PuroJazz

MONIKA HERZIG “TRANSPARENT” - Lanzamiento Marzo 6, 2026 - Look out, Please forget, Invincible - Tom Clark y Joe Donnelly (st y fl) Ted Nash (saxos) Monika Herzig (p/tecl) Peter Kienle (g/bnj) Jeremy Allen (b) Karina Colis (dr)
El álbum “Transparent” se plantea como un retrato familiar sonoro: una exploración íntima de lo que implica acompañar a un joven en un proceso de transición de género. Para darle forma, Herzig reunió a un grupo cercano de colaboradores, entre ellos su esposo y también padre trans, el guitarrista Peter Kienle, con la idea de abrir espacios de escucha, diálogo y empatía.
Como punto de partida, organizó encuentros con otros padres de personas trans que atravesaban situaciones similares. En esas conversaciones surgieron relatos sobre transformación, construcción de identidad, prejuicio social, conflicto y también redes de apoyo. Nada quedó fuera. “Lo trans es parte de la naturaleza —como una variación en los cromosomas de género—”, reflexiona Herzig. “Tenemos que apoyar a cada persona para que pueda ser quien es, de la forma más auténtica posible”.
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HANK ROBERTS CONGERIES OF ETHEREAL PHENOMENA - New York, 2018 - Welcome, Necklace, Evidence, Cayuga - Jacob Sacks (p) Hank Roberts (cello) Vinnie Sperrazza (d)
El violonchelista Hank Roberts es una figura clave del jazz creativo, reconocido por llevar su instrumento a territorios poco convencionales dentro del avant-garde. Nacido en 1955 en Indiana, comenzó con formación clásica, pero desde joven amplió su interés a otros instrumentos y estilos.
Su paso por Berklee, a los 19 años, fue decisivo para desarrollar un lenguaje propio que combina jazz, blues, folk y música clásica, con un uso característico de dobles cuerdas es decir tocar dos notas al mismo y y acordes, tres o más notas simultáneas. No fue hasta los años 80 que se instaló en Nueva York, donde rápidamente se integró a la escena downtown, colaborando con músicos como Bill Frisell y Tim Berne, quienes participan en su debut como líder, *Black Pastels* (1987).
Desde entonces, Roberts ha mantenido una carrera consistente, alternando proyectos personales y colaboraciones, siempre con un enfoque abierto y exploratorio que lo distingue dentro del jazz contemporáneo.
VIJAY IYER BLOOD SUTRA - New York, February 21, 2003 - Brute facts, Ascent, Stigmatism, Because of guns (Hey Joe redux) - Rudresh Mahanthappa (as) Vijay Iyer (p) Stephan Crump (b) Tyshawn Sorey (d)
*Blood Sutra*, el impactante trabajo de 2003 del pinista Vijay Iyer que siguió a *Panoptic Modes*, —incluida una mención de *JazzTimes*— entre los mejores discos del año. Más que una simple continuación, el álbum consolida una de las asociaciones más fértiles del jazz reciente: el diálogo entre Iyer y el saxofonista Rudresh Mahanthappa.
El cuarteto lo completan el contrabajista Stefan Crump, colaborador habitual de Iyer, y marca además el debut discográfico del baterista Tyshawn Sorey. Aunque entonces llevaba poco tiempo en la escena, Sorey ya mostraba un estilo singular: potente pero preciso, siempre en movimiento, lleno de texturas cambiantes que ampliaban el lenguaje de la batería en el jazz contemporáneo.
Con excepción de “Because of Guns (Hey Joe Redux)”, que alude a la canción de Jimmi Hendrix, todas las composiciones son de Iyer. El resultado es un disco intenso y abierto, que funciona casi como una señal de rumbo para el jazz del siglo XXI.
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BOOKER ERVIN THAT’S IT ! - New York, January 6, 1961 - Poinciana, Booker’s blues - Booker Ervin (ts) Felix Krull (p) [aka Horace Parlan (p) ] George Tucker (b) Al Harewood (d)
Asociado sobre todo a Charles Mingus —con quien grabó cerca de diez discos entre 1958 y 1961—, Booker Ervin fue uno de los grandes saxofonistas tenores de su generación, aunque no tan reconocido como varios de sus contemporáneos.
*That’s It!* es su tercer disco como líder, y se nota la influencia de su paso por el Jazz Workshop de Mingus. De hecho, el propio Mingus aparece citado varias veces en las notas del álbum, elogiando con entusiasmo a Ervin.
Aquí lidera un cuarteto muy sólido, con Horace Parlan al piano, George Tucker en contrabajo y Al Harewood en batería. Como pasó con muchos músicos que grabaron para Candid Records en esos años, el grupo suena especialmente inspirado, con más libertad y creatividad de lo habitual. Y eso ya es decir bastante en el caso de Ervin, que casi nunca hacía discos flojos.
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TOMMY FLANAGAN JAZZ POET : THE SUPER JAZZ TRIO - Englewood Cliffs, NJ, January 17 & 19, 1989 - Raincheck, Willow, weep for me, Caravan - Tommy Flanagan (p) George Mraz (b) Kenny Washington (d)
Con una carrera de décadas —en gran parte como acompañante de figuras como Miles Davis, J. J. Johnson o Sonny Rollins—, el pianista Tommy Flanagan se ganó un lugar privilegiado por su estilo elegante, preciso y siempre discreto. El álbum Jazz Poet, probablemente sea una de las mejores muestras para conocer su música.
En un trío de alto nivel, junto a George Mraz y Kenny Washington, Flanagan aborda un repertorio de estándares con un enfoque fresco y muy cuidado. El sonido es cálido y equilibrado, y la interacción entre los músicos —en especial entre contrabajo y batería— suma matices y profundidad. Lejos de cualquier rutina, estas versiones muestran cómo, en manos de Tommy Flanagan, el material más conocido puede sonar vivo y renovado.
MAKANDA KEN MCINTYRE / ERIC DOLPHY LOOKING AHEAD - Englewood Cliffs, N.J., June 28, 1960 - Lautir (2,5), They all laughed (2,5), Dianna (1,4) - Makanda Ken McIntyre (fl-1,as-2) Eric Dolphy (b-cl-4,as-5) Walter Bishop, Jr. (p) Sam Jones (b) Art Taylor (d)
Era bastante lógico que Ken McIntyre -también conocido como Makanda Ken McIntyre- tuviera la oportunidad de grabar en quinteto junto a Eric Dolphy: ambos compartían un enfoque multi-instrumentista, aunque con voces muy distintas. Publicado en el sello New Jazz Records, el disco reúne a un McIntyre de 24 años, recién salido del Conservatorio de Boston y lleno de ideas, con un Dolphy en pleno ascenso, ya reconocido por su trabajo con Chico Hamilton y, poco después, con Charles Mingus. En esta reedición, McIntyre toca saxo alto en cuatro temas y flauta en dos; sus incursiones en fagot, oboe o clarinete bajo vendrían poco después. Dolphy, por su parte, se mueve principalmente en el alto, pero también pasa por la flauta en un tema y utiliza el clarinete bajo en otro.
El grupo lo completan Walter Bishop Jr., Sam Jones y Art Taylor, quienes aportan solos precisos y un acompañamiento con mucho swing. En ese contexto, McIntyre logra sostenerse con soltura frente a la personalidad fuerte y creativa de Dolphy, a lo largo de varios temas originales y una composición de George Gershwin.


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THE DAVE BRUBECK QUARTET JAZZ AT OBERLIN - Oberlin, Ohio, March 2, 1953 - The way you look tonight, How high the moon - Paul Desmond (as) Dave Brubeck (p) Ron Crotty (b) Lloyd Davis (d)
Jazz at Oberlin, del cuarteto de Dave Brubeck, es un disco clásico que captura muy bien la energía y la creatividad del grupo. Fue grabado en 1953 en Oberlin College (Ohio) y muestra por qué este cuarteto fue tan influyente en la historia del jazz.
Desde el comienzo se siente la conexión entre los músicos. Brubeck, en piano, destaca por su estilo original y por usar ritmos poco comunes. El saxofonista Paul Desmond aporta un sonido suave, cálido y muy melódico. La base rítmica —Ron Crotty en contrabajo y Lloyd Davis en batería— sostiene todo con solidez.
Más allá del concierto, el disco ayudó a llevar el jazz a salas de concierto y a que se estudiara en universidades. Sigue siendo un álbum clave: accesible, innovador y muy accesible.
KENNY BURRELL LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, September 16 & 17, 1959 - All night long, Trio, Broadway, Soft winds - Kenny Burrell (g) Richard Davis (b) Roy Haynes (d)
En su disco A Night at the Vanguard, el guitarrista Kenny Burrell toca con gran fluidez, combinando líneas melódicas y acordes con naturalidad. Lo acompañan dos músicos también de primer nivel: el contrabajista Richard Davis y el baterista Roy Haynes. Juntos logran un sonido muy equilibrado.
El repertorio se basa en estándares. Hay momentos muy expresivos como “Will You Still Be Mine” y y otros más relajados como “Soft Winds” o la balada “I’m a Fool to Want You”. También destaca el blues “All Night Long” y un guiño al estilo de Duke Ellington en “Just A’Sittin’ and A’Rockin’”.
CHET BAKER IN NEW YORK - New York, September, 1958 - Hotel 49, Soft winds, Solar - Chet Baker (tp) Johnny Griffin (ts) Al Haig (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)
Chet Baker in New York muestra al trompetista en un contexto poco habitual. Conocido por su sonido suave, sus baladas, aquí se mueve hacia un terreno más directo y enérgico, cerca al estilo asociado a Miles Davis.
Grabado en Nueva York, el disco reúne a Baker con un grupo de primer nivel: el saxofonista Johnny Griffin, la única vez que Baker y Griffin grabaron juntos. El pianista es Al Haig y la espectacular sección rítmica de Paul Chambers y Philly Joe Jones.
Con esta alineación, el sonido es más intenso y con mayor empuje que el habitual en Baker. Sin dejar su lirismo, se adapta a un entorno más duro, con un enfoque más cercano al bebop y al jazz de la Costa Este, es decir Nueva York.


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La figura de Bill Savory (1916–2004) resulta fundamental para la historia del jazz grabado. Ingeniero de sonido, trabajó en cadenas radiales como NBC y CBS en los años 30 y 40. En una época dominada por grabaciones comerciales de apenas tres minutos, Savory captó actuaciones en vivo mucho más extensas y espontáneas. Gracias a ello, hoy podemos escuchar a músicos en un contexto más libre, cercano a la experiencia real del directo.
JOHN KIRBY AND HIS ORCHESTRA “FLOW GENTLY, SWEET RHYTHM” - CBS STUDIOS, NYC, June - July, 1940 - From A Flat To C, Blues Petite, Front And Center, Effervescent Blues , Minnie The Moocher’s Wedding Day - Charlie Shavers (tp), Buster Bailey (cl), Russell Procope (as), Billy Kyle (p), John Kirby (b), O’Neil Spencer (d), Canada Lee (narrator).
Entre estos registros destacan emisiones del programa “Flow Gently, Sweet Rhythm”, con la banda de John Kirby. Ninguna banda se benefició tanto —en cuanto a reputación— con la publicación de la Savory Collection como el sexteto de John Kirby Sextet. La razón se entiende de inmediato en los primeros compases de “From Ab to C”: suena como un tema de bop de fines de los cuarenta, pero en realidad fue escrito por el pianista Billy Kyle y grabado por el grupo en 1938.
Kyle venía de la escuela de Earl Hines, pero tenía un estilo propio: mano izquierda muy medida, mano derecha suelta y rítmica, y un sentido armónico que llamó la atención de pianistas más modernos, especialmente Bud Powell.
Después de ese arranque tan inusual —que no se parece mucho a nada típico del swing— la música se vuelve más reconocible. Ahí aparecen los solos: primero una trompeta con sordina de Charlie Shavers, y luego un coro compartido entre Buster Bailey y Russell Procope.
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LIONEL HAMPTON JAM SESSION “MAKE BELIEVE BALLROOM” - WNEW STUDIOS, NYC, December 28, 1938 - Star Dust, Chinatown, My Chinatown (1), Blues (LH-vcl), Rosetta - Charlie Shavers (tp), Vernon Brown (tb), Dave Matthews (as), Herschel Evans (ts), Lionel Hampton (vib, p-1, vcl), Howard Smith (p), Milt Hinton (b), Cozy Cole (d), Martin Block (announcer).
En el largo recorrido de Lionel Hampton (1908–2002), hay varios hitos que ayudan a entender no solo su energía inagotable, sino también su capacidad para reunir músicos y generar momentos únicos. Hampton vivió hasta los 94 años y mantuvo su big band activa por más tiempo que cualquiera de sus contemporáneos.
Después que dejó la orquesta de Benny Goodman en 1940, sus grupos y big bands funcionaron durante más de seis décadas.
Pero antes de consolidarse como líder, ya estaba en el centro de la escena. Un buen ejemplo es la sesión registrada el 28 de diciembre de 1938 en los estudios de WNEW en Nueva York, para el programa radial “Make Believe Ballroom”. Más que una grabación formal, se trata de una auténtica jam session: Hampton reunió a ocho músicos de primera línea que, aunque probablemente nunca habían tocado juntos en esa combinación exacta, compartían trayectorias cercanas.
La base rítmica incluía a Milt Hinton y Cozy Cole, ambos pilares de la sección de Cab Calloway. En trombón está Vernon Brown, y en alto Dave Matthews y el propio Hampton en vibráfono, todos ellos con experiencia en la banda de Goodman. En piano seleccionó a Howard Smith, que venía de tocar más de un año con Tommy Dorsey.
Dos figuras destacan especialmente en esta reunión. Por un lado, el tenor Herschel Evans, en una de sus últimas apariciones: le quedaban menos de dos meses de vida, y el más joven del grupo, con 21 años, el brillante trompetista, arreglista y compositor Charlie Shavers, cuya presencia anticipa el salto hacia una nueva generación.
Count Basie And His Orchestra CBS remote broadcast, Famous Door Jazz Club, NYC, August 31, 1938 Ed Lewis, Buck Clayton, Harry Edison (tp), Bennie Morton (tb), Dicky Wells, Dan Minor (tb), Earle Warren (as), Lester Young, Herschel Evans (cl, ts), Jack Washington (as, bari), Count Basie (p), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (d), Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl), Eddie Durham, Andy Gibson,Don Redman (arr).
COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA CBS REMOTE BROADCAST, FAMOUS DOOR JAZZ CLUB, NYC, August 31, 1938 - Honeysuckle Rose, Stop Beatin’ Around The Mulberry Bush (JR, ens.-vcl), Texas Shuffle, Alexander’s Ragtime Band, St. Louis Blues (JR-vcl - Ed Lewis, Buck Clayton, Harry Edison (tp), Bennie Morton (tb), Dicky Wells, Dan Minor (tb), Earle Warren (as), Lester Young, Herschel Evans (cl, ts), Jack Washington (as, bari), Count Basie (p), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (d), Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl), Eddie Durham, Andy Gibson,Don Redman (arr).
A lo largo de más de cuatro décadas, Count Basie (1904–1984) dirigió una de las grandes orquestas del jazz. Su apodo, “Count”, resume bien su estilo: economía, precisión y un sentido del swing basado en la elección exacta de cada nota. Desde el piano, Basie definió una elegancia relajada que se convirtió en marca registrada de su música.
No es exagerado decir que, sin la radio, su historia habría sido distinta. En los años 30, el mundo de la radiodifusión vivía una etapa de experimentación, con avances en calidad de sonido que permitían transmitir música con mayor fidelidad. Fue en ese contexto que el productor John Hammond, figura clave en la difusión del jazz, descubrió a la banda de Basie.
En 1935, Hammond escuchó por radio las emisiones regulares desde el Reno Club de Kansas City, donde los Barons of Rhythm tocaban seis noches a la semana. Impresionado por ese sonido flexible y con un sólido swing, gracias a su apoyo, la orquesta ampliada de Basie debutó en el Roseland Ballroom de Nueva York.
Así, de un circuito local en Kansas City, Basie pasó rápidamente a convertirse en una figura central del jazz, en buena medida gracias al poder de la radio para amplificar su música.
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HERBIE HANCOCK QUARTET - Tokyo, Japan, July 28, 1981 - Well you needn’t, The eye of the hurricane - Wynton Marsalis (tp) Herbie Hancock (p) Ron Carter (b) Tony Williams (d)
El 28 de junio de 1981, Herbie Hancock ingresó al estudio con el mismo núcleo que grabó el día anterior el disco Trio. Agregó a Wynton Marsalis para registrar Quartet. El repertorio combina estándares —incluidos dos de Thelonious Monk— con material asociado al segundo quinteto de Miles Davis y composiciones más recientes de Ron Carter y Tony Williams.
El grupo toca con una energía que nos recuerda al espíritu del grupo V.S.O.P. a fines de los setenta. Tras un inicio relativamente convencional, el discurso se desplaza hacia el territorio post-bop de mediados de los sesenta, donde Carter y Williams empujan con pulso firme a Marsalis y Hancock, generando una tensión sostenida. Hancock, por su parte, confirma aquí su vigencia como pianista acústico: complejo, inventivo y siempre estimulante.
Quartet fue clave en el despegue de Marsalis, al darle una plataforma de mayor visibilidad en la escena del jazz. Para Hancock, además, marcó la reactivación del concepto V.S.O.P. con la misma base rítmica y distintos invitados: en 1983 aparecería V.S.O.P. II, con Wynton y su hermano Branford Marsalis, seguido poco después por V.S.O.P. III.
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BILLY BANG THE FIRE FROM WITHIN - New York, September 19 & 29, 1984 - The glow of awareness, The nagual Julian (1), The mold of man - Ahmed Abdullah (tp) Billy Bang (vln) Oscar Sanders (elg) William Parker (b) John Betsch (d,cowbell) Thurman Barker (marimba) Charles “Bobo” Shaw (cowbell1)
Inspirado en un libro de Carlos Castañeda, el violinista neoyorquino Billy Bang reúne en The Fire From Within el fuego interno a un grupo poco convencional —trompeta, guitarra y marimba— para dar forma a un sonido atractivo, de textura ligera y muy abierto.
Las siete composiciones originales recorren distintos climas con naturalidad: desde el swing ágil y luminoso de “The Glow of Awareness”, pasando por el pulso polirrítmico con acento africano de “The Nagual Julian”, hasta el aire blusero de “The Mold of Man”.
El estilo de Bang siempre ha estado más cerca de una expresividad libre, casi “gitana”, que de una formación académica estricta. Aunque sus compañeros no alcanzan del todo la fluidez de sus solos, el trabajo de conjunto resulta tan disfrutable que The Fire From Within termina funcionando como una lograda síntesis entre tradición y búsqueda experimental.
AL COHN/BILL PERKINS/RICHIE KAMUCA THE BROTHERS ! - New York, June 24, 1955 - Rolling stone, Siouxzan, The walrus, Blue skies, Gay blade, Hags !, Proex - Al Cohn, Bill Perkins (ts,arr) Richie Kamuca (ts) Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) John Beal (b) Chuck Flores (d) Bob Brookmeyer, Nat Pierce (arr)
El álbum The Brothers! reúne a tres tenores muy afines —Al Cohn, Bill Perkins y Richie Kamuca— en una sesión tan disfrutable como reveladora de una época. A mediados de los años 50, la influencia de Lester Young estaba en su punto más alto, y aquí se siente con claridad: fraseo relajado, sonido ligero y una forma de balancear precisión con naturalidad que hace que, por momentos, los tres resulten casi indistinguibles.
Los músicos venían de la emblemática sección de vientos de Woody Herman, y este encuentro en formato reducido traslada esa lógica de conjunto a un contexto más íntimo. El repertorio combina originales de los propios integrantes y colaboradores cercanos como Nat Pierce, Bill Potts y Bob Brookmeyer, junto al estándar “Blue Skies”. Todo está tocado con soltura y swing, sin buscar grandes rupturas, pero con una cohesión notable.
El grupo se completa con Hank Jones en piano, guitarra a cargo de Jimmy Raney (acreditado como “Sam Beethoven”) o Barry Galbraith, más John Beal en contrabajo y Chuck Flores en batería. Un disco que fluye con elegancia y espíritu de época.
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