PuroJazz

BUD FREEMAN - “AND HIS GANG” - New York, July 12, 1938 - Tappin’ the Commodore till, Memories of you - Bobby Hackett (cnt) Pee Wee Russell (cl) Dave Matthews (as) Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Dave Tough (d-1) Marty Marsala (d-2)
“BUD FREEMAN TRIO” - New York, November 30, 1938 -The blue room, Exactly like you - Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) George Wettling (d)
Bud Freeman siempre tuvo su propio sonido y estilo. Aunque nunca fue la influencia dominante que fue Hawkins, fue una inspiración tanto para Lester Young (que admiraba su individualidad incluso mientras desarrollaba su propio tono mucho más frío) como para Eddie Miller, que con Bob Crosby a menudo sonaba como Freeman, pero tocaba en un estilo más simple, aunque no menos oscilante. Incluso Hawkins expresó admiración por las habilidades de Freeman y su decisión de no copiar a nadie más.
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EDDIE HEYWOOD “AND HIS ORCHESTRA” - New York, February 19 & 26, 1944 -`T ain’t me, Carry me back to old Virginny, I can’t believe that you’re in love with me - Doc Cheatham (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Al Lucas (b) Jack “The Bear” Parker (d)
El pianista Eddie Heywood nació en Atlanta, Georgia. Se inició tocando en un teatro de vódevil en Atlanta, ocasionalmente acompañando a cantantes como Bessie Smith y Ethel Waters.[ 1] Heywood se mudó, primero a Nueva Orleans y luego a Kansas City, cuando el vódevil comenzó a ser reemplazado por imágenes sonoras. Después de mudarse a Nueva York, toco con Benny Carter (1939-1940). Luego dirigió su propio grupo a partir de ese período, apoyando a Billie Holiday en algunas ocasiones a partir de 1941. En 1943, aparece en el cuarteto de Coleman Hawkins con un solo en “The Man I Love”). Su primer sexteto incluyó a Doc Cheatham y Vic Dickenson. Su versión de 1944 de “Begin the Beguine” se convirtió en un éxito. Eddie Heywood continuó actuando hasta la década de 1980.

CHU BERRY “AND HIS JAZZ ENSEMBLE” - New York, August 28, 1941 - Blowing up a breeze, On the sunny side of the street, Monday at Minton’s, Gee baby, ain’t I good to you ? (hlp vcl) - Hot Lips Page (tp,vcl) Chu Berry (ts) Clyde Hart (p) Al Casey (g) Al Morgan (b) Harry Jaeger (d)
El August 28, 1941 Chu Berry, Hot Lips Page y Clyde Hart en tenor, trompeta y piano ingresaron al estudio de Commodore Records en New York. También participan el guitarrista de Fats Waller Al Casey y Harry Wager baterista de Benny Goodman, son caras nuevas del sello. La instrumentación es la misma que la de Chu en una grabación de 1938, lo que deja bastante claro son los cambios que habían tenido lugar en el swing. Se había vuelto más ágil, con una mayor propensión a los riffs que son frase corta repetida típicamente utilizada como introducción o estribillo en una canción.
Grabaron dos baladas y dos temas rápidos: Una larga toma de “On The Sunny Side Of The Street”, con un solo de Hot Lips. “Blowing Up A Breeze”, muestra que Chu y Lips van bien juntos. La toma termina con un riff al unísono y Chu, con la mayor parte del espacio en solitario, que está en buena forma; este era el tipo de ritmo en él que sobresalía. “Monday At Minton’s” es el primo de “One O’clock Jump”, al que Hart cita en su solo de saxo alto. “Gee Baby Ain’t I Good To You” fue una de las especialidades de Lips. Su solo de trompeta con sordina es “suplicante”. Este fue el canto del cisne de Chu: en dos meses, había fallecido, acababa de cumplir 33 años. Si hubiera vivido, podría haber habido una tercera escuela clásica de tenor para agregar a Coleman Hawkins y Lester Young.

PECK KELLEY “PECK KELLEY JAM” - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Stompin’ at the Savoy, Riverboat shuffle - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)
Peck Kelley fue un hombre sumamente tímido y un pianista virtuoso con el don de atraer a los mejores y más brillantes jóvenes músicos de jazz de todo el país a su banda en el este de Texas. Los mejores líderes de banda del día intentaron atraerlo, pero se negó a migrar a escenas de jazz fértiles y más lucrativas en otros lugares. En cambio, creó un centro de hiot jazz en su estado en una época en la que el jazz rara vez se escuchaba en ningún otro lugar que no fuera Nueva Orleans o Chicago.
Kelley lideró una influyente “territory band” en Texas durante la década de 1920. Se decía que el estilo de Kelley estaba adelantado a su tiempo y era armónicamente más avanzado que el de otras bandas de esa época. En el grupo tocaron músicos como Pee Wee Russell y Jack Teagarden, además de Leon Roppolo, de los New Orleans Rhythm Kings. La banda nunca llegó a grabar.
En 1957, Peck Kelley se unió al cuarteto de Dick Shannon, con Glen Boyd al contrabajo, formación de la que provienen las únicas grabaciones de estudio que se conservan de este músico.


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JACKIE MCLEAN “JACKNIFE” - Englewood Cliffs, N.J., September 24, 1965 - Blue fable (1) - - Lee Morgan (tp1) Charles Tolliver (tp2) Jackie McLean (as) Larry Willis (p) Larry Ridley (b) Jack DeJohnette (d)
La historia de Jackie McLean es ya parte de la leyenda del jazz. Empezó a tocar el saxofón alto a los quince años; a los diecisiete estudiaba con Bud Powell y tocó en conciertos locales con Thelonious Monk y al año siguiente junto a Charlie Parker, y a los diecinueve se presentó en el club Birdland con Miles Davis. Además, grabó con Miles Davis, el Jazz Workshop de Charles Mingus y más tarde con los Jazz Messengers de Art Blakey. Antes de cumplir veinte años, McLean era conocido como una figura clave del jazz neoyorquino.
Su álbum Jacknife (1965) lo acompañan los trompetistas de primer nivel, Lee Morgan y Charles Tolliver, y una sólida sección rítmica: Larry Willis al piano, Larry Ridley en el contrabajo y Jack DeJohnette en la batería. El sonido intenso de McLean recorre un repertorio variado, que va desde las amplias exploraciones modales de “On The Nile”, de Tolliver, pasando por los ritmos enérgicos de “Climax”, de DeJohnette, hasta “Blue Fable”, composición del propio McLean.
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HAMPTON HAWES “THE TRIO (VOLUMES 1 & 2) - Diciembre 1955 & enero 1956 - Stella by starlight, Blues for Jacque, Yesterdays - Hampton Hawes (p) Red Mitchell (b) Chuck Thompson (d)
Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de hard bop de la escena jazzística de la Costa Oeste. Llamó la atención a fines de los años 50 con una serie de excelentes discos en formato de trío. Influido por las innovaciones bebop de Bud Powell, Hawes mostró muy pronto la misma soltura tanto en temas rápidos y llenos de swing como en baladas románticas.
Después de trabajar con las bandas de Los Ángeles lideradas por Shorty Rogers y Howard McGhee, y tocar con figuras del bebop de la Costa Oeste como Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray.
Hampton Hawes Trio, Vols. 1 & 2 es el primero de una larga serie de grabaciones que lo muestran en uno de los mejores momentos iniciales de su carrera, junto al contrabajista Red Mitchell y al baterista Chuck Thompson. Además de tres composiciones propias, Hawes interpreta siete estándares con versiones llenas de energía y swing, logrando que temas muy conocidos suenen nuevamente vivos y atractivos.
LIAM SILLERY “PHENOMENOLOGY” - River Edge, N.J., December 9, 2008 - Phenomenology, Holding pattern, Intentionality - Liam Sillery (tp,flhrn) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d)
Con su lanzamiento “Phenomenology”, el trompetista Liam Sillery continúa desafiando tanto a los músicos como al oyente con composiciones intrincadas e improvisación sorprendente. La banda es reactiva y solidaria, mientras mantiene sus personalidades individuales para complementar constantemente la música. La exploración de Liam de los paisajes sónicos sugeridos por sus composiciones crea una sensación de intriga melódica en el “Koi” inspirado en Kenny Wheeler y las líneas de la rueda de la bocina a través del backbeat de “Intentionality”. Esta grabación sin duda ayuda a solidificar a Sillery como “una voz importante en el jazz del siglo XXI”


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J.D. ALLEN “AMERICANA, VOLUME 2” - Astoria, NY, January 26, 2022 - The werk song, Hammer and hoe, The battle of Blair Mountain - J.D. Allen (ts) Charlie Hunter (g) Gregg August (b) Rudy Royston (d)
En Americana Vol. 2, J.D. Allen aborda temas profundos —políticos, raciales, económicos e históricos—, pero en el centro musical del disco está algo tan simple y a la vez fundamental como el blues. Allen pone el foco en ese papel muchas veces subestimado, pero clave, que el blues ha tenido en la historia del jazz y en cómo sigue transformándose e influyendo en el género hasta hoy.
Para este proyecto vuelve a trabajar con sus colaboradores de siempre, Gregg August en contrabajo y Rudy Royston en batería, y suma al guitarrista Charlie Hunter. Hunter no solo comparte con Allen un interés profundo por el blues y su legado, sino también varias experiencias de vida similares. Aunque crecieron en distintas regiones del país, sus trayectorias personales se cruzan de manera natural, algo que se percibe con claridad en la música que hacen juntos.
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MATT BAUDER “NIGHTSHADES” - Brooklyn, NY, February 5 & 6, 2013 - Octavia minor, Weekly resolution - Nate Wooley (tp) Matt Bauder (ts) Kris Davis (p) Jason Ajemian (b) Tomas Fujiwara (d)
Matt Bauder formó su banda Day in Pictures en 2007 con la idea de concentrar sus diversas habilidades como compositor en un sonido propio y reconocible. La formación actual reúne a algunos de los improvisadores más destacados de hoy. Nate Wooley y el propio Bauder, en trompeta y saxofón tenor, han desarrollado un frente muy particular gracias a años de giras junto al quinteto Canada Day de Harris Eisenstadt. La base rítmica —Kris Davis en piano, Jason Ajemian en contrabajo y Tomas Fujiwara en batería— se complementa a partir de contrastes claros entre sus distintas maneras de tocar.
Cuesta imaginar una versión más personal y cercana de la tradición del souljazz actual que “Octavia Minor”, el tema que abre Nightshades, segundo álbum del grupo. La pieza se apoya en un riff relajado de hard bop y en el diálogo natural entre Bauder y el notable trompetista Wooley. Al mismo tiempo, se aparta con elegancia de lo convencional gracias a un clima espacial, con matices de Medio Oriente, y al intercambio tenso entre los giros blueseros del piano de Davis y los acentos descentrados de la batería de Fujiwara.
MAX JOHNSON “MAX JOHNSON QUARTET” - Paramus, NJ, c. 2012 - 60-66, Disharmony in 5 notes or less, Lost & found (for Henry Grimes) - Steve Swell (tb) Mark Whitecage (as,cl) Max Johnson (b) Tyshawn Sorey (d)
Discípulo del bajista de vanguardia Henry Grimes, Max Johnson aporta a su contrabajo una energía intensa en Max Johnson Quartet su prometedor debut. El disco reúne seis composiciones originales para un cuarteto sin piano, donde distintos géneros se filtran a través de una mirada claramente libre y experimental. Johnson ha tocado con figuras como Anthony Braxton, William Parker y John Zorn; esas influencias se sienten, pero no lo dominan: aquí logra una voz propia, creando reglas solo para tensarlas o dejarlas de lado.
Esa tensión se percibe en “Elephant March”, un funk en compases irregulares que parece reclamar a John Medeski, hasta que Tyshawn Sorey empieza a desarmar el pulso y el trombonista Steve Swell junto al saxofonista Mark Whitecage despegan hacia zonas extremas y luego regresan. “Lost & Found” crece poco a poco, con ecos de los pasajes más brillantes de Rhapsody in Blue. El no del todo tradicional “6066” da paso a “Atonement”, un blues torcido, y el cierre “IsetRa” evoca pirámides, rituales y quizá a la Arkestra que alguna vez tocó entre ellas.


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MIGUEL ZENÓN QUARTET “VANGUARDIA SUBTERRÁNEA“ – Live At The Village Vanguard - September 20th & 21st, 2024 - El día de mi suerte, Dale la vuelta - Miguel Zenón (sa) Luis Perdomo (p) Hans Glawischnig (b) Henry Cole (dr)
Observando el 22 aniversario de su primer álbum de cuarteto (Look Forward del 2022) con el pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el baterista Antonio Sánchez, y el 15o aniversario de su cuarteto actual con el baterista Henry Cole, el saxofonista alto Miguel Zenón ingresó al Village Vanguard en septiembre de 2024 para grabar el primer álbum del grupo.
Aunque el cuarteto ha ofrecido cientos de conciertos en todo el mundo durante años, nunca antes había registrado oficialmente su potencia en vivo. Para Zenón, este disco tiene una energía especial, marcada por la historia y la atmósfera única del Village Vanguard, un lugar soñado por generaciones de músicos de jazz. El lanzamiento se efectuó en el mismo lugar en septiembre de 2025.
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CARMEN STAAF “SOUNDING LINE” - Oakland, CA, September, 2024 - Scorpio?, Byeya, Libra, Boiling point - Ambrose Akinmusire, Darren Johnston (tp) Ben Goldberg (cl) Dillon Vado (vib,tamb) Carmen Staaf (p,comp) Hamir Atwal (d) John Santos (bgo)
La pianista y compositora Carmen Staaf se inspira en dos figuras clave del piano en el jazz: Thelonious Monk y Mary Lou Williams. En su álbum Sounding Line, Staaf explora los puntos de encuentro entre estos músicos revolucionarios, revelando influencias compartidas y una relación artística más estrecha de lo que suele asumirse.
Staaf creció estudiando el lenguaje de Monk. Sus composiciones, a menudo calificadas como excéntricas, muestran en realidad una construcción cuidadosa y una lógica interna muy precisa.
El descubrimiento de Mary Lou Williams amplió decisivamente su perspectiva. Le impactó la amplitud estilística de Williams, su vigencia a lo largo de varias décadas y esa admiración la llevó a investigar a fondo su obra y a reconocer los lazos creativos que la conectan con Monk, que es el concepto del disco.
Para dar forma al proyecto, Staaf reunió a músicos de SanFrancisco con quienes había construido vínculos musicales y pedagógicos, conformando un elenco diverso que refuerza el espíritu abierto y dialogante de Sounding Line.

BENNY GOLSON “GONE WITH GOLSON” - Hackensack, N.J., June 20, 1959 - Autumn leaves, Soul me, A bit of heaven - Curtis Fuller (tb) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Tommy Bryant (b) Al Harewood (d)
El saxofonista tenor y compositor Benny Golson (1929–2024) dejó una huella inconfundible en el jazz moderno, marcada por un groove elegante y un lirismo siempre reconocible. Esa riqueza se aprecia con claridad en Gone With Golson (1959), un álbum que refleja tanto su origen en Filadelfia como su sólida herencia musical, ligada a maestros como Coleman Hawkins y Ben Webster, muy lejos de las corrientes más radicales del avant-garde de la época.
Golson brilla por si solo, pero la presencia del trombonista Curtis Fuller eleva aún más el nivel del disco. Juntos logran un swing fluido y natural, con un diálogo constante y lleno de matices. Golson suena inspirado y melódico, fiel al espíritu de clásicos con el empuje sostenido por el pulso firme de Al Harewood y el trabajo refinado de los hermanos Bryant, Ray al piano y Tommy al contrabajo.


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GEORGE COLLIGAN LIVE “JAZZ STANDARD” - New York, April 30, 2014 lanzamiento Mayo de 2025 - Waiting for solitude, If the mountain was smooth - George Colligan (p) Linda May Han Oh (b) Jack DeJohnette (d)
La relación entre el pianista y compositor George Colligan y el baterista DeJohnette se remonta a quince años y un encuentro fortuito durante un ensayo de la big band de Don Byron. Colligan llegó temprano y encontró a DeJohnette ya instalado y listo para tocar. Comenzaron a improvisar, compartiendo temas e ideas musicales, y la conexión fue inmediata. DeJohnette, dos años más tarde, lo llamó para invitarlo a unirse a su grupo. Para Colligan, esta colaboración tuvo un significado especial, ya que DeJohnette había sido durante mucho tiempo uno de sus grandes referentes, en parte porque ambos comparten la poco habitual doble condición de pianistas y bateristas.
En 2014, Colligan y DeJohnette grabaron en vivo en el Jazz Standard de Nueva York, acompañados esta vez por la contrabajista Linda May Han Oh. Publicado ahora por Whirlwind Recordings como Live At The Jazz Standard, el álbum captura un momento especialmente poderoso en la trayectoria de tres músicos magistrales, en distintas etapas de su camino artístico, pero reunidos en perfecta sintonía, con una música llena de energía, empatía y convicción.
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TIMO VOLLBRECHT “BREMEN NEW YORK” - Bremen, Germany, c. 2024 - Spicy moon - Ralph Alessi (tp) Timo Vollbrecht (sax,comp) Elias Stemeseder (p) Chris Tordini (b) Thomas Stronen (d)
Para su cuarto álbum como líder, el saxofonista y compositor alemán Timo Vollbrecht reúne un quinteto de ensueño que incluye al trompetista Ralph Alessi, el contrabajista Chris Tordini y el baterista Thomas Strønen. Completa el grupo el excelente pianista Elias Stemeseder. Grabado en vivo en la sala de conciertos Sendesaal de Bremen, célebre por su acústica excepcional, el disco presenta siete composiciones originales escritas especialmente para esta formación.
Construido sobre un compás poco habitual de 7/4, “Brighton Blues” mantiene un pulso tranquilo pero muy atractivo. Todo parte del piano, que marca el camino con una cadencia firme y clara, mientras el bajo y la batería avanzan con suavidad, sin apuros. El fraseo de Vollbrecht, lleno de arpegios y detalles, recuerda en algunos momentos a Charles Lloyd, sobre todo en esa búsqueda de un clima más introspectivo y casi espiritual. A pesar de la complejidad rítmica, la música fluye con naturalidad y se siente orgánica, como si el ritmo respirara por sí solo.
CHRISTIAN MCBRIDE BIG BAND “WITHOUT FURTHER ADO, VOL. 1” - New York ?, c. 2024 - Murder by numbers (s vcl,1), Back in love again (jo vcl) Old folks (sj vcl), All through the night (cms vcl), Come rain or come shine (ah vcl) Cold chicken suite, 3rd movement - Christian McBride Big Band feat.: Andy Summers (g1) Christian McBride (b) Sting, Jeffrey Osborne, Samara Joy, Jose James, Cecile McLorin Salvant, Dianne Reeves, Antoinette Henry (vcl)
La enorme variedad de contextos, estilos y asociaciones legendarias definen la trayectoria del contrabajista, compositor y líder Christian McBride. Lo ilustra con su big band en Without Further Ado, Vol. 1, cuarto disco primer álbum centrado en voces, con invitados e invitadas de distintas generaciones.
La gran sorpresa inicial es la reunión de Sting y Andy Summers, juntos por primera vez desde 2008, al frente de una versión swing de “Murder by Numbers”, lado B de The Police. Luego aparece el gigante del R&B Jeffrey Osborne en (Every Time I Turn Around) Back in Love Again, con McBride pasando al bajo eléctrico para sostener el pulso funk y sensual del tema.
Samara Joy aborda “Old Folks” con un aire clásico que recuerda a los grandes crooners, mientras Antoinette Henry aporta fuerza y dramatismo en “Come Rain or Come Shine”. El cierre destacado llega con Cécile McLorin Salvant, quien ofrece una versión singular y personal del estándar de Cole Porter “All Through the Night”.


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