PuroJazz

CAMILA NEBBIA A REFLECTION DISTORTS OVER WATER - Woodstock, NY, July, 2024 - Driving through flood water, Transitoriness - Camila Nebbia (ts) Marilyn Crispell (p) Lesley Mok (d)
La saxofonista tenor argentina Camila Nebbia pertenece a una generación de improvisadores que entiende el jazz como un lenguaje abierto, donde la composición y la creación espontánea conviven sin jerarquías. “A Reflection Distorts Over Water” “un reflejo se distorsiona en el agua” representa un paso importante en ese recorrido al reunirla por primera vez con dos importantes figuras de la improvisación contemporánea: la pianista Marilyn Crispell y la percusionista Lesley Mok.
La relación con Crispell se remonta a 2016, cuando coincidieron en una residencia en Buenos Aires. Nebbia recuerda ese encuentro como una experiencia transformadora. Años más tarde conoció a Lesley Mok en el Banff Centre de Canadá, donde comenzó una colaboración que ha dado origen a diversos proyectos colectivos. Este álbum es el punto en que esos dos caminos finalmente convergen.
El trío llegó al estudio sin ensayos previos. Salvo una composición de Mok y algunas partituras abiertas propuestas por Nebbia, todo fue construido en el momento. Además de demostrar virtuosismo, la capacidad de convertir lo imprevisible en un discurso coherente es lo que hace del álbum una de las grabaciones más reveladoras de Camila Nebbia hasta la fecha.
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ORNETTE COLEMAN “THE ORNETTE COLEMAN TRIO AT THE GOLDEN CIRCLE, STOCKHOLM, VOLUME 1/2”, December 3, 1965. - Faces and places, European echoes - Ornette Coleman (as,tp 1,vln 1) David Izenzon (b) Charles Moffett (d,glockenspiel)
Aunque Ornette Coleman suele asociarse con cuartetos que revolucionaron el jazz moderno, “At the Golden Circle Stockholm, Volume One and Two” demuestran que su concepto de libertad no dependía de una determinada formación, sino de una manera distinta de entender el diálogo entre los músicos.
Registrado en vivo en diciembre de 1965, el álbum reúne a Coleman con el contrabajista David Izenzon y el baterista Charles Moffett en un trío sin un instrumento armónico con cada integrante asumiendo una responsabilidad mayor.
Izenzon y Moffett, dos músicos que rara vez reciben el reconocimiento que merecen dentro del avant garde de los años sesenta, son fundamentales para ese equilibrio entre independencia y cohesión. Lejos de limitar las posibilidades del grupo, el formato de trío permite que cada voz adquiera una claridad excepcional.
Más que un cambio de formato, “At the Golden Circle Stockholm” representa la confirmación de una idea que Ornette Coleman sostuvo durante toda su carrera: la verdadera innovación no consiste en romper las reglas, sino en encontrar nuevas maneras de interpretar la música.
LISA MEZZACAPPA AVANTNOIR - Oakland, CA, November 28 & 29, 2015 - Army Street, A bird in the hand, Ghosts [black and white, then blue] - Aaron Bennett (ts) William Winant (vib,perc,foley) John Finkbeiner (el g) Lisa Mezzacappa (b,samples) Jordan Glenn (d) Tim Perkis (electronics)
La contrabajista y compositora Lisa Mezzacappa en “AvantNOIR” se inspira en dos autores fundamentales de la novela noir: Dashiell Hammett, creador del detective moderno, y Paul Auster, quien décadas más tarde reinventó ese universo desde una mirada mucho más ambigua y contemporánea. Sin embargo, el objetivo del disco no es ilustrar esas historias, sino utilizarlas como punto de partida para la creación musical.
Cada composición toma como referencia un relato o una novela, pero el resultado desarrolla una identidad propia. Mezzacappa organiza un amplio ensamble donde los timbres cambian constantemente, las voces se entrelazan y la música avanza con la misma sensación de incertidumbre que caracteriza a los mejores relatos policiales.
Más que traducir personajes o episodios, “AvantNOIR” explora ideas como el misterio, la tensión y la incertidumbre. El disco confirma a Lisa Mezzacappa como una compositora que entiende el jazz contemporáneo como un espacio donde pueden encontrarse la literatura, la improvisación y la composición, sin que ninguna de ellas limite a las otras.
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CÉCILE MCLORIN SALVANT WITH EVERY BREATH I TAKE - Hilversum, the Netherlands, December 9 & 10, 2025 - With every breath I take, I’ll see you again, Being alive, Lush life - Cecile McLorin Salvant (vcl) acc by Metropole Orkest, Jules Buckley (cond) Darcy James Argue (arr)
Cécile McLorin Salvant nunca se ha limitado a cantar una canción. Antes de pronunciar la primera palabra parece haber examinado quién habla, qué desea decir y cuánto prefiere ocultar. Esa inteligencia dramática encuentra una dimensión nueva en *With Every Breath I Take*, su primer álbum grabado con una orquesta.
La acompaña la Metropole Orkest de los Países Bajos, dirigida por Jules Buckley, con arreglos de Darcy James Argue. Lejos de envolver la voz en un fondo meramente decorativo, Argue construye alrededor de cada canción un escenario diferente. La orquesta puede sugerir intimidad, ironía o desasosiego, mientras Salvant conserva un control absoluto sobre el relato, sin exagerar sus recursos ni convertir la emoción en espectáculo.
El repertorio reúne canciones de Duke Ellington, Billy Strayhorn, Stephen Sondheim, Noël Coward y Kurt Weill, además de una composición de la propia cantante. En *Barbara Song*, de *La ópera de los tres centavos*, Salvant recorre en ocho minutos una sucesión de actitudes y contradicciones, como si el personaje se transformara ante nosotros. En *Lush Life*, acompañada al piano por Sullivan Fortner, prescinde de todo exceso y deja que la resignación contenida en la letra se revele gradualmente.
“With Every Breath I Take” confirma que Salvant posee la imaginación necesaria para llenar un espacio orquestal sin perder la intimidad de una canción.
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JUHANI AALTONEN CONCLUSIONS - Porvoo, Finland, August 18-20, 2008 - Good old times, Consolation - Juhani Aaltonen (ts,fl,alto-fl) Iro Haarla (p,harp) Ulf “Uffe” Krokfors (b) Reino Laine (d)
Después de más de cinco décadas de trayectoria, muchos músicos sienten la necesidad de resumir su carrera o rendir homenaje a su propio pasado. Juhani Aaltonen elige otro camino. *Conclusions* no es un balance retrospectivo, sino la obra de un artista que sigue buscando nuevas respuestas.
Figura fundamental del jazz finlandés desde los años sesenta, Aaltonen descubrió muy temprano la fuerza transformadora de John Coltrane, cuya histórica visita a Helsinki dejó una huella profunda en toda una generación de músicos nórdicos. Sin embargo, con el paso de los años desarrolló un lenguaje propio, de gran lirismo, abierto a la improvisación y profundamente conectado con la tradición europea del jazz contemporáneo.
En este cuarteto se reúne con tres músicos que representan distintas etapas de su recorrido: la pianista y arpista Iro Haarla, el contrabajista Ulf Krokfors y el baterista Reino Laine. Todos contribuyen con composiciones, haciendo de *Conclusions* una obra verdaderamente colectiva.
El disco transmite serenidad, pero nunca conformismo. Cada interpretación revela a músicos que escuchan, dialogan y asumen riesgos con absoluta naturalidad. Lejos de cerrar una trayectoria, “Conclusions” demuestra que la experiencia puede convertirse en el mejor punto de partida para seguir explorando.
LAUREN SEVIAN BLUEPRINT - New York, December 10, 2007 - Blueprint, Elusive illusion, One for C. Payne - Mike DiRubbo (as-1) Lauren Sevian (bar) George Colligan (p) Boris Kozlov (b) Jonathan Blake (d)
Durante décadas el saxofón barítono ha permanecido a la sombra de sus parientes más populares. Aunque figuras como Harry Carney, Serge Chaloff, Pepper Adams o Cecil Payne demostraron que podía ser un instrumento de enorme expresividad, pocos músicos han decidido convertirlo en el centro de su carrera. Lauren Sevian pertenece a esa reducida tradición.
Ganadora de un premio Grammy y con una trayectoria profesional iniciada cuando apenas era una adolescente, Sevian presenta en *Blueprint* su álbum debut como líder. Más que una carta de presentación, el disco deja en evidencia una voz propia que conoce profundamente la historia del instrumento sin quedar atrapada en ella.
Acompañada por un sólido cuarteto integrado por Boris Kozlov en contrabajo, George Colligan en piano y Johnathan Blake en batería, Sevian alterna composiciones originales con homenajes implícitos a algunos de sus referentes, especialmente Cecil Payne. Su sonido posee la profundidad característica del barítono, pero también una agilidad y una libertad poco habituales en un instrumento que muchas veces ha sido relegado a funciones de acompañamiento.
“Blueprint” confirma la aparición de una intérprete que entiende la tradición como un punto de partida y demuestra que el saxofón barítono sigue siendo un territorio fértil para nuevas ideas.


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ONE FOR ALL F. GEORGE COLEMAN BIG GEORGE - New York, September 27, 2022 - Oscar winner (1), This I dig of you (1) - Jim Rotondi (tp) Steve Davis (tb) Eric Alexander (as,ts) George Coleman (ts-1) David Hazeltine (p) John Webber (b) Joe Farnsworth (d)
El grupo One for All, se inició hace más de veinticinco, mientras que muchas agrupaciones de su generación buscaron nuevos caminos, el sexteto eligió profundizar una tradición que sigue encontrando nuevas posibilidades cuando está en manos de grandes músicos. Integrado por Eric Alexander, Jim Rotondi, Steve Davis, David Hazeltine, John Webber y Joe Farnsworth, el grupo ha demostrado que la fidelidad a un estilo no significa repetirse.
En Big George invitan a participar en tres temas al saxofonista George Coleman, uno de los grandes maestros del jazz. Más que un homenaje, el disco propone un encuentro entre generaciones de músicos que comparten un mismo lenguaje. Coleman no aparece como una figura ceremonial ni como un invitado de lujo: toca como uno más del grupo, aportando la autoridad, el sonido y la imaginación que han distinguido su carrera durante más de seis décadas.
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STAN GETZ QUARTET GETZ AT THE GATE - “Village Gate”, New York, November 26, 1961 - Stella by starlight, Impressions - Stan Getz (ts) Steve Kuhn (p) John Neves (b) Roy Haynes (d)
Mientras John Coltrane ampliaba el vocabulario del saxo tenor y una nueva generación empujaba los límites del lenguaje, Stan Getz también exploraba esos territorios, pero sin renunciar al sonido elegante y luminoso que siempre lo distinguió
Getz at the Gate, registrado en vivo en el club Village Gate de Nueva York y publicado casi sesenta años después, captura ese momento irrepetible. Lo acompaña un cuarteto excepcional con Steve Kuhn en piano, John Neves en contrabajo y Roy Haynes en batería, un grupo que combina la sofisticación armónica con una energía poco habitual en el universo de Getz.
El repertorio refleja esa búsqueda. Junto a estándares como Stella by Starlight o Like Someone in Love aparecen composiciones asociadas al jazz moderno, como Impressions de John Coltrane y Airegin de Sonny Rollins. Getz responde con un fraseo más incisivo y una intensidad que sorprende, sin perder nunca la belleza de su sonido.
Más que anticipar lo que Getz haría después con Jazz Samba y Getz Gilberto, este álbum muestra a un músico plenamente comprometido con el presente del jazz incorporando nuevas ideas y demostrando que era posible dialogar con la modernidad sin renunciar a una voz propia.
LENA BLOCH ROSE OF LIFTA - Hampton, NJ, June 12, 2019 - Promise of return, Climbing rose of Lifta - Lena Bloch (ts) Russ Lossing (p) Cameron Brown (b) Billy Mintz (d)
Lena Bloch conoce bien lo que significa cambiar de país y comenzar de nuevo. Nacida en Rusia, vivió en Israel y en distintos lugares de Europa antes de establecerse en Nueva York en 2008, donde desarrolló una personalidad musical que refleja ese recorrido. En 2014 formó Feathery junto al pianista Russ Lossing, el contrabajista Cameron Brown y el baterista Billy Mintz, un cuarteto que privilegia la conversación musical por sobre el protagonismo individual.
Rose of Lifta profundiza esa búsqueda. Las siete composiciones del álbum —tres de ellas escritas por Russ Lossing— se suceden con la continuidad de una suite, mientras el grupo construye un discurso colectivo en el que cada instrumento aporta con la misma importancia. Hay ecos de Lennie Tristano y, de manera más sutil, resonancias de las tradiciones musicales de Oriente Medio, pero el resultado evita las referencias evidentes y termina encontrando una voz propia.
Más que impresionar por el virtuosismo, Feathery interesa por la manera en que sus integrantes escuchan y responden unos a otros. De esa interacción nace una música de gran sensibilidad, donde la idea de pertenencia, memoria y búsqueda de un hogar aparece sugerida sin necesidad de explicarse con palabras.
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Esta noche presentaremos a tres músicos que entendían el jazz de maneras muy diferentes, pero compartían una misma convicción: la tradición no es un lugar donde plantarse, sino un punto de partida. Mel Powell la expandió, Jo Jones la celebró y Ruby Braff la mantuvo viva.
MEL POWELL TRIO BORDERLINE - New York, August 17, 1954 - Makin’ whoopee, Quin and sonic, Cross your heart, Avalon - Paul Quinichette (ts) Mel Powell (p) Bobby Donaldson (d)
Mel Powell fue el joven pianista que brilló junto a Benny Goodman durante la era del swing. Sin embargo, a mediados de los años cincuenta su música había tomado un rumbo mucho más personal. Borderline es una excelente muestra de esa evolución: un disco que parte de la tradición, pero que nunca deja de explorar nuevos caminos.
Grabado con una formación poco habitual —piano, saxo tenor y batería, sin contrabajo—, el álbum crea un espacio sonoro abierto que permite a Powell desarrollar un lenguaje de gran libertad. Su conocimiento del swing sigue presente, pero ahora convive con armonías más osadas, cambios de dirección inesperados y melodías que desafían continuamente las expectativas del oyente.
El saxofonista Paul Quinichette acepta el desafío con naturalidad. En lugar de imponer un contraste, su sonido cálido aporta equilibrio a una música que alterna momentos de gran lirismo con otros de sorprendente audacia. Bobby Donaldson completa el trío con una batería siempre atenta al pulso y al diálogo entre los músicos.
Más que romper con el pasado, Mel Powell lo transforma. El álbum Borderline demuestra que era posible respetar la tradición del swing y, al mismo tiempo, ampliar sus horizontes con imaginación.
JO JONES THE JO JONES SPECIAL - Brooklyn, NY, August 11, 1955 - Makin’ whoopee, Quin and sonic, Cross your heart, Avalon - Emmett Berry (tp) Bennie Green (tb) Lucky Thompson (ts) Nat Pierce (p) Count Basie (p1) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)
The Jo Jones Special, grabado en 1955, muestra a un músico que nunca sintió la necesidad de romper con el pasado para seguir siendo moderno. Mientras el bebop transformaba el lenguaje del jazz, Jones continuó desarrollando la manera de tocar que había revolucionado veinte años antes junto a Count Basie. Su batería ya no marcaba el tiempo con el bombo, sino que hacía respirar a toda la orquesta desde el platillo, una innovación que cambió para siempre el papel del instrumento. En este disco demuestra que esa manera de entender el swing seguía siendo plenamente vigente.
Benny Green, Lucky Thompson, Emmett Berry, Walter Page y Nat Pierce integran un grupo de primer nivel que alterna momentos de gran refinamiento con otros de absoluta espontaneidad. Jones no busca exhibirse con largos solos; su verdadera grandeza está en cómo impulsa a los demás, creando una música que avanza con una naturalidad contagiosa.
La aparición inesperada de Count Basie en dos tomas de Shoe Shine Boy termina siendo casi un símbolo: dos de los grandes arquitectos del swing reunidos, no para mirar con nostalgia el pasado, sino para demostrar que esa música seguía siendo vigente.
RUBY BRAFF:
- RUBY BRAFF’S ALL STARS - New York, June 28, 1956 - Here’s Freddie, You’re lucky to me Ruby Braff (tp) Lawrence Brown (tb) Coleman Hawkins (ts) Ernie Caceres (bar) Don Elliott (vib) Nat Pierce (p) Freddie Green (g) Eddie Jones (b) Buzzy Drootin (d)
- BRAFF! - New York, July 10, 1956 - Indian summer, Moonglow, When my dreamboat comes home - Ruby Braff (tp) Don Elliott (vib) Nat Pierce (p) Freddie Green (g) Eddie Jones (b) Buzzy Drootin (d)
Mientras el bebop cambiaba para siempre el rumbo del jazz, Ruby Braff eligió mirar hacia atrás para seguir avanzando. Parecía haber nacido en la década equivocada. Diez años menor que Dizzy Gillespie y contemporáneo de Miles Davis, en lugar de abrazar la revolución modernista, encontró su propia voz profundizando en la tradición de Louis Armstrong y demostrando que la innovación también puede surgir desde las raíces.
En las dos sesiones de 1956 que vamos a escuchar, reunió un elenco extraordinario que incluye a Coleman Hawkins, Lawrence Brown, Dave McKenna, Freddie Green y Steve Jordan. Lejos de buscar el virtuosismo por sí mismo, todos ponen su talento al servicio de la melodía, creando un ambiente íntimo, elegante y de enorme calidez.
Braff toca con un sonido brillante y un fraseo que parece cantar cada melodía. La influencia de Armstrong es evidente, pero nunca se convierte en imitación. Su manejo de los silencios, los matices y la dinámica revela una personalidad inconfundible, capaz de descubrir nuevas posibilidades en canciones que parecían formar parte del repertorio de siempre.
Estas grabaciones muestran a un músico profundamente respetuoso de la tradición, pero también convencido de que el jazz solo permanece vivo cuando cada generación encuentra su propia manera de contar la misma historia.


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LEON ANDERSON LIVE AT SNUG HARBOR - New Orleans, LA, c. 2023 - The Bruz of Ad2, Lil’ Froggy’s blues - John Michael Bradford (tp) Ricardo Pascal (sax) Oscar Rossignoli (p) Rodney Jordan (b) Leon Anderson (d,comp)
El baterista, compositor y educador, Leon Anderson ha sido durante años una figura muy respetada de la escena de Nueva Orleans. Su debut como líder, Live at Snug Harbor, fue registrado en el histórico club de jazz donde acompañó durante largo tiempo a músicos como Victor Goines y Ellis Marsalis.
Más que un simple concierto, este álbum transmite la sensación de estar escuchando a un músico que se mueve con absoluta naturalidad en un escenario que conoce como su propia casa.
Las interpretaciones son relajadas, sin apuro, dejando espacio para que cada integrante del grupo despliegue su personalidad. Anderson evita el lucimiento fácil y privilegia el diálogo colectivo, apoyado en un sólido pulso y un refinado sentido de la dinámica.
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RAFAEL ZALDIVAR MEETING IN NEW YORK, VOLUME ONE - New York, April 14, 2026 - Walking with Christian, Caribbu - Rafael Zaldivar (p,comp,dir) Christian McBride (b) Francisco Mela (d)
El pianista cubano Rafael Zaldivar debuta en el catálogo de 577 Records con Meeting in New York, Volume One, un trío de excepción junto al contrabajista Christian McBride y el baterista cubano Francisco Mela. Es un encuentro entre tres músicos de trayectorias muy distintas que encuentran rápidamente un lenguaje común.
Zaldivar posee un estilo de gran lirismo y una notable claridad de ideas. Sus improvisaciones fluyen con naturalidad, sin perder nunca el sentido melódico, mientras sus composiciones ofrecen el espacio necesario para que el diálogo entre los tres músicos se desarrolle con absoluta libertad.
Francisco Mela aporta una batería siempre inquieta, llena de matices y cambios de dirección, capaz de impulsar la música sin imponerse sobre sus compañeros. Christian McBride, por su parte, demuestra una vez más por qué es uno de los grandes contrabajistas de nuestro tiempo. Aunque es ampliamente reconocido por su trabajo dentro del jazz más tradicional, aquí se mueve con la misma autoridad en un contexto más abierto y exploratorio.
Gigi Gryce Quintet The rat race blues - Englewood Cliffs, NJ, June 7, 1960 Strange feelin’ (1), Boxer’s blues, Blues in bloom Richard Williams (tp) Gigi Gryce (as) Richard Wyands (p) Julian Euell (b) Mickey Roker (d,tamborine-1)
A comienzos de la década de 1950, el saxofonista y compositor Gigi Gryce surgió como una de las figuras más prometedoras del hard bop. Influido por Charlie Parker, compartió escenario y estudios de grabación con músicos como Howard McGhee, Thelonious Monk, Max Roach, Clifford Brown y Donald Byrd. Rat Race Blues, grabado para Prestige, sería uno de sus últimos trabajos antes de abandonar inesperadamente la vida profesional del músico de jazz.
Musicalmente, en Rat Race Blues destacan el trompetista Richard Williams, de sonido poderoso y gran lirismo, y una sólida sección rítmica encabezada por Richard Wyands en piano. Es un disco que confirma el enorme talento de Gigi Gryce y deja la inevitable pregunta de cuánto más podría haber aportado al jazz si hubiese permanecido en los escenarios.


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