámicas: desde la intensidad casi competitiva hasta un diálogo más lírico y equilibrado. En conjunto, estas grabaciones muestran a un Tatum relajado pero brillante, interactuando con otros grandes del jazz en un contexto colectivo tan estimulante como revelador.
CANNONBALL ADDERLEY / MILT JACKSON THINGS ARE GETTING BETTER - New York, October 28, 1958 - Groovin’ high, The sidewalks of New York, Sounds for Sid - Cannonball Adderley (as) Milt Jackson (vib) Wynton Kelly (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)
Things Are Getting Better Es un álbum que confirma por qué Cannonball Adderley fue uno de los grandes maestros del saxo alto. Aquí se une al vibrafonista Milt Jackson, son acompañados por un trío de lujo: Wynton Kelly, Percy Heath y Art Blakey.
La colaboración entre Adderley y Jackson surge de manera natural: ambos dominan el lenguaje de la balada y el blues, y al mismo tiempo pueden abordar el bebop con total autoridad. *Things Are Getting Better* es un disco sin puntos débiles.
El repertorio incluye tomas alternativas de “Serves Me Right”, de Buddy Johnson, y “The Sidewalks of New York”, llena de vitalidad. Entre los momentos más destacados está el tema que da título al álbum, donde Adderley y Jackson despliegan con soltura su profundo sentido del blues.
Por su parte, “Groovin’ High” —interpretado con una precisión notable y a un tempo más reposado que la versión original de 1945— funciona casi como un estudio de bebop. Jackson se mueve aquí con absoluta naturalidad, mientras Adderley deja ver con claridad la doble influencia de Charlie Parker y John Coltrane en su estilo de la época.
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FRED JACKSON HOOTIN’ AND TOOTIN’ - Englewood Cliffs, N.J., February 5, 1962 - Dippin’ in the bag, That’s where it’s at, Hootin’ and tootin’ - Fred Jackson (ts) Earl Van Dyke (p,org) Willie Jones (g) Wilbert Granville T. Hogan (d)
Durante los años cincuenta y sesenta, muchas orquestas de rhythm & blues y rock & roll usaban músicos con sólida formación jazzística, para quienes ganarse la vida era prioridad. Pero de vez en cuando una jam session les daba espacio para soltarse. No era común que los líderes —más enfocados en el acompañamiento directo— les permitieran improvisar o ir mucho más allá. Recién cuando las compañías discográficas empezaron a fijarse en ellos —a veces por recomendación de músicos de jazz ya consolidados— el mundo del jazz comenzó a notar esa atractiva mezcla de oficio y sabor musical.
Fred Jackson, quien tocó con Little Richard, Lloyd Price y B.B. King, encarnaba bien ese perfil: un saxofonista con raíces en el R&B pero con fuerte orientación jazzística. Su nombre empezó a circular con más fuerza cuando participó en una sesión en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey, junto al organista Baby Face Willette, en el electrizante álbum Face to Face (1961). A partir de ahí, Alfred Lion, interesado en expandir el catálogo soul jazz de Blue Note Records, decidió darle la oportunidad de grabar como líder. El resultado fue Hootin’ ’n Tootin’.
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MICHAEL WOLLNY TRIO LIVING GHOSTS - Illingen, April 19, 2024 - Nacht - Rufe in der horchenden nacht - Michael Wollny (p) Tim Lefebvre (b) Eric Schaefer (d)
El atractivo del álbum Living Ghosts o fantasmas vivientes no está tanto en el repertorio como en la forma en que este se articula. Uno de los pianistas más distintivos del jazz europeo actual, Michael Wollny, grabó este álbum en vivo junto a sus compañeros habituales: el contrabajista Tim Lefebvre y el baterista Eric Schaefer.
El registro captura una única noche de la primavera de 2024, en la que el trío tocó guiado casi por completo por la intuición, siguiendo apenas aspectos cambiantes de sus propias composiciones. A lo largo del concierto, fragmentos reconocibles de su repertorio aparecen y desaparecen de forma inesperada: a veces como destellos breves, otras como puntos de partida para desarrollos más amplios. Esos “fantasmas” del pasado se reconfiguran en tiempo real, en un proceso que refleja la complicidad del trío y su manera de dialogar constantemente con su propia historia musical.
JOHN COLTRANE GROUP LIVE “VILLAGE VANGUARD”
- New York, November 2, 1961 - India (1,2) - Garvin Bushell (oboe1,contrabassoon1) John Coltrane (sop,ts) Eric Dolphy (as,bcl) McCoy Tyner (p) Reggie Workman (b) Jimmy Garrison
- New York, November 3, 1961 - Greensleeves - John Coltrane (ts,sop) McCoy Tyner (p) Reggie Workman (b) Elvin Jones (d)
Durante cuatro noches de noviembre de 1961, en el histórico Village Vanguard, en pleno Greenwich Village, John Coltrane y su cuarteto registraron 22 interpretaciones que hoy son consideradas fundamentales.
En ese momento, Coltrane aún estaba afinando el formato de su grupo, explorando combinaciones de timbres y voicings que le permitieran alcanzar la intensidad expresiva que tenía en mente. The Complete Village Vanguard Recordings reúne por primera vez este material completo y en orden de interpretación en vinilo. El box set de siete LP —más de cuatro horas de música— documenta un punto clave en su evolución, con su cuarteto clásico: McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones, junto a invitados como Eric Dolphy y Reggie Workman.



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LARRY YOUNG MOTHER SHIP - Englewood Cliffs, N.J., February 7, 1969 - Street scene, Visions - Lee Morgan (tp) Herbert Morgan (ts) Larry Young (org) Eddie Gladden (d)
Grabado en 1969 pero editado recién en 1980, Mother Ship marca el cierre de la etapa de Larry Young en Blue Note y resume su aporte a la expansión del órgano Hammond B3 más allá del soul jazz convencional. Al frente de un cuarteto con Lee Morgan (trompeta), Herbert Morgan (saxo tenor) y Eddie Gladden (batería), Young presenta cinco composiciones propias que se mueven entre el post-bop, el groove y la exploración abierta.
El disco combina desde el pulso funky y aire latino , hasta las texturas más libres y espaciales. Hay una energía constante, casi descontrolada, donde el órgano de Young empuja al grupo hacia terrenos del free.
Lee Morgan aporta flexibilidad y se aleja del hard bop más clásico, mientras Gladden sostiene con soltura estructuras complejas y cambiantes. El resultado es un álbum dinámico, original que confirma a Young como una figura clave en la evolución del instrumento.
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MARIA SCHNEIDER ORCHESTRA AMERICAN CROW - Power Station, New York Mayo 26, 2025 American Crow, American Crow revisited - Maria Schneider (comp/dir); Steve Wilson, (sa,ss, fl); Dave Pietro (sa, cl, piccolo); Rich Perry, John Ellis (st); Scott Robinson (cl: bari, bajo, contrabajo); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Nadje Noordhuis, Mike Rodriguez, (t); Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshal Gilkes, (tbn); George Flynn (tbn: bajo y contrabajo); Julien Labros, (acor); Jeff Miles (g); Gary Versace (p); Jay Anderson (b); Johnathan Blake (dr)
Hay algo muy especial en cómo Maria Schneider arma sus historias musicales.
La pieza central de su obra American Crow -cuervo americano- juega con un contraste claro entre momentos de tensión y otros más calmos. Arranca con fuerza —los metales sugieren el graznido de los cuervos— y de a poco se abre hacia un clima más introspectivo, donde la trompeta de Mike Rodriguez aporta una gran carga expresiva. Se nota cómo Schneider escribe pensando en sus músicos, dejando que cada voz sume al sonido del conjunto.
El desarrollo fluye con naturalidad: la orquesta gana densidad y energía, sostenida con pulso firme por el baterista Johnathan Blake, hasta llegar a un final casi en suspenso, muy sutil. El EP de 30 minutos concluye con una nueva versión de “A World Lost”, con estupendos aportes de la guitarra de Jeff Miles y el acordeón de Julien Labro.
Maria Schneider Orchestra: Steve Wilson, (sa,ss, fl); Dave Pietro (sa, cl, piccolo); Rich Perry, John Ellis (st); Scott Robinson (clarinetes bari, bajo,contrabajo); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Nadje Noordhuis, Mike Rodriguez, (t); Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshal Gilkes, (tbn); George Flynn (tbn bajo y contrabajo); Julien Labros, accordion; Jeff Miles (g); Gary Versace (p); Jay Anderson (b); Johnathan Blake (dr)
WOODY SHAW IMAGINATION - Englewood Cliffs, N.J., June 24, 1987 - If I were a bell, Stormy weather, Steve’s blues - Woody Shaw (tp) Steve Turre (tb) Kirk Lightsey (p) Ray Drummond (b) Carl Allen (d)
Imagination (1987) es un álbum que encuentra al trompetista Woody Shaw al frente de un sólido quinteto con Steve Turre (trombón), Kirk Lightsey (piano), Ray Drummond (contrabajo) y Carl Allen (batería). Sería su última grabación como líder.
El repertorio combina, en su mayoría, estándares abordados desde un hard bop ágil y bien articulado, junto a algunos momentos más líricos. Piezas como “Imagination” y “Stormy Weather” destacan por su carácter introspectivo, con un Shaw de sonido nítido y fraseo emotivo; en esta última, el uso del plunger por parte de Turre aporta un diálogo casi vocal.
Lightsey, Drummond y Allen sostienen e impulsan el conjunto con solidez, mientras “Steve’s Blues” cierra el disco reafirmando su pulso hard bop.



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LISA HILTON EXTENDED DAYDREAM - c. 2025-So what, It’s just for now, Seabirds, Wildflower - Igmar Thomas (tp) JD Allen (ts) Lisa Hilton (p,comp) Luques Curtis (b) Rudy Royston (d)
La pianista californiana Lisa Hilton en su disco Extended Daydream* evoca el luminoso clima de su estado con un enfoque relajado, en el que actualiza con soltura el formato clásico de pequeño ensamble liderado desde el piano. Su formación inicial, entre lo autodidacta en lo musical y lo visual, se percibe en un trabajo que avanza más por atmósferas y colores que por gestos enfáticos.
El grupo —con J.D. Allen en tenor, Igmar Thomas trompeta, Luques Curtis bajo y Rudy Royston batería— funciona como un colectivo bien afiatado. El repertorio, mayormente original, se mueve en un registro reflexivo pero variado. En “So What”, el clásico de Miles Davis, Hilton le deja espacio a Curtis para que marque el pulso con soltura para que luego Thomas desarrolle la melodía modal con naturalidad.
“Wildflower”, de Billie Eilish, lo adapta con fluidez al lenguaje jazzístico, apoyada en la interacción del grupo. En conjunto, un disco de climas bien trabajados, sin excesos y con una identidad clara.
PATRICK ZIMMERLI BOOK OF DREAMS - New York, June 11 & 12, 2019 - Algo mas, 60 Morningside, Crow or dove - Patrick Zimmerli (sop,ts) Kevin Hays (p) Satoshi Takeishi (d)
El saxofonista y compositor Patrick Zimmerli reúne en *Book of Dreams* un conjunto de piezas originales y arreglos de estándares que, como sugiere la crítica de DownBeat, destacan tanto por su lirismo como por su exigencia técnica. Se trata de materiales escritos a lo largo de casi dos décadas, en paralelo a su trabajo principal como autor de obras de gran formato.
Zimmerli fue reuniendo estas ideas en un archivo al que llamó precisamente *Book of Dreams*, entendiendo estas composiciones como “regalos” del inconsciente. El resultado es un repertorio íntimo y concentrado, donde la improvisación dialoga con una escritura refinada.
Junto a Zimmerli en saxo soprano y tenor, están Kevin Hays en piano y Satoshi Takeishi en batería, en un formato de trío que privilegia la sutileza y la interacción. Más que una muestra de virtuosismo, el disco revela una faceta introspectiva y profundamente creativa.
PREMAZZI-NASSER QUARTET FROM WHAT I RECALL - May 30th, 2024, New York, NY - Iacchus, Stalking, From what - Kyle Nasser (saxes) Simona Premazzi (p) Noah Garabedian (b) Jay Sawyer (d)
La pianista italiana Simona Premazzi y el saxofonista bostoniano Kyle Nasser se conocieron en Nueva York y, tras años de colaboración, consolidaron en 2021 un cuarteto junto a Noah Garabedian en el contrabajo y Jay Sawyer en la batería. Además de presentarse en giras internacionales, coprodujeron *From What I Recall*, su álbum debut.
Premazzi define su escritura como “contrapuntual, abierta al contraste y a la tensión y liberación”, una idea que atraviesa todo el disco. La música se mueve en una intensidad contenida, donde destaca el diálogo entre ambos compositores. Una de las piezas de Premazzi arranca como una vertiginosa persecución entre piano y saxofón, para luego asentarse en un pulso más calmo y una sección introspectiva.
El cierre llega con “Scamander”, de Nasser, que comienza con un clima sereno y controlado. A partir de ahí, la melodía se pone tortuosa en interacción con el piano, antes de abrirse hacia un pasaje más lírico liderado por Premazzi, mientras el saxofón desarrolla una línea modal extensa que crece de forma gradual y se disipa con la misma sutileza.


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