PuroJazz

JACKIE MCLEAN LET FREEDOM RING - Englewood Cliffs, NJ, March 19, 1962 - I’ll keep loving you, Rene - Jackie McLean (as) Walter Davis, Jr. (p) Herbie Lewis (b) Billy Higgins (d)
Jackie McLean comenzó a tocar el saxo alto a los quince años y su aprendizaje fue vertiginoso. Estudió con Bud Powell, tocó con Thelonious Monk y Charlie Parker y, antes de cumplir veinte años, ya trabajaba con Miles Davis en Birdland. Después vendrían Charles Mingus y los Jazz Messengers de Art Blakey, antes de consolidarse como una de las voces más personales y reconocibles del saxo alto.
En 1962, McLean grabó “Let Freedom Ring”, un disco decisivo en su carrera y también en la evolución de Blue Note. Sin abandonar las estructuras del hard bop, comenzaba a incorporar algunas de las libertades que proponía la nueva vanguardia, especialmente la música de Ornette Coleman. Pero McLean no intentaba imitar a nadie. Su sonido seguía siendo inconfundible: áspero, incisivo y cargado de tensión, llevado aquí hasta esos gritos agudos y penetrantes.
La importancia de “Let Freedom Ring” es que McLean demostró que era posible asimilar las ideas del jazz de vanguardia sin renunciar al lenguaje que había definido su música. Un puente entre el hard bop y el jazz moderno que comenzaba a transformar la década de los sesenta.
ALLISON/CARDENAS/NASH TRIOLOGICAL - Maggies Farm, PA, June 28 & 29, 2025 - Puddle jumper, Burnt toast & avocado, Milton, Ida’s spoons - Ted Nash (ts) Steve Cardenas (g) Ben Allison (b)
Los tríos sin batería tienen una larga historia en el jazz y, en las manos adecuadas y, en las manos adecuadas, no han perdido su capacidad de sorprender. Es el caso del trío formado por el contrabajista Ben Allison, el guitarrista Steve Cardenas y el saxofonista Ted Nash, tres músicos de amplia experiencia que llevan varios discos trabajando juntos.
En “Triological”, el trío abandona el repertorio de compositores ajenos, como en sus grabaciones anteriores y se concentra en música original de ellos. La ausencia de batería no significa falta de impulso rítmico: el movimiento surge de la interacción entre el contrabajo de Allison, la guitarra de Cardenas y los distintos instrumentos de viento de Nash.
Es difícil no recordar los históricos tríos de Jimmy Giuffre, especialmente el que formó con Jim Hall y Ralph Peña. Hay aquí una similar libertad para cambiar de dirección, dejar espacios y permitir que cada músico conserve su propia voz dentro del conjunto.
ROY HAYNES QUARTET CYMBALISM - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1963 - Modette, I’m getting sentimental over you, Go ‘n’ git it - Frank Strozier (as,fl) Ronnie Mathews (p) Larry Ridley (b) Roy Haynes (d)
A lo largo de una carrera que se extendió por más de siete décadas, Roy Haynes tocó con algunas de las grandes figuras del jazz, desde Charlie Parker y Lester Young hasta John Coltrane y Chick Corea. Pero sus grabaciones como líder permiten apreciar con mayor claridad una de las voces más originales de la batería moderna.
En 1963 grabó “Cymbalism” acompañado por Frank Strozier en saxo alto y flauta, Ronnie Mathews en piano y Larry Ridley en contrabajo. La sesión, registrada por Rudy Van Gelder, se mueve entre el hard bop y un lenguaje post-bop más abierto, con ocasionales elementos de soul jazz.
El título del disco juega, naturalmente, con la palabra “symbolism” y la extraordinaria manera en que Haynes utilizaba los platillos o Cymbals en Inglés. Roy nunca se limitó a marcar el tiempo: introducía acentos inesperados, desplazaba el pulso y empleaba los platillos casi como colores dentro de la música.
Strozier, Mathews y Ridley responden con la misma agilidad. “Cymbalism” es un excelente ejemplo de la elegancia rítmica de Roy Haynes y de esa capacidad suya para impulsar a un grupo sin dominarlo.


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THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - Ornithology, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - The fencer, 1946 -Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)
The Phoenix Trio es un nuevo grupo integrado por el saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore. Su primer disco, Tomorrow Is Today, fue grabado en vivo en el club Ornithology de Brooklyn, en marzo del 2025.
Aunque el trío es nuevo, sus integrantes se conocen bien y han coincidido en distintos proyectos a lo largo de los años. Esa familiaridad se percibe en una música que fluye como una conversación. Los ensayos fueron mínimos y las discusiones se limitaron prácticamente a la forma y al desarrollo de las piezas.
La ausencia de piano deja amplios espacios y una gran libertad de movimiento. Muchos temas parten de breves motivos repetidos por Martin, que establecen el pulso mientras Gilmore agrega sutiles acentos rítmicos. Cuando entra Turner, con sus largas y ondulantes líneas melódicas, el contrabajo responde con contrapuntos, creando melodías paralelas. Gilmore completa ese diálogo con una batería extraordinariamente ligera. El resultado es un trío abierto, atento y profundamente interactivo.
TOMMY FLANAGAN TRIO THE TOKYO RECITAL - Tokyo, Japan, February 15, 1975 - All day long, U.M.M.G. [Upper Manhattan Medical Group, Caravan - Tommy Flanagan (p) Keter Betts (b) Bobby Durham (d)
Tommy Flanagan fue uno de los grandes pianistas surgidos de la fértil escena de Detroit durante los años cincuenta. Después de trasladarse a Nueva York en 1956, grabó con frecuencia como líder y acompañante, estableciendo rápidamente una sólida reputación entre sus colegas.
Sin embargo, sus dos largas etapas como pianista de Ella Fitzgerald, entre 1963 y 1965 y nuevamente desde 1968 hasta 1978, contribuyeron paradójicamente a que su talento fuera subestimado. Durante doce años, entre 1962 y 1974, Flanagan no tuvo la oportunidad de grabar un disco a su nombre y fue conocido principalmente como un acompañante excepcional.
The Tokyo Recital, de 1975, demuestra que aquellos años trabajando al servicio de otros músicos no habían disminuido en absoluto sus cualidades como solista. Acompañado por el contrabajista Keter Betts y el baterista Bobby Durham, Flanagan dedica el programa a composiciones asociadas con Duke Ellington y Billy Strayhorn.
Su interpretación es elegante y precisa, pero nunca distante. Con un toque ligero, un impecable sentido del tiempo y una profunda comprensión de las melodías, Flanagan confirma aquí lo que durante demasiado tiempo había quedado en segundo plano: era uno de los grandes pianistas de su generación.
ALVIN QUEEN JAMMIN’ UPTOWN - White Plains, NY, August 24 & 25, 1985 - Europia, Jammin’ Uptown, After Liberation - Terence Blanchard (tp) Robin Eubanks (tb) Manny Boyd (ts,as,sop) John Hicks (p) Ray Drummond (b) Alvin Queen (d)
El baterista Alvin Queen conoció el jazz desde muy joven. Los sábados, su padre lo llevaba al Apollo Theater donde escuchó a figuras como John Coltrane, el quinteto de Cannonball Adderley con Nancy Wilson y la cantante Ruth Brown, quien años más tarde le daría uno de sus primeros trabajos profesionales.
En 1969, Queen se incorporó al quinteto de Horace Silver y continuó tocando ocasionalmente con el pianista durante varios años. También trabajó con George Benson y Charles Tolliver, entre muchos otros, antes de radicarse en Europa durante los años ochenta.
En Jammin’ Uptown, grabado en Nueva York en 1985, lidera un sexteto. A pesar de su título, no se trata simplemente de una jam session. La música está cuidadosamente organizada y cuenta con excelentes arreglos, aunque abre mucho espacio para la improvisación.
Queen mantiene la música en constante movimiento con su estilo preciso y enérgico, pero curiosamente casi no toca solos. El sexteto incluye además a dos jóvenes músicos que comenzaban a destacarse en los años ochenta: el trompetista Terence Blanchard y el trombonista Robin Eubanks. En sus intervenciones ya se anticipa la importancia que ambos alcanzarían en el jazz contemporáneo.


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COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA
- New York, August 22, 1938 - Jumpin’ at the Woodside, Stop beatin’ ‘round the mulberry bush (jr,ens vcl), Texas shuffle - Ed Lewis, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Herschel Evans, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)
- Panther Room”, Hotel Sherman, Chicago, IL, May 19, 1939 Every tub, Lady be good Ed Lewis, Shad Collins, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Buddy Tate, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)
A mediados de los años treinta, la orquesta de Count Basie definía el sonido de Kansas City: una sección rítmica ligera y flexible, riffs, arreglos abiertos y amplio espacio para la improvisación. Una música construida con aparente sencillez, pero impulsada por un swing irresistible, como se escucha claramente en “Jumpin’ at the Woodside”.
El tema fue grabado por la orquesta de Count Basie para Decca en 1938. Su título proviene del Woodside Hotel de Harlem, donde los músicos de Basie se alojaban y ensayaban, a menudo en el sótano.
La grabación incluye solos de Earle Warren en saxo alto, Basie al piano, Buck Clayton en trompeta con sordina y Lester Young, cuyo fraseo relajado en el tenor parece flotar sobre la orquesta.
La pieza es, además, un ejemplo clásico de los llamados head arrangements de la banda de Basie. En lugar de arreglos escritos, los músicos construían la música colectivamente durante los ensayos: cortas frases de los saxofones eran respondidas por los metales; las figuras se repetían, se modificaban y finalmente quedaban en la memoria de la orquesta. El arreglo estaba, literalmente, en la cabeza de los músicos.
En poco más de tres minutos, “Jumpin’ at the Woodside” resume la esencia de la primera gran banda de Basie: ideas sencillas, desarrolladas colectivamente, y un swing increíble.
TEDDY WILSON TRIO THE IMPECCABLE MR. WILSON - New York, September 13, 1956 - I want to be happy, Ain’t misbehavin’, Honeysuckle rose, Fine and dandy, Sweet Lorraine, Laura - Teddy Wilson (p) Al Lucas (b) Jo Jones (d)
Teddy Wilson fue uno de los pianistas más elegantes de la era del swing. Influido por Earl Hines y Art Tatum, desarrolló un estilo de toque delicado, preciso y virtuoso, presente en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Su trabajo con Goodman lo convirtió, además, en uno de los primeros músicos negros en ocupar un lugar destacado en un conjunto integrado.
En la sesión del 13 de septiembre de 1956, Wilson encabeza un trío con el contrabajista Al Lucas y el baterista Jo Jones. El repertorio son canciones especialmente apropiadas para el álbum titulado The Impeccable Mr. Wilson : melodías elegantes con progresiones armónicas ordenadas.
“I Want to Be Happy” recibe aquí una interpretación particularmente fluida. Lucas, veterano de la banda de Illinois Jacquet y de la escena de la Calle 52, aporta un pulso preciso, buen gusto y un impecable sentido del tiempo, junto a Jo Jones forman una sección rítmica de extraordinaria ligereza y swing.
ALBERT NICHOLAS QUARTET THE NEW ORLEANS-CHICAGO CONNECTION - Chicago, July 19, 1959 - Song Of The Wanderer, Anah’s blues, Etta, I’m coming, Virginia, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Earl Murphy (b) Freddie Kohlman (d)
El clarinetista Albert Nicholas perteneció a la primera generación del jazz de Nueva Orleans. Discípulo de Lorenzo Tio, inició tocando con músicos como Buddy Petit, King Oliver y Manuel Perez, y más tarde en Nueva York se integró a la orquesta de Luis Russell, junto a Henry “Red” Allen, Charlie Holmes y J.C. Higginbotham. También trabajó con Chick Webb, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton.
El renacimiento del jazz tradicional a fines de los años cuarenta dio nuevo impulso a su carrera, pero en 1953 Nicholas siguió un camino similar al de Sidney Bechet y se radicó en Francia. Allí encontró un público más receptivo a la música de Nueva Orleans y permaneció en Europa hasta su muerte, en 1973.
En 1959, en una de sus infrecuentes visitas a a Estados Unidos, Nicholas se reunió con el pianista Art Hodes, el contrabajista Earl Murphy y el baterista Freddie Kohlman para una sesión dedicada a standards y blues y grabaron “The New Orleans-Chicago Connection”, un disco sin complicaciones ni pretensiones renovadoras. El cuarteto vuelve a la esencia del jazz tradicional: melodía, improvisación colectiva y swing, encabezados por el sonido cálido y lírico del clarinete de Nicholas.


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Durante los años sesenta, Chick Corea comenzó a hacerse un nombre junto a músicos de primer nivel mientras desarrollaba paralelamente su carrera como líder. El gran salto llegó en 1968 con la grabación de “Now He Sings, Now He Sobs”, el disco con el que cerramos nuestro primer programa dedicado a su trayectoria.
MILES DAVIS - B*****S BREW LIVE - Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, July 5, 1969 - It’s About That Time - Miles Davis (tp) Chick Corea (el-p) Dave Holland (b) Jack DeJohnette (d)
La siguiente gran etapa comenzó ese mismo año, cuando Miles Davis lo incorporó a su grupo. Davis se encontraba entonces en plena búsqueda de nuevas direcciones musicales, y Corea fue uno de los jóvenes músicos que lo acompañaron en esa aventura.
La importancia de Corea durante este período fue enorme. Mientras muchos pianistas continuaban considerando el piano acústico como el centro de su actividad artística, él abrazó las posibilidades del Fender Rhodes y de los teclados eléctricos. Y no los utilizó simplemente como sustitutos del piano tradicional: desarrolló para ellos un lenguaje propio.
Durante el período en la banda de Davis participó en grabaciones históricas como “In a Silent Way” y “B*****s Brew”, dos discos fundamentales en el nacimiento del jazz fusión.
THE SONG OF SINGING - New York, April 7,8, 1970 - Toy room, Nefertiti - Chick Corea (p,perc) Dave Holland (b,perc) Barry Altschul (d)
A comienzos de los años setenta, Corea y el contrabajista Dave Holland se retiraron del grupo de Miles Davis para iniciar su propio conjunto.
Durante las actuaciones con Davis, y también en largas sesiones informales de improvisación, ambos habían desarrollado una estrecha afinidad musical. A ellos se sumó el baterista Barry Altschul, un músico igualmente interesado en la improvisación libre y en llevar el formato tradicional del trío de piano hacia territorios mucho más abstractos.
El primer álbum de esta colaboración fue “The Song of Singing”, grabado en 1970. Aquí Corea regresó al piano acústico, pero no al lenguaje de sus primeros años. La música es abierta, espontánea y profundamente colectiva.
PIANO IMPROVISATIONS VOL. 1 - Oslo, Norway, April 21 & 22, 1971 - Sometime ago - Chick Corea (p)
Unos meses después, Chick Corea decidió disolver Circle y, una vez más, cambiar de dirección. Sus primeras grabaciones fueron dos discos dedicados exclusivamente al piano solo.
El primero de ellos, “Piano Improvisations Vol. 1”, muestra a un Corea muy diferente al que acabamos de escuchar. La abstracción y la intensidad colectiva de Circle dan paso a una música íntima, melódica y profundamente personal.
El disco incluye además la primera grabación de “Sometime Ago”, una composición que con el tiempo se convertiría en una de las obras más conocidas de su repertorio.
RETURN TO FOREVER - New York, February 2 & 3, 1972 - Sometime ago / La fiesta - Joe Farrell (ts,sop,fl) Chick Corea (p,el-p) Stanley Clarke (b,el-b) Airto Moreira (d,perc) Flora Purim (vcl,perc)
Después de sus grabaciones de piano solo, Chick Corea volvió a cambiar de dirección. En 1972 fundó Return to Forever, un grupo que combinaba el jazz con ritmos latinoamericanos, melodías de gran lirismo y el uso cada vez más importante de los instrumentos eléctricos.
La primera formación, junto a Corea estaban el saxofonista y flautista Joe Farrell, el contrabajista Stanley Clarke, la cantante Flora Purim y el percusionista Airto Moreira. La voz de Purim y la presencia de la flauta y las percusiones brasileñas dan al grupo un carácter melódico, muy alejado de la abstracción de Circle.
Junto a Weather Report, The Headhunters y la Mahavishnu Orchestra, Return to Forever se convertiría en uno de los grupos fundamentales del jazz fusión de los años setenta y serviría además como plataforma para músicos como Clarke, Flora Purim, Airto Moreira y, más tarde, el guitarrista Al Di Meola.
Pero hoy escucharemos el comienzo de la historia: el primer Return to Forever.


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TYSHAWN SOREY MEMBERS... DON’T! - Live “Jazz Gallery”, New York, c. 2025 - Equipoise (pt. 1), Libra - Adam O’Farrill (tp,electronics) Mark Shim (ts) Lex Korten (p) Tyrone Allen, II (b) Tyshawn Sorey (d,arr) Fay Victor (vcl)
El baterista, compositor y director Tyshawn Sorey es una de las figuras más admiradas del jazz actual. En su más reciente trabajo, “Members… Don’t!”, rinde homenaje a un álbum fundamental de Max Roach, “Members, Don’t Git Weary”, publicado en 1968 en uno de los momentos más difíciles de la historia reciente de Estados Unidos. La música de Roach transmitía entonces un mensaje de resistencia y esperanza frente a las tensiones sociales y la lucha por los derechos civiles.
En lugar de interpretar fielmente aquellas composiciones, Sorey las toma como punto de partida para crear una obra completamente nueva. Grabado en vivo en el club Jazz Gallery de Nueva York, el álbum se desarrolla como una sola interpretación continua en la que la improvisación ocupa un lugar central.
Lo acompañan el trompetista Adam O’Farrill, el saxofonista Mark Shim, el pianista Lex Korten y el contrabajista Tyrone Allen. Juntos construyen una música intensa y expresiva, que mira al legado de Max Roach sin caer en la nostalgia y demuestra cómo esas ideas siguen teniendo plena vigencia en el jazz contemporáneo.
CHRISTIAN DILLINGHAM AS IT RELATES TO NOW - Chicago, IL, May 30, 2025 - As it relates to now, Delusional grandeur, The divine current - Greg Ward (as) Christian Dillingham (b) Jeremy Cunningham (d)
El contrabajista y compositor Christian Dillingham, ganador de un premio Grammy por su trabajo como intérprete, presenta “As It Relates To Now”, su tercer álbum como líder y el primero grabado en formato de trío. Lo acompañan dos destacados músicos de la escena de Chicago: el saxofonista alto Greg Ward y el baterista Jeremy Cunningham.
Sin recurrir a un instrumento armónico como el piano o la guitarra, el trío desarrolla un sonido abierto y muy comunicativo, en el que cada músico tiene amplio espacio para proponer ideas y dialogar con los demás. Las composiciones de Dillingham nacen, en parte, de las tensiones sociales y políticas del mundo actual, aunque el mensaje se transmite siempre a través de la música.
El álbum combina momentos de gran energía con pasajes más reflexivos. La estrecha compenetración entre el saxofón y el contrabajo, recuerda el vigor del hard bop clásico con un swing firme y contagioso.
STEVE LEHMAN THE MUSIC OF ANTHONY BRAXTON - Live “ETA”, Los Angeles, c. 2024 - Composition 34a, L.A. genes, Composition 23c - Steve Lehman (as) Mark Turner (ts) Matt Brewer (b) Damion Reid (d)
El saxofonista Steve Lehman dedica este nuevo álbum a la música de Anthony Braxton, uno de los compositores e improvisadores más influyentes del jazz contemporáneo y uno de sus primeros maestros. “The Music of Anthony Braxton”, grabado en vivo en el club ETA aquí en Los Ángeles, celebra los 80 años de Braxton con una lectura enérgica y profundamente personal de algunas de sus composiciones.
Lehman se presenta junto a su consolidado trío, integrado por el contrabajista Matt Brewer y el baterista Damion Reid, al que se suma como invitado el destacado saxofonista tenor Mark Turner. Lejos de intentar reproducir las versiones originales, el cuarteto ofrece una interpretación propia, donde la improvisación, el swing y la interacción entre los músicos ocupan un lugar central.
Cabe notar el contraste entre el sonido intenso y expresivo del saxofón alto de Lehman y el fraseo más sereno y elegante de Turner en tenor. Mientras tanto, Brewer y Reid forman una sección rítmica de extraordinaria compenetración. Es un concierto vibrante que no solo rinde homenaje al legado de Anthony Braxton, sino que también demuestra la permanente vigencia de su música en manos de una nueva generación de improvisadores.


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