PuroJazz

WALTER SMITH III TWIO, VOL. 2, 13 y 14 de enero de 2025, Brooklyn, Nueva York - I should Care, Fall, Isfahan - Walter Smith III (st) Joe Sanders (b) Kendrick Scott (dr)
El saxofonista tenor Walter Smith III, tiene un sonido poderoso y un lenguaje que parte del post bop pero incorpora una mirada claramente contemporánea. En “Twio, Vol. 2” vuelve al formato que ya había explorado en “Twio”, de 2018: el trío de saxo, contrabajo y batería, sin piano.
Esta vez lo acompañan Joe Sanders en contrabajo y Kendrick Scott en batería, dos músicos con quienes Smith mantiene una relación de muchos años. A ellos se suman dos invitados de lujo: Ron Carter, que participa en cinco de los diez temas, y Branford Marsalis, presente en dos.
En el tema “Fall”, de Wayne Shorter, participa Ron Carter, quien había grabado la composición casi sesenta años antes con Miles Davis en “Nefertiti”. El trío ofrece una versión espaciosa y delicada que demuestra las posibilidades de este formato sin instrumento armónico. “Isfahan” es un dúo de Smith y Carter.
BARRY HARRIS TRIO BREAKIN’ IT UP - Chicago, July 31, 1958 - All the things you are, Ornithology, Bluesy, Allen’s Alley [Wee] - Barry Harris (p) William Austin (b) Frank Gant (d)
El pianista Barry Harris fue una de las figuras que mantuvieron vivo el lenguaje del bebop durante décadas. Nacido en Detroit, comenzó a tocar profesionalmente en los años cuarenta y se convirtió en una presencia importante de la escena local, tanto como músico como profesor. Fue pianista habitual del Blue Bird Inn, donde acompañó a muchos de los grandes jazzistas que pasaban por la ciudad. Su estilo estuvo profundamente ligado a Bud Powell, aunque también recibió la influencia de Thelonious Monk y, especialmente, de la música de Tadd Dameron.
Para “Breakin’ It Up”, grabado en Chicago en 1958, su primer álbum como líder, Harris formó un trío con William Austin en contrabajo y Frank Gant en batería. El disco muestra a un pianista que ya había definido buena parte de su lenguaje. En su estilo, Harris evita adornos innecesarios y se concentra en la melodía, el ritmo y la improvisación. Su toque es ligero pero firme, y las líneas tienen la fluidez y claridad características del bebop.
“Breakin’ It Up” es un excelente retrato del joven Barry Harris y del profundo vínculo que mantendría siempre con la tradición del bebop.
STEVE TURRE SANYAS - LIVE “SMOKE JAZZ CLUB”, New York, c. 2023 - Sanyas, These foolish things - Nicholas Payton (tp) Steve Turre (tb) Ron Blake (saxes) Isaiah J. Thompson (p) Buster Williams (b) Lenny White (d)
Steve Turre tenía poco más de veinte años cuando comenzó a hacerse conocer en el conjunto del trompetista Woody Shaw. En 1974 participó en “The Moontrane”, un disco fundamental de Shaw, que incluía “Sanyas”, una composición del propio Turre.
Cincuenta años después, el trombonista vuelve a ese tema para abrir “Sanyas”, su primer disco en vivo como líder, grabado en el Smoke Jazz Club de Nueva York.
Turre reunió para la ocasión una banda extraordinaria: Nicholas Payton en trompeta, Ron Blake en saxos, Isaiah J. Thompson en piano, Buster Williams en contrabajo y Lenny White en batería. Es un grupo con mucha experiencia, pero también con una energía que se siente desde los primeros minutos.
El repertorio mezcla composiciones vinculadas a la historia de Turre. Turre se mantiene en el centro con su sonido fuerte y expresivo, sin necesidad de dominar la música. “Sanyas” mira hacia sus comienzos junto a Woody Shaw, pero suena como un disco hecho plenamente en el presente.
Después de una trayectoria de mas de 5 décadas, “Sanyas” muestra a Steve Turre todavía profundamente ligado a sus raíces, pero tocando con la vitalidad y libertad de una banda plenamente contemporánea.


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GREG ABATE IN THE MOMENT - c. 2025 - All or nothin’, Black Sea, In the moment - Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d)
El saxofonista y flautista Greg Abate presenta en “In the Moment” composiciones de distintos períodos, algunos inspirados por recuerdos personales y familiares. Lo acompaña un cuarteto integrado por Bill O’Connell en piano, Harvie S en contrabajo y Steve Johns en batería.
Varias temas nacieron durante la pandemia, entre ellas “All or Nothin’” y el tema que da título al álbum. Pero, pese a ese origen, la música está lejos de ser sombría. “In the Moment” muestra a Abate como un músico de sonido cálido y seguro, acompañado por un grupo que toca con naturalidad, experiencia y un fuerte sentido de conjunto.
JOHN PATITUCCI TRIO IRMAOS DE FE - New York, September 8 & 9, 2016 - Samba do grande amor, Irmao de fe, Olha Maria, Sinha - Yotam Silberstein (g) John Patitucci (b,el-b) Rogerio Boccato (d,perc)
El contrabajista John Patitucci junta al guitarrista Yotam Silberstein y al percusionista Rogério Boccato en “Irmãos de Fé”, un disco dedicado a la música brasileña, con composiciones de autores como Milton Nascimento, Antônio Carlos Jobim, Chico Buarque, Egberto Gismonti y João Bosco.
Patitucci ha trabajado con Milton Nascimento, al igual que Boccato, y esa familiaridad se percibe en “Irmãos de Fé”, una de las dos composiciones de Nascimento incluidas en el álbum.
En “Olha Maria”, de Jobim, Vinicius de Moraes y Chico Buarque, Patitucci interpreta la melodía con arco, acompañado por la guitarra de Silberstein y la sutil percusión de Boccato. Es una interpretación contenida, donde los tres músicos parecen escuchar tanto como tocar.
El álbum concluye con “Sinhá”, de João Bosco y Chico Buarque, una composición que aborda la historia de la esclavitud en Brasil. A lo largo del disco, Patitucci, Silberstein y Boccato improvisan con libertad, pero sin imponerse sobre las canciones. Aquí, la técnica individual está siempre al servicio de la música.
MATT WILSON QUARTET + JOHN MEDESKI GATHERING CALL - Maggie’s Farm, Pipersville, Bucks County, PA, January 29, 2013 - Get over, get off and get on, If I were a boy, Pumpkin’s delight - Kirk Knuffke (cnt) Jeff Lederer (sop,ts,cl) John Medeski (p) Chris Lightcap (b) Matt Wilson (d)
El baterista Matt Wilson grabó “Gathering Call” con su cuarteto habitual y un invitado especial, el pianista John Medeski. Completan el grupo sus acompañantes habituales: Kirk Knuffke en corneta, Jeff Lederer en saxos y Chris Lightcap en contrabajo.
Wilson aporta seis de las trece composiciones, pero una de las características más atractivas del disco es la variedad del repertorio. “Get Over, Get Off and Get On”, escrita por el pianista Hugh Lawson y grabada originalmente por Yusef Lateef a fines de los años sesenta, permite escuchar el lado más cercano al soul jazz del grupo y una destacada participación de Medeski.
Duke Ellington aparece representado por dos piezas muy diferentes: “Main Stem”, procedente de su gran orquesta de comienzos de los años cuarenta, y la menos conocida “You Dirty Dog”, donde Lederer ocupa un lugar central con su saxo tenor. El grupo incluso transforma “If I Were a Boy”, popularizada por Beyoncé.



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NASHEET WAITS BETWEEN NOTHINGNESS AND INFINITY - Solignac, France, May, 2016 - Story line, Between nothingness and infinity, Unity - Darius Jones (ts) Aruan Ortiz (p) Mark Helias (b) Nasheet Waits (d)
Nasheet Waits es uno de los bateristas más destacados de su generación y un músico que ha llevado el papel de la batería mucho más allá del acompañamiento tradicional.
Waits creó el grupo Equality en 2007, inicialmente con el saxofonista Logan Richardson, el pianista Jason Moran y el contrabajista Tarus Mateen, estos dos últimos compañeros suyos en The Bandwagon, el trío de Moran. Con el tiempo, el proyecto fue cambiando de integrantes, pero mantuvo la misma idea: reunir músicos capaces de moverse libremente entre estructuras definidas y espacios abiertos a la improvisación.
En “Between Nothingness and Infinity”, grabado en Francia en mayo de 2016, Waits aparece con una formación especialmente interesante: Darius Jones en saxo alto, Aruán Ortiz en piano y Mark Helias en contrabajo.
La batería de Waits no se limita a sostener el ritmo. Comenta, provoca y modifica continuamente la dirección de la música. Hay una clara conexión con la tradición, pero también una voluntad de llevarla hacia otros terrenos. Esa combinación entre pasado y presente ha sido una constante en toda su trayectoria.
SULLIVAN FORTNER SOUTHERN NIGHTS, New York, July, 2023 - Southern nights, 9 bar tune, Tres palabras, Organ grinder - Sullivan Fortner (p,org,comp) Tyrone Allen, II (b) Kayvon Gordon (d,bata d)
En julio de 2023, el pianista Sullivan Fortner realizó una residencia de una semana en el Village Vanguard de Nueva York junto al contrabajista Peter Washington y el baterista Marcus Gilmore. Ambos habían trabajado anteriormente con Fortner, pero nunca habían tocado juntos. La conexión fue inmediata y, antes de terminar la semana, el pianista decidió llevar el trío al estudio. El sábado, antes de la actuación nocturna en el Vanguard, grabaron estas sesiones en Sear Sound, en Manhattan.
El espíritu de Nueva Orleans, ciudad natal de Fortner, está muy presente desde “Southern Nights”, composición de Allen Toussaint. La interpretación conserva algo del carácter relajado del original, pero pronto Washington y Gilmore impulsan la música hacia un terreno más jazzístico, con un ritmo flexible y referencias al *second line* de Nueva Orleans. En el piano de Fortner también se reconoce una tradición que pasa por Professor Longhair, Dr. John y James Booker.
El ambiente cambia con “I Love You”, de Cole Porter. Fortner comienza solo, explorando la melodía con armonías inesperadas, antes de la entrada del contrabajo y la batería. A partir de allí, el trío muestra la complicidad que había surgido durante aquellas noches en el Village Vanguard.
IMMANUEL WILKINS THE 7TH HAND - New York, c. 2021 - Emanation, Fugitive ritual, Shadow - Elena Pinderhughes (fl) Immanuel Wilkins (as) Micah Thomas (p) Daryl Johns (b) Kweku Sumbry (d) + Farafina Kan Percussion Ensemble : Kweku Sumbry, Agyei Keita Edwards (djembe) Adrian Somerville, Jr. (sangban) Jamal Dickerson (doundunba) Yao Akoto (kenkeni)
El saxofonista Immanuel Wilkins llamó la atención con “Omega”, su primer álbum como líder, publicado en 2020. Allí presentó también el cuarteto que mantiene en “The 7th Hand”: Micah Thomas en piano, Daryl Johns en contrabajo y Kweku Sumbry en batería.
Wilkins, nacido en Filadelfia y establecido en Nueva York, concibió “The 7th Hand” como una suite de siete movimientos que se suceden a lo largo de casi una hora. Cada uno puede escucharse como una pieza independiente, pero existen ideas musicales que reaparecen y establecen una continuidad entre ellas.
El título alude a una pregunta que Wilkins se planteó al escribir esta música: hasta dónde puede llegar un grupo cuando los músicos dejan de intentar controlar cada detalle y permiten que la improvisación determine el rumbo.
“Emanation” muestra muy bien esa idea. Wilkins presenta el tema con una sonoridad firme y expresiva, pero muy pronto la música se convierte en una conversación entre los cuatro integrantes. El pianista Micah Thomas adquiere particular protagonismo, mientras contrabajo y batería modifican continuamente el movimiento de la pieza.


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CHRISTOPHER DAMMANN DEAD WORDS - Chicago, IL, June 24, 2025 - Montrose B, This is an unraveling - James Davis (tp,electronics) Jon Irabagon (stritch,effects) Jim Baker (p,synt) Christopher Dammann (b,comp) Mike Reed (d)
El contrabajista y compositor Christopher Dammann, radicado en Chicago, tiene una discografía relativamente reducida como líder. En “Dead Words” presenta un quinteto notable, con Jon Irabagon en stritch -un instrumento de la familia del saxofón, popularizado por el multi-instrumentista Rahsaan Roland Kirk- James Davis en trompeta, Jim Baker en piano y sintetizador, y Mike Reed en batería. El repertorio incluye cinco “spirituals” que Dammann transforma y utiliza como punto de partida para la improvisación.
“Montrose B” abre el disco con un lenguaje cercano al post bop. Después de una introducción del contrabajo, Irabagon y Davis presentan el tema y se suceden los solos, sostenidos por una sección rítmica flexible y muy activa. Irabagon aporta su sonido incisivo, mientras Baker y Davis ofrecen intervenciones más contenidas.
El grupo se desplaza hacia terrenos más libres en “Untitled” y “Two Themes for Improvisation”. Allí cobra especial importancia el sintetizador ARP 2600 de Baker, que introduce sonidos electrónicos y texturas abstractas, mientras Dammann utiliza también el arco y Reed responde con gran atención a los cambios de dirección.
“White Gladis”, inspirada por el contrabajista Paul Chambers, recupera un carácter más melódico y cercano al blues. “Dead Words” encuentra así un atractivo equilibrio entre composición e improvisación, entre el jazz de tradición post-bop y la larga historia experimental de Chicago.
GARRY DIAL TRIO NEVER IS NOW - New York, December 3 4, 1984 & August 10 11, 1986 - I dig your do, The place for you is here, Patience, Never is now - Garry Dial (p) Jay Anderson (b) Joey Baron (d)
El pianista Garry Dial comenzó a destacarse a fines de los años setenta como integrante del quinteto de Red Rodney e Ira Sullivan, un grupo que buscaba ampliar el lenguaje del bebop incorporando nuevas composiciones y formas más abiertas. Dial había estudiado en Berklee y, anteriormente, recibido importantes lecciones de Mary Lou Williams. Ya instalado en Nueva York, Dial trabajó con la familia de Duke Ellington revisando y grabando su archivo, antes de iniciar su asociación con Rodney y Sullivan.
Never Is Now fue grabado durante ese período, aunque permaneció inédito hasta su publicación en 1991. Junto a Dial aparecen dos músicos que tendrían carreras muy destacadas: Jay Anderson en contrabajo y Joey Baron en batería.
El repertorio está formado casi enteramente por composiciones de Dial —doce en total— más “Around the Block with Willy”, de Anderson. Es una buena muestra del pianista en una etapa relativamente temprana de su carrera. La música conserva una clara relación con el jazz moderno y el swing, pero evita caminos demasiado previsibles, tanto en las composiciones como en la interacción del trío.
La grabación anticipa además algunos rasgos que Dial desarrollaría posteriormente junto al saxofonista Dick Oatts en “Dial & Oatts”: con sus composiciones elaborada y una libertad rítmica.
OSSIE JOHNSON OSIE’S OASIS
New York, February 1955:
- Osie’s oasis (1), Cokernut tree - Abdul Salaam (tp) [ William “Chieftie” Scott (tp) ] Thad Jones (tp) Henry Coker (tb) Ernie Wilkins (as) Frank Wess (ts,fl) Charlie Fowlkes (bar) Wendell Marshall (b) Osie Johnson (d)
- Catwalk - Thad Jones (tp) Bill Hughes (tb) Frank Wess (ts,fl) Dick Katz (p) Milt Hinton (b) Osie Johnson (d,vcl)
- Blues for the camels - Benny Powell (tb) Frank Wess (ts,fl) Dick Katz (p) Eddie Jones (b) Osie Johnson (d)
El baterista Osie Johnson participó en innumerables grabaciones durante los años cincuenta y sesenta, pero muy pocas veces tuvo la oportunidad de entrar al estudio como líder. “Osie’s Oasis” reúne dos sesiones realizadas en febrero de 1955 para el sello Period, cuando Johnson formaba parte de la orquesta de Count Basie.
Buena parte de los músicos provenía precisamente de esa formación. Están Thad Jones en trompeta y Frank Wess en saxo tenor y flauta, pero uno de los atractivos del disco es escuchar con mayor espacio a instrumentistas que dentro de la gran orquesta tenían menos oportunidades como solistas. Entre ellos aparecen los saxofonistas Charlie Fowlkes y Ernie Wilkins y los trombonistas Henry Coker y Bill Hughes. El pianista Dick Katz es uno de los pocos músicos que no pertenecían entonces a la banda de Basie.
Johnson compuso y arregló buena parte del repertorio y, aunque dirige la sesión desde la batería, reserva para sus compañeros la mayor parte de los solos. **Incluso canta en su composición “Don’t Bug Me, Hug Me”.
“Osie’s Oasis” conserva mucho del espíritu de Basie: swing, precisión y una aparente facilidad para hacer que todo fluya. Pero en un conjunto más pequeño permite apreciar individualmente a músicos que habitualmente escuchamos formando parte de una de las grandes orquestas del jazz.


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SARAH HANAHAN AMONG GIANTS - New York, June 8 & 9, 2023 - Resonance, On the trail - Sarah Hanahan (as) Marc Cary (p) Nat Reeves (b) Jeff “Tain” Watts (d) Bobby Allende (perc1)
Sarah Hanahan, la saxofonista alto y compositora, pertenece a una nueva generación de músicos estrechamente vinculados con la tradición del bebop. Aunque inicialmente se acercó a la música a través de la batería —instrumento que tocaba su padre—, lleva casi dos décadas dedicada al saxofón.
Un momento decisivo llegó alrededor de los 16 años, cuando descubrió la música de Jackie McLean. Utilizando un libro de transcripciones de sus solos, aprendió nota por nota el de “Bird Lives”. Ese interés tendría consecuencias importantes: años después ingresó al Jackie McLean Institute of Jazz de la Hartt School of Music, en Connecticut, donde estudió dentro de la tradición que había despertado su vocación.
Su álbum debut, Among Giants, refleja claramente esa formación. Hanahan se presenta acompañada por tres músicos de enorme experiencia: Marc Cary en piano, Nat Reeves en contrabajo y Jeff “Tain” Watts en batería. Más que simples acompañantes, forman un poderoso trío rítmico frente al cual la joven saxofonista debe afirmar su propia personalidad.
Ese equilibrio entre tradición y búsqueda personal es precisamente el centro del disco. Hanahan reconoce abiertamente su deuda con el bebop y con sus maestros, pero no pretende reproducir el pasado. Among Giants plantea más bien una continuidad: aprender ese lenguaje, hacerlo propio y encontrar desde allí una voz que pueda aportar algo nuevo.
LINDA MAY HAN OH/MELISSA ALDANA BENEATH LIFTED SKIES - Acton, MA, February 4 & 5, 2026 - Duke Ellington’s sound of love, The sorcerer, Dance cadaverous, I’ll be seeing you, Shoulder to shoulder - Melissa Aldana (ts) Linda May Han Oh (b)
La contrabajista Linda May Han Oh y la saxofonista tenor Melissa Aldana se reúnen en Beneath Lifted Skies, un álbum en dúo publicado en agosto de 2026. Es un formato exigente: sin piano ni batería, las dos deben encargarse prácticamente de todo —melodía, armonía, ritmo y, sobre todo, del diálogo que mantiene viva la música.
El repertorio incluye principalmente estándares y temas vinculados al bebop, junto con algunas composiciones originales e improvisaciones. Pero Oh y Aldana no utilizan ese material para recrear el jazz de otra época. Las melodías conocidas funcionan como puntos de partida que pueden conservarse, fragmentarse o abrirse hacia terrenos más libres.
La combinación resulta especialmente atractiva por el contraste entre los instrumentos. El contrabajo de Han Oh puede establecer el pulso y sostener la armonía, pero también asumir un papel melódico y responder directamente al saxo. Aldana, por su parte, aprovecha el espacio disponible para desarrollar sus líneas sin las restricciones de una sección rítmica convencional.
Ambas conocen profundamente la tradición del jazz, aunque llegaron a ella desde lugares muy distintos: Han Oh nació en Malasia y creció en Australia; Aldana nació en Santiago de Chile. Beneath Lifted Skies muestra cómo esa tradición puede servir no como un conjunto de reglas, sino como un lenguaje común desde el cual dos músicos pueden conversar con absoluta libertad.
THE BILL HOLMAN BAND A VIEW FROM THE SIDE - Hollywood, CA, April 24 & 25, 1995 - I didn’t ask (1), Petaluma Lu (1), The peacocks - Carl Saunders, Frank Szabo, Ron Stout, Bob Summers (tp,flhrn) Jack Redmond, Andy Martin (tb) Bob Enevoldsen (vtb) Kenny Shroyer (btb) Lanny Morgan (as,fl) Bill Perkins (as,sop,fl) Pete Christlieb (ts,fl) Ray Herrmann (ts,sop) Bob Efford (bar,bcl) Rich Eames (p) Doug MacDonald (elg1) Dave Carpenter (b) Bob Leatherbarrow (d) Bill Holman (arr,ldr)
Bill Holman fue uno de los grandes arreglistas del jazz moderno y una figura especialmente importante en la historia de las grandes orquestas de la Costa Oeste. Se dio a conocer durante los años cincuenta escribiendo para Stan Kenton, contribuyendo decisivamente a transformar el sonido de su orquesta. Aunque era también un excelente saxofonista tenor, desarrolló una personalidad inconfundible como compositor y arreglista.
A lo largo de su carrera escribió para músicos y orquestas tan diferentes como Woody Herman, Count Basie, Gerry Mulligan, Maynard Ferguson y Buddy Rich. Durante los años sesenta trabajó intensamente en los estudios de Los Ángeles, pero nunca abandonó la escritura para big band. Su propia orquesta continuó ensayando regularmente y presentándose ocasionalmente en el área de Los Ángeles. Holman permaneció activo hasta poco antes de su muerte, en 2024.
A View from the Side, grabado con su orquesta de mediados de los noventa, reúne a destacados músicos de la escena angelina. Los arreglos pueden ser densos y complejos, pero conservan siempre el impulso rítmico y el swing. Una característica fundamental de Holman es que sus piezas evolucionan continuamente: las ideas aparecen, se modifican y conducen a otras nuevas, en lugar de limitarse a repetir una estructura.
Temas como “No Joy in Mudville”, con Pete Christlieb en saxo tenor y Bob Efford en clarinete bajo, muestran esa combinación de precisión, riqueza orquestal y energía que distingue la escritura de Bill Holman.
Instalado durante décadas en Los Ángeles, Holman formó parte de una extraordinaria comunidad de músicos vinculados tanto al jazz como al trabajo de estudio, y mantuvo allí su propia big band hasta sus últimos años.
Durante muchos años con cierta frecuencia se comentó que músicos establecidos en la Costa Oeste no habían recibido el reconocimiento que merecían, en parte por encontrarse alejados de Nueva York, supuesto centro de la actividad y la cultura jazzística. Quizás esa percepción tuvo alguna validez en determinados momentos, pero no describía lo que vi en julio del 2019 en el Kirk Douglas Theater aquí en Los Angeles.
Holman subió al escenario frente a una sala llena para dirigir su excelente big band y escuchar en vivo sus arreglos. Grabé en video uno de los temas completos de aquella actuación, lo compartiré en rbarahona.substack.com.


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