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BENNY GOODMAN & PEGGY LEE
A mediados de 1941, Benny Goodman incorporó a su orquesta a Peggy Lee, una cantante prácticamente desconocida. Tenía 21 años cuando reemplazó a Helen Forrest, cantante de tres de las grandes bandas más populares de la Era del Swing, además de Goodman, Artie Shaw y Harry James), ganándose así una reputación como “la voz de las bandas de nombre”. Lee no tenía una voz potente ni espectacular, pero justamente allí estaba su atractivo: cantaba con naturalidad, control y una intimidad poco habitual entre las vocalistas de las grandes bandas.
Las grabaciones de noviembre y diciembre de 1941 muestran cómo esa personalidad comienza a definirse. Goodman le ofrece un marco particularmente favorable, con una excelente orquesta y sus excelentes arreglos. En “Somebody Else Is Taking My Place”, “How Long Has This Been Going On?” o “Not Mine”, su fraseo es relajado, las palabras parecen surgir de una conversación y, aun frente a toda una big band, conserva una notable sensación de cercanía.
La sesión del 24 de diciembre resulta especialmente interesante porque reduce el conjunto y deja todavía más espacio a la cantante. En “Blues in the Night”, “Where or When” y “On the Sunny Side of the Street”, la voz puede integrarse a un ambiente más íntimo, casi de pequeño grupo.
Peggy Lee permanecería con Goodman hasta 1943. Fue una etapa relativamente breve, pero decisiva: fue cuando comenzó a desarrollarse la cantante sutil, económica y extraordinariamente personal que pronto se convertiría en una de las voces más reconocibles de la música popular estado-unidense.
BENNY GOODMAN BAND W/ PEGGY LEE - Benny Goodman And His Orchestra / sextet
- New York, November 13, 1941 - Somebody else is taking my place (pl vcl,mp arr) - Billy Butterfield, Jimmy Maxwell, Al “Slim” Davis (tp) Lou McGarity, Cutty Cutshall (tb) Benny Goodman (cl) Julie Schwartz, Clint Neagley (as) Vido Musso, George Berg (ts) Chuck Gentry (bar) Mel Powell (p,arr) Tom Morgan (g) Sid Weiss (b) Ralph Collier (d) Peggy Lee (vcl)
- New York, November 27, 1941 - Winter weather, Ev’rything I love, Not mine - Joe Ferrante o Bernie Privin (tp) Sol Kane (as) replace Billy Butterfield, Julie Schwartz, Art Lund (vcl) added, [aka Art London (vcl)
- New York, December 24, 1941 - Blues in the night (pl,lm vcl,1), On the sunny side of the street (pl vcl) - Benny Goodman (cl) Lou McGarity (tb,vcl) Cutty Cutshall (tb-1) Mel Powell (p,celeste-2) Tom Morgan (g) Sid Weiss (b) Ralph Collier (d) Peggy Lee (vcl)

GENE KRUPA EN HOLLYWOOD, 1946
El baterista y director de orquesta Gene Krupa, había alcanzado enorme popularidad como baterista de Benny Goodman antes de formar su propia orquesta. Su espectacularidad seguía siendo parte importante de su personalidad, pero estas grabaciones permiten escuchar algo más: un director atento a los nuevos sonidos que comenzaban a abrirse paso dentro de las grandes bandas.
En 1946 llevó su orquesta a los estudios de Capitol en Hollywood para una serie de grabaciones que muestran a una big band en plena transición. Krupa seguía siendo una de las grandes figuras surgidas de la era del swing, pero su orquesta ya comenzaba a incorporar algunos de los cambios que estaban transformando al jazz de posguerra.
La banda tenía excelentes solistas. Charlie Ventura ocupaba uno de los puestos de saxo tenor, mientras el joven Red Rodney formaba parte de la sección de trompetas. Junto a ellos aparece un nombre particularmente interesante: Gerry Mulligan, entonces con apenas 18 años, entre los arreglistas. Estas sesiones conservan el impulso y la claridad rítmica del swing, pero deja entrar armonías, arreglos y voces instrumentales más modernas. En 1946 la era de las grandes orquestas todavía estaba viva, aunque el jazz ya comenzaba a mirar en otra dirección.
THE GENE KRUPA ORCHESTRA CAPITOL TRANSCRIPTION SESSION, Hollywood, CA, April 1,2, 1946 - I’ll never be the same, Lover, Some day soon, And then I looked at you (bs vcl), Porter stomp, Blue Lou - Red Rodney, Joe Triscari, Ray Triscari, Jimmy Milazzo (tp) Bob Ascher, Dick Taylor, Nick Gaglio, Tasso Harris (tb) Harry Terrill, Charlie Kennedy (as) Charlie Ventura, Buddy Wise (ts) Joe Koch (bar) Teddy Napoleon (p) Mike Triscari (g) Irving Lang (b) Gene Krupa, Joe Dale (d) Carolyn Grey, Buddy Stewart (vcl) Gerry Mulligan, George Williams, Eddie Finckel, Budd Johnson, Ray “Remo” Biondi (arr)
WOODY HERMAN - FIRST HERD
Entre 1936 y 1944, la orquesta de Woody Herman fue una banda difícil de encasillar. Conocida inicialmente como “The Band That Plays the Blues”, interpretaba también baladas, música de baile e instrumentales cercanos al dixieland. Esa variedad le daba amplitud, aunque al mismo tiempo impedía que desarrollara una identidad musical claramente definida.
El cambio hacia la orquesta que sorprendería al mundo del jazz en 1945 —el célebre “First Herd”— fue gradual. Ya en 1941 algunas grabaciones mostraban una banda capaz de competir, en energía y swing, con las mejores orquestas de Benny Goodman, Artie Shaw o Charlie Barnet.
La transformación se aceleró entre 1943 y 1944 con la llegada de músicos decisivos. El baterista Dave Tough fortaleció la sección rítmica; Bill Harris y Flip Phillips, trombón y saxo tenor, aportaron dos voces solistas de enorme personalidad, mientras los arreglos de Ralph Burns y Neal Hefti acercaron decididamente la banda al nuevo lenguaje del bebop.
También fue fundamental el contrabajista Chubby Jackson, menos por su virtuosismo que por su extraordinaria energía y capacidad para impulsar al conjunto.
“Apple Honey”, “Caldonia” y “Northwest Passage” muestran finalmente una orquesta con sonido propio: poderosa, moderna y extraordinariamente excitante.
WOODY HERMAN AND HIS ORCHESTRA “THE THUNDERING HERDS” - New York, February. March & August 19, 1945 - Apple honey, Caldonia, Goosey gander, Northwest passage, Bijou - Sonny Berman, Charles Frankhauser, Ray Wetzel, Pete Candoli, Carl Warwick (tp) Ralph Pfeffner, Bill Harris, Ed Kiefer (tb) Woody Herman (cl,as,vcl) Sam Marowitz, John LaPorta (cl,as) Flip Phillips, Pete Mondello (ts) Skippy DeSair (bar) Marjorie Hyams (vibes) Ralph Burns (p,arr) Billy Bauer (g) Chubby Jackson (b) Dave Tough (d) Frances Wayne (vcl) Roger Segure, Jiggs Noble, Neal Hefti (arr)


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La vida de Bud Powell es una de las historias sobresalientes y también más dolorosas del jazz. Su importancia no reside solamente en su virtuosismo: Powell estableció buena parte del lenguaje con que el bebop llegaría a tocarse en el piano.
Nacido Earl Rudolph Powell en Harlem, en 1924, comenzó a estudiar piano clásico desde niño. Art Tatum fue una influencia temprana, pero la figura decisiva fue Thelonious Monk, quien lo alentó, lo acercó a los músicos que estaban desarrollando el bebop y más tarde escribió “In Walked Bud” en su honor.
Powell transformó profundamente el papel del piano en el jazz moderno. Liberó la mano izquierda de los patrones regulares del stride, utilizándola de manera más selectiva para acordes y acentos rítmicos, mientras la derecha podía moverse con la velocidad y libertad melódica asociadas a Charlie Parker. Así demostró que el complejo lenguaje del bebop podía pertenecer al piano con la misma naturalidad que a los instrumentos de viento.
BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA
Su primera experiencia profesional importante llegó en 1943, con la orquesta de Cootie Williams. Dos años después, Powell fue golpeado por policías ferroviarios tras un incidente en Filadelfia. La relación exacta entre aquella agresión y sus posteriores problemas psiquiátricos sigue siendo incierta. Sorprendentemente, en medio de estas dificultades produjo parte de su mejor música. Su período más extraordinario se extiende aproximadamente entre 1947 y 1953.
Es una grabación muy útil para mostrar a “Bud Powell antes de convertirse plenamente en la figura fundamental del piano bebop”. Su participación es relativamente discreta, pero la grabación tiene un importante valor histórico: permite escucharlo al comienzo de su carrera profesional, integrado a una orquesta popular, mientras en Nueva York comenzaba a tomar forma el nuevo lenguaje del bebop que muy pronto lo tendría como uno de sus protagonistas fundamentales.
BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA “ECHOES OF HARLEM”, New York, January 4, 1944 - Floogie boo (cw,ecv vcl) - Cootie Williams (tp,vcl) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Eddie “Lockjaw” Davis (ts) Bud Powell (p) Norman Keenan (b) Sylvester “Vess” Payne (d)
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THE BUD POWELL TRIO
“Tempus Fugit” and “Celia,” son dos de muchas excelentes composiciones de Powell, estas se grabaron con Ray Brown y Max Roach en 1949.
Lo que es notable de las sesiones del sello Clef, es que gran parte del enfoque único de Powell se expresa decisivamente en esas piezas; gran parte del piano moderno, tal como ha evolucionado en los últimos setenta y cinco años, proviene de ellas. Cada selección es magistral y de una manera diferente y da testimonio de la originalidad de Powell como compositor y pianista. En su economía y poder de late, así como en su impecable articulación, el “Tempus Fugit” de 155 segundos (también conocido como “Tempus Fuguit”) representa un punto de demarcación para el piano de jazz y para el jazz en sí.
THE BUD POWELL TRIO New York, February 23, 1949 - Tempus Fugit, Celia - Bud Powell (p) Ray Brown (b) Max Roach (d)
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BUD POWELL’S MODERNISTS
En agosto de 1949, Bud Powell reunió para Blue Note un quinteto extraordinario bajo el nombre de “Bud Powell’s Modernists”. Lo acompañan Fats Navarro en trompeta, un jovencísimo Sonny Rollins en saxo tenor, Tommy Potter en contrabajo y Roy Haynes en batería.
De esas sesiones surgieron varias composiciones de Powell que se convertirían en clásicos del bebop, entre ellas “Bouncing with Bud”, “Wail” y “Dance of the Infidels”. Son grabaciones que permiten apreciar no solamente al formidable pianista, sino también a un compositor que ya dominaba plenamente el nuevo lenguaje y sabía cómo escribir para un pequeño conjunto.
Dos años después encontramos a Powell completamente solo en “Parisian Thoroughfare”. Es una pieza breve, rápida y llena de movimiento, inspirada en el ambiente de París, una ciudad que ya ejercía una fuerte atracción sobre los músicos de jazz estadounidenses. Con el tiempo se convertiría en una de las composiciones más conocidas y características de Bud Powell.
BUD POWELL BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the Infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d)
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THE BUD POWELL TRIO
La sesión del 1 de mayo de 1951, con Curly Russell en contrabajo y Max Roach en batería, produjo una de las composiciones más extraordinarias de Powell: ““Un Poco Loco””. La pieza incorpora un aire afrocubano, pero lo lleva a un terreno muy personal, con una estructura rítmica insistente sobre la cual Powell construye líneas angulares, desplazamientos y acentos inesperados.
Las tres tomas muestran muy bien algo esencial en Powell: una composición podía ser al mismo tiempo una estructura cuidadosamente concebida y un punto de partida para la invención espontánea.
THE BUD POWELL TRIO - New York, May 1, 1951 - Un poco loco - Bud Powell (p) Curly Russell (b) Max Roach (d)
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“INNER FIRES: THE GENIUS OF BUD POWELL” Recoge una actuación del 5 de abril de 1953 en el Club Kavakos de Washington D.C.”, con Charles Mingus en contrabajo y Roy Haynes en batería. La grabación tiene especial interés porque permite escuchar a Powell fuera del ambiente controlado del estudio, frente al público y con una sección rítmica de enorme personalidad. “Inner Fires permite escuchar de cerca la intensidad, imaginación y espontaneidad que Bud Powell podía alcanzar en una noche de club”, y recuerda que su música adquiría una dimensión diferente cuando tenía libertad para extenderse frente a una audiencia.
BUD POWELL TRIO INNER FIRES - THE GENIUS OF BUD POWELL - Live “Club Kavakos”, Washington, D.C., April 5, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Roy Haynes (d)
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BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”,
Jazz at Massey Hall, grabado en Toronto el 15 de mayo de 1953, reunió a cinco figuras fundamentales del bebop: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus y Max Roach. Pero además de la célebre actuación del quinteto, el concierto reservó un espacio importante para Powell al frente de su propio trío.
Acompañado por Mingus y Roach, Powell se encontraba esa noche en excelente forma. Su interpretación es enérgica, clara y muy concentrada, con esa combinación de velocidad, precisión y sentido rítmico que había convertido su manera de tocar en una referencia para toda una generación de pianistas. Mingus y Roach, dos músicos de enorme personalidad, responden constantemente a sus ideas y le dan al trío una gran libertad.
El repertorio combina standards con composiciones de Powell y permite escucharlo más allá del contexto del famoso encuentro entre Parker y Gillespie. Este segmento de Jazz at Massey Hall merece ser considerado por sí mismo: es un excelente retrato de Bud Powell y de su extraordinario dominio del formato de trío.
BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”, Toronto, Canada, May 15, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Max Roach (d)
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TRIO AT BIRDLAND “GLASS ENCLOSURE”
“Glass Enclosure”, grabada en 1953 con George Duvivier en contrabajo y Art Taylor en batería, es una de las composiciones más singulares de Bud Powell. A diferencia de muchas piezas de bebop, aquí no encontramos un tema seguido por una serie de improvisaciones.
En poco más de dos minutos, la música pasa por varias secciones de carácter muy diferente. Hay momentos tensos e inquietos que repentinamente dan paso a otros más tranquilos y reflexivos, antes de volver nuevamente a esa sensación de inestabilidad. Duvivier y Taylor tampoco funcionan solamente como acompañantes: forman parte de esos continuos cambios de ambiente.
“Glass Enclosure” muestra una faceta de Powell que a veces queda en segundo plano frente a su extraordinaria capacidad como pianista. Aquí sobresale especialmente el compositor, capaz de construir una pieza breve pero llena de contrastes, cambios inesperados y una permanente sensación de tensión. El título invita a relacionarla con las difíciles circunstancias de su vida, aunque no necesitamos convertirla en una descripción autobiográfica para apreciar la fuerza de la música.
BUD POWELL TRIO BROADCAST “BIRDLAND”, New York, September 5, 1953 Glass Enclosure Bud Powell (p) George Duvivier (b) Art Taylor (d)V
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A PORTRAIT OF THELONIOUS
En 1959 Bud Powell se instaló en París, donde encontró un ambiente más acogedor y comenzó a trabajar regularmente con dos excelentes músicos: el contrabajista francés Pierre Michelot y el baterista estadounidense Kenny Clarke. El trío llegó a ser anunciado como ““The Three Bosses””.
Con ellos grabó en diciembre de 1961 A Portrait of Thelonious, un homenaje a Thelonious Monk, figura fundamental en la vida de Powell. Monk lo había apoyado desde muy joven, lo acercó a los músicos que estaban creando el bebop y mantuvo con él una relación de amistad y admiración mutua.
Lo interesante del disco es que Powell no intenta tocar como Monk. Toma composiciones como “Ruby, My Dear”, “Off Minor” y “Monk’s Mood” y las lleva a su propio terreno. Las melodías y armonías tan características de Monk permanecen claramente reconocibles, pero Powell les imprime la fluidez, el impulso rítmico y las largas líneas melódicas propias de su manera de tocar.
De alguna manera, A Portrait of Thelonious completa un círculo: aquel músico que había ayudado al joven Powell aparece ahora homenajeado por un pianista que ya había dejado su propia huella profunda en la historia del jazz.
BUD POWELL TRIO A PORTRAIT OF THELONIOUS - Paris, France, December 17, 1961 - Off minor - Bud Powell (p) Pierre Michelot (b) Kenny Clarke (d)
La vida de Bud Powell estuvo marcada por enormes dificultades, pero su lugar en la historia del jazz no depende de ellas. Lo verdaderamente importante es la música que dejó y la transformación que produjo en la manera de tocar el piano.
Powell encontró una forma de trasladar al teclado la libertad melódica, la velocidad y la complejidad rítmica del bebop, y con ello abrió un camino que seguirían prácticamente todos los pianistas modernos. Desde los años cuarenta, su influencia puede escucharse en generaciones muy distintas, incluso entre músicos que desarrollaron lenguajes bastante alejados del suyo.
Pero Powell fue mucho más que un virtuoso o un modelo para otros pianistas. Fue también un compositor original y un improvisador capaz de combinar una enorme intensidad con momentos de sorprendente delicadeza.
Bud Powell no solamente fue uno de los grandes pianistas del bebop. Ayudó a definir lo que podía ser el piano en el jazz moderno.


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FAB TRIO TRANSFORMING THE SPACE - Rossie, NY, February 17 & 18, 2003 - Tales from da Bronx, Be out s’cool - Billy Bang (vln) Joe Fonda (b) Barry Altschul (d)
“Transforming the Space” —Transformando el espacio— reúne a tres músicos de larga trayectoria en el jazz de vanguardia: el violinista Billy Bang, el contrabajista Joe Fonda y el baterista Barry Altschul. Grabado en febrero de 2003 para el sello CIMP, en Rossie, Nueva York, el disco presenta una formación poco habitual: violín, contrabajo y batería, sin piano ni instrumentos de viento, lo que deja mucho espacio para que los tres músicos interactúen.
Cada uno aporta una personalidad muy definida. Billy Bang desarrolló un sonido inconfundible en el violín, lleno de energía, lirismo y con una fuerte conexión con el blues. Joe Fonda no se limita a sostener la música desde el contrabajo, sino que participa constantemente en la conversación. Y Barry Altschul, veterano de los grupos de Paul Bley, Anthony Braxton y Sam Rivers, utiliza la batería para impulsar la música, pero también para darle color y crear distintos ambientes.
El resultado es una música libre, pero siempre atenta al trabajo de conjunto. Hay momentos de gran intensidad y otros más tranquilos, en los que los músicos se dan tiempo para escucharse y responder. El título, “Transforming the Space”, resulta muy apropiado: aquí, lo que ocurre entre una nota y otra es casi tan importante como las notas mismas.
CHARLES TYLER VOYAGE FROM JERICHO - New York, July, 1974 - Voyage from Jericho (1), Return to the East - Earl Cross (tp) Charles Tyler (as,bar) Arthur Blythe (as-1) Ronnie Boykins (b) Steve Reid (d)
El saxofonista Charles Tyler inició su carrera a mediados de los años sesenta jnto a Albert Ayler, participando en sus importantes grabaciones *Bells* y *Spirits*. Poco después inició su carrera como líder grabando *Charles Tyler Ensemble* y *Eastern Man Alone*, dos discos que mostraban una voz propia dentro del free jazz, aunque su obra quedó algo eclipsada por figuras como el propio Ayler y Ornette Coleman.
En 1974 Tyler publicó *Voyage from Jericho* en su pequeño sello AK-BA Records, la limitada distribución impidió que el álbum tuviera mayor difusión, pero con el tiempo ha llegado a ser considerado uno de sus trabajos fundamentales. Aquí Tyler toca saxos alto y barítono y es acompañado por el trompetista Earl Cross, el contrabajista Ronnie Boykins, el baterista Steve Reid y, en dos temas, el saxofonista Arthur Blythe.
La pieza que da título al álbum comienza con un tema de aire marcial y rápidamente aumenta la intensidad. El poderoso barítono de Tyler contrasta con el sonido más cortante y vibrante de Blythe. En “Return to the East”, Tyler vuelve al alto y aparece con un sonido más ligero y delicado. En todo el disco se percibe además su interés por sonoridades de inspiración oriental, dentro de una música libre, intensa y muy personal.
EVAN PARKER & MATTHEW SHIPP REX, WRECKS & XXX, London October 22, 2013 - Rex 2, 3, Wrecks 2, Rex 6 - Evan Parker (st) Matthew Shipp (p)
“Rex, Wrecks & XXX”, grabado en Londres en 2012, reúne al saxofonista británico Evan Parker y al pianista estadounidense Matthew Shipp, dos músicos con una larga experiencia en el terreno de la improvisación. Vienen de ambientes musicales bastante diferentes, y quizás por eso resulta tan interesante escucharlos juntos.
El disco combina una sesión de estudio, con piezas relativamente breves, y una larga improvisación en vivo grabada en el Vortex de Londres. En ambos casos, lo más interesante es escuchar cómo Parker y Shipp reaccionan a lo que hace el otro. Aquí no hay realmente un solista y un acompañante: cualquiera de los dos puede proponer una idea y el otro recogerla, modificarla o llevarla en otra dirección.
Shipp cambia constantemente de carácter, pasando de acordes fuertes y densos a líneas rápidas o momentos mucho más tranquilos. Parker responde con su lenguaje tan personal en el saxofón tenor, a veces entrecortado e imprevisible, pero también capaz de producir momentos de sorprendente calidez.
En la improvisación en vivo disponen de más tiempo para desarrollar sus ideas. Hay momentos tranquilos y otros de gran intensidad, pero la música mantiene siempre el sentido de una conversación. En el fondo, eso es lo que escuchamos: dos músicos atentos el uno al otro, creando la música a medida que avanza.


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DUKE PEARSON SWEET HONEY BEE
- Englewood Cliffs, NJ, December 7, 1966 - Sweet honey bee, After the rain (fh,jh out,1), Big Bertha - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (fl 1,as 2) Joe Henderson (ts) Duke Pearson (p,arr) Ron Carter (b) Mickey Roker (d)
Duke Pearson llegó probablemente a la órbita de Blue Note a través de Donald Byrd, pero muy pronto su importancia para el sello fue mucho más allá del piano. En 1963 asumió funciones de productor, director musical y responsable de artistas y repertorio, participando en la elección de músicos, la concepción de nuevos proyectos y el trabajo directo en el estudio. Su criterio contribuyó de manera importante al sonido que Blue Note desarrolló durante los años sesenta, entre el hard bop, el postbop y el soul jazz.
Como pianista y compositor, Pearson tenía algo de Horace Silver: una manera directa de tocar, sin excesos, y una especial facilidad para escribir melodías claras y memorables. Pero quizás su mayor talento estaba en saber cómo hacer funcionar un conjunto. Más que buscar protagonismo como solista, parecía interesado en encontrar el lugar preciso para cada músico.
“Sweet Honey Bee” es un buen ejemplo. Pearson reunió a Freddie Hubbard, James Spaulding, Joe Henderson, Ron Carter y Mickey Roker para interpretar siete composiciones propias. Es un grupo formidable, pero Pearson evita convertir el disco en una sucesión de solos. Los arreglos son compactos, no todos improvisan en cada tema y las intervenciones permanecen ligadas al carácter de cada composición.
Entre ellas sobresale “Big Bertha”, un tema en tonalidad menor, vigoroso y contagioso, que muestra especialmente bien la capacidad de Pearson para combinar sofisticación y sencillez. “Sweet Honey Bee” revela así buena parte de lo que hizo de Duke Pearson una figura tan valiosa para Blue Note: sabía escribir, organizar y, sobre todo, hacer que una banda sonara como una verdadera unidad.
FABIÁN ALMAZÁN THIS LAND ABOUNDS WITH LIFE - New Orleans, LA, December 21 & 22, 2018 - H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups), The Vicarious Life, Bola de nieve (1) Sin Alma - Fabian Almazan (p,perc,electronics) Megan Gould, Monica Davis (vln1) Karen Waltuch (viola1) Eleanor Norton (cello1) Linda May Han Oh (b,elb) Henry Cole (d)
En “This Land Abounds With Life”, “Esta Tierra Abunda En Vida”, el pianista y compositor cubano Fabián Almazán trabaja principalmente con el trío que mantiene desde comienzos de la década pasada: Linda May Han Oh en contrabajo y bajo eléctrico, y Henry Cole en batería.
Almazán combina la improvisación con composiciones muy elaboradas, aunque esa complejidad rara vez se siente como un fin en sí mismo. Hay pasajes densos y de gran intensidad junto a otros abiertos y contemplativos, donde el silencio y el espacio adquieren tanta importancia como las notas. Además incorpora grabaciones de sonidos ambientales realizadas en Cuba y elementos electrónicos que se integran a la música como parte de su textura. No aparecen como efectos decorativos: ayudan a establecer una relación entre la música, la naturaleza y la memoria de su país de origen.
En una de las piezas interviene un cuarteto de cuerdas, recordando la formación clásica de Almazán y su experiencia escribiendo para conjuntos más numerosos Pero el centro del álbum permanece en el diálogo entre piano, bajo y batería.
EDDIE HENDERSON WITNESS TO HISTORY - New York, c. 2023 - It never entered my mind, Freedom jazz dance - Eddie Henderson (tp,flhrn) Donald Harrison (as) George Cables (p) Gerald Cannon (b) Lenny White (d) Mike Clark (d1)
Cincuenta años después de colaborar en “Realization”, el primer álbum de Eddie Henderson como líder, el trompetista vuelve a encontrarse con el baterista Lenny White para recorrer una historia musical que ambos ayudaron a construir. Los acompañan George Cables en piano y teclados, Donald Harrison en saxofón y Gerald Cannon en contrabajo.
A lo largo del disco aparecen el jazz eléctrico, el funk, el swing, las formas modales y la balada, tratados con la naturalidad de músicos que han transitado por todos esos lenguajes. “Freedom Jazz Dance”, de Eddie Harris, es uno de los momentos en que esa combinación de jazz y funk resulta especialmente efectiva.
Pero el centro sigue siendo Henderson. Con 83 años conserva un sonido redondo y firme, junto a una manera de frasear que nunca necesita demostrar más de lo necesario. En las baladas, especialmente con sordina, aparece además el lado más íntimo de su trompeta.


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EMMET COHEN UNIVERSAL TRUTH - New York, October 5, 2025 - Well you needn’t (1,4), My funny Valentine (2,4), Blue Trane (1,2,3) - Emmet Cohen (p) Yasushi Nakamura (b) Joe Farnsworth (d) with Jeremy Pelt (tp1) George Coleman (ts2) Tivon Pennicott (ts3) Ron Carter (b4)
Emmet Cohen, pianista, dedica buena parte de Universal Truth a una música que conoce profundamente: el jazz de Miles Davis y John Coltrane, pero sin plantearlo simplemente como un ejercicio de recreación. Junto al contrabajista Yasushi Nakamura y el baterista Joe Farnsworth, Cohen revisa ese repertorio desde la perspectiva de un trío contemporáneo, al que se incorporan varios invitados.
Jeremy Pelt participa en una enérgica versión de “Well, You Needn’t”, de Thelonious Monk, mientras “Budo” recuerda a Bud Powell y “Gingerbread Boy” a Jimmy Heath. En “Blue Train”, de Coltrane, el saxo tenor de Tivon Pennicott se suma al de George Coleman, ampliando el sonido del grupo y ofreciendo dos aproximaciones distintas al blues.
Uno de los momentos especialmente significativos llega con “My Funny Valentine”, que reúne a George Coleman y Ron Carter, integrantes del quinteto de Miles Davis durante los primeros años de la década de 1960. Su presencia establece un vínculo directo entre aquella generación y la de Cohen.
Universal Truth se mueve así entre homenaje y continuidad. Cohen no intenta reproducir el pasado: utiliza ese repertorio como punto de partida para mostrar hasta qué punto sigue siendo una música abierta a nuevas interpretaciones.
SKÚLI SVERRISSON / BILL FRISELL FOR ALL YOUR FLOWERS - New York, c. 2025 - Thank you for taking me there and back, Nowhere to go, Further down the road, Baby - Bill Frisell (el-g) Skuli Sverrisson (el-b)
Bill Frisell aparece en tantos proyectos y contextos diferentes que resulta fácil pensar en él como la figura central de cualquier grabación en la que participa. For All Your Flowers invierte esa relación. Aquí el protagonista es el contrabajista y compositor islandés Skúli Sverrisson, autor de nueve de las diez piezas del álbum. Frisell aporta solamente una composición propia, “Baby”.
Nacido en Reikiavik en 1966, Sverrisson estudió en Berklee antes de establecerse en Nueva York, donde desarrolló una extensa carrera vinculada tanto al jazz como a la música experimental. También ha trabajado como compositor para el cine islandés.
El formato de For All Your Flowers es particularmente austero: bajo eléctrico y guitarra eléctrica, sin batería ni ningún otro instrumento que complete el espacio entre ambos. Sverrisson construye piezas breves, de carácter melódico, en las que pueden percibirse ciertas resonancias de la música folklórica.
El bajo establece la estructura y con frecuencia lleva buena parte del movimiento de la música. Eso permite que Frisell actúe con extraordinaria libertad, agregando colores, pequeños comentarios y silencios sin imponerse sobre las composiciones.
Es un diálogo íntimo entre dos músicos que parecen interesados, sobre todo, en cuánto puede decirse con muy pocos elementos.
BENNY GOLSON AND THE PHILADELPHIANS - New York, November 17, 1958 - Blues on my mind, Stablemates, Afternoon in Paris - Lee Morgan (tp) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Percy Heath (b) Philly Joe Jones (d)
Benny Golson reunió en 1958 para su disco Benny Golson and the Philadelphians a cuatro músicos con algo más en común que su pertenencia al mundo del hard bop: todos estaban estrechamente vinculados a Filadelfia. Junto al saxo tenor de Golson aparecen Lee Morgan en trompeta, Ray Bryant en piano, Percy Heath en contrabajo y Philly Joe Jones en batería.
Era una formación excepcional. Cada uno de ellos desarrollaría una trayectoria propia de enorme importancia, pero aquí funcionan como un conjunto compacto, con esa combinación de precisión, energía y sentido del blues que caracterizó buena parte del jazz de esos años.
El repertorio resulta igualmente familiar. Incluye “Stablemates” e “I Remember Clifford”, dos de las composiciones más conocidas de Golson; “Blues March”, otra pieza suya que se convertiría en parte importante del repertorio de los Jazz Messengers; y “Moanin’”, de Bobby Timmons, inseparable también de la historia de ese grupo.
Escuchado tantos años después, el álbum permite apreciar una de las grandes virtudes de Benny Golson: su capacidad para reunir composición, arreglo e improvisación dentro de una misma concepción musical.


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