PuroJazz

DEZRON DOUGLAS QUINTET LIVE AT SMALLS - New York, March 23 & 24, 2012 - Power of one, Nita - Josh Evans (tp,flhrn) Stacy Dillard (ts,sop) David Bryant (p) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)
Dezron Douglas se ha convertido en una de las voces más sólidas y versátiles del contrabajo en el jazz contemporáneo. Respetado tanto por su talento como por su profundo compromiso con la tradición, Douglas ha desarrollado una carrera que combina con naturalidad los roles de intérprete, compositor, líder de grupo y educador.
Su formación musical comenzó lejos del jazz. En su casa predominaban la música de Stevie Wonder, George Benson, Diana Ross, Peter Tosh y la música góspel de Mahalia Jackson y The Clark Sisters, esa diversidad de influencias le enseñó desde muy temprano que la música era, ante todo, una forma de expresar emociones.
Ingresó a los doce años al Instituto de Música Afroamericana fundado por el legendario saxofonista Jackie McLean en la Hartt School of Music. Allí estudió con figuras como Nat Reeves y Steve Davis, además del propio McLean, quien se convirtió en un mentor fundamental. Ese aprendizaje, basado tanto en la técnica como en la honestidad artística, ayudó a moldear el sonido profundo, expresivo y elegante que distingue a Douglas hasta hoy.
FERENC NEMETH TRIUMPH - Brooklyn, NY, April, 2010 - Intro->Triumph, Joy, Hope, Hope II - Richard Nant (tp,flhrn) Maria Noel Luzardo (bassoon) Juampi Di Leone (fl) Carlos Michelini (cl) Martin Pantyrer (b-cl,bar) Joshua Redman (ts,sop) Kenny Werner (p,el-p) Lionel Loueke (g,vcl) Ferenc Nemeth (d,perc) Barbara Togander (vcl)
Ferenc Németh se estableció en Nueva York donde se convirtió rápidamente en uno de los bateristas más solicitados de la escena. Su nombre aparece junto a figuras de primera línea como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Terence Blanchard, Billy Childs y Christian McBride, entre muchos otros. Sin embargo, una de sus colaboraciones más duraderas y reconocidas ha sido con el guitarrista beninés Lionel Loueke.
Su álbum Triumph abre con un sonido inquietante: un pedal sostenido de guitarra que da paso a la aparición casi fantasmal del saxofón de Joshua Redman, el piano de Kenny Werner y los platillos de Ferenc Németh, esa introducción desemboca en la pieza que da título al disco, una composición de gran impulso rítmico que combina elementos del funk con la energía abierta y cambiante de ciertas obras de Chick Corea, especialmente aquellas exploraciones de gran libertad presentes en Three Quartets.
FREDDIE REDD QUINTET SHADES OF REDD - Englewood Cliffs, N.J.,
- August 13, 1960 - Melanie, Swift - Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) Louis Hayes (d)
- January 17, 1961 - Blues for Betsy, Somewhere - Benny Bailey (tp) Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) John Godfrey (d) -
Freddie Redd ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Pianista profundamente arraigado en la tradición bebop y gran compositor, desarrolló una carrera marcada por momentos de gran reconocimiento seguidos por largos períodos de relativa invisibilidad. Sin embargo, fue uno de los músicos más originales y subvalorados de su generación.
En 1949, Redd comenzó a abrirse camino trabajando con figuras como Tiny Grimes, Cootie Williams y Oscar Pettiford, además de participar tanto en grupos de jazz como de rhythm and blues. Su debut como líder llegó en 1955 para Prestige, y poco después grabó junto a Gene Ammons y Art Farmer. En 1956 realizó una gira por Suecia.
Su mayor éxito llegó a fines de la década cuando compuso la música para la obra teatral The Connection. Redd no sólo escribió la partitura, sino que también actuó en las producciones de Nueva York, Londres y París, además de participar en la adaptación cinematográfica. Las grabaciones realizadas para Blue Note en torno a este proyecto se cuentan entre los grandes logros de su carrera.
Vivió durante años en Europa y más tarde se estableció en Los Ángeles donde siguió tocando y componiendo hasta avanzada edad.


This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JOE GORDON INTRODUCING JOE GORDON New York, September 3, 1954 - Toll bridge, Lady Bob, Boos bier - Joe Gordon (tp) Charlie Rouse (ts) Junior Mance (p) Jimmy Schenck (b) Art Blakey (d)
Introducing Joe Gordon fue el debut discográfico como líder del trompetista Joe Gordon, un músico de enorme talento cuya carrera terminó mucho antes de alcanzar todo su potencial. Grabado en septiembre de 1954, cuando Gordon integraba el grupo de Art Blakey previo a la formación de los Jazz Messengers —tras reemplazar a Clifford Brown ese mismo año—, el álbum presenta además al saxofonista Charlie Rouse, el pianista Junior Mance y el contrabajista Jimmy Schenck.
Nacido en Boston en 1928, Gordon desarrolló una sólida reputación durante la primera mitad de los años cincuenta tocando además con Georgie Auld, Lionel Hampton y Art Blakey, y de presentarse junto a Charlie Parker cada vez que el saxofonista visitaba su ciudad natal. Más tarde formó parte de la orquesta de Dizzy Gillespie y trabajó con figuras como Horace Silver, Harold Land, Dexter Gordon, Benny Carter, Barney Kessel y Shelly Manne.
A pesar de ser considerado uno de los trompetistas más prometedores de su generación, Gordon grabó solo un segundo álbum bajo su nombre. Problemas personales y su trágica muerte en un incendio en 1963, a los 35 años, pusieron fin a una carrera que prometía mucho más. Sin embargo, Introducing Joe Gordon permanece como un valioso testimonio de una voz singular en la historia del jazz.
JOE LOVANO PARAMOUNT QUARTET - France, February, 2025 - First song, Lady Day - Joe Lovano (ts,tarogato) Julian Lage (g) Santi Debriano (b) Will Calhoun (d)
En Paramount Quartet, el saxofonista Joe Lovano presenta una nueva formación junto al guitarrista Julian Lage, el contrabajista Asante Santi Debriano y el baterista Will Calhoun. A lo largo de siete composiciones —cinco originales de Lovano y versiones de Charlie Haden y Wayne Shorter— el cuarteto desarrolla una música basada en la interacción y el equilibrio entre la tradición post-bop y la exploración contemporánea.
El álbum abre espacios amplios para el diálogo entre los músicos. La delicada interpretación de “First Song”, de Charlie Haden, destaca por su lirismo y profundidad emocional, mientras que “Lady Day”, de Wayne Shorter, conserva el carácter evocador de la composición original y lo proyecta hacia territorios modernos.
DICK SISTO DICK SISTO FALLING IN LOVE - USA, 1994 - Some other time, Moment’s notice, Monk’s dream - Dick Sisto (vib) Fred Hersch (p) Drew Gress (b) Tom Rainey (d)
American Love Song presenta al vibrafonista Dick Sisto en uno de los momentos más logrados de una extensa trayectoria dedicada al jazz. Sisto desarrolló una carrera rica en experiencias: lideró un grupo y actuó con destacados músicos de California, realizó giras por Europa y durante años fue el líder del trío residente de un hotel en Louisville, acompañando a numerosas figuras del jazz.
Grabado originalmente en 1994, este álbum reunió a Sisto con un cuarteto de excepción integrado por el pianista Fred Hersch, el contrabajista Drew Gress y el baterista Tom Rainey. Publicado inicialmente por el pequeño sello Jazzen con el título American Love Song, más tarde fue reeditado por SteepleChase bajo el nombre Falling in Love.
El repertorio combina estándares, la composición “Little Dancer” de Tom Harrell y la pieza original de Sisto “Summer’s Gone”. Destaca especialmente el joven Hersch, ya mostrando la creatividad que lo convertiría en una de las grandes voces del piano contemporáneo. Por su parte, Sisto revela una personalidad propia que, aunque recuerda ocasionalmente a Milt Jackson y Bobby Hutcherson, confirma su lugar entre los vibrafonistas destacados de su generación.


This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

BILL COLEMAN
- TRIO Paris, France, January 24, 1936 - What’s the reason ?, Georgia on my mind - Bill Coleman (tp,vcl) Herman Chittison (p) Eugene d’Hellemmes (b)
- ET SON ORCHESTRE Paris, France, January 31, 1936 - Joe Louis stomp - Bill Coleman (tp) Edgar Courance (cl,ts) Jean Ferrier (p) Oscar Aleman (g) Eugene d’Hellemmes (b) Hurley Diemer (d)
- W GRAPELLI & RHEINHARDT Paris, France, November 12, 1937 - Rose room (1), Bill Street blues (1) - Bill Coleman (tp,vcl) Stephane Grappelli (vln-1,p-2) Joseph Reinhardt (g) Ernest Wilson Myers (b) Ted Fields (d)
Bill Coleman fue uno de esos trompetistas que nunca alcanzaron la fama masiva de otros colegas de su generación, pero que dejaron una huella profunda entre músicos y aficionados al jazz tradicional. Nacido en Kentucky, desarrolló una carrera internacional que lo llevó a pasar casi la mitad de su vida en Francia. Tras viajar por primera vez a Europa en 1933 con Lucky Millinder, alternó durante años entre ambos continentes, trabajando con figuras como Teddy Wilson, Benny Carter, Fats Waller y John Kirby. Entre 1942 y 1944 estuvo radicado en Nueva York, colaborando con pianistas de la talla de Ellis Larkins y Mary Lou Williams.
Influido por Louis Armstrong, Joe Smith y Jabbo Smith, Coleman desarrolló un estilo propio caracterizado por la elegancia, la claridad melódica y un notable sentido de la construcción del solo. Su toque era lírico y delicado, siempre atento a mantener el hilo musical sin recurrir a efectos innecesarios. Instalado definitivamente en Francia desde 1948, grabó con frecuencia y mantuvo una activa carrera hasta poco antes de su muerte, en 1982. Su forma de tocar cambió muy poco con los años, conservando siempre la misma musicalidad refinada que distinguió toda su trayectoria.
EDDIE HEYWOOD AND HIS ORCHESTRA

- New York, December 15, 1944 - Begin the beguine, Blue Lou - Dick Vance (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Ted Sturgis (b) Keg Purnell (d)
- New York, December 29, 1944 Please don’t talk about me when I’m gone, Lover man Agregar Al Lucas (b1)
Eddie Heywood fue un pianistas de la era del swing y líder de uno de los pequeños conjuntos más exitosos de los años cuarenta. Hijo del pianista Eddie Heywood Sr., comenzó a estudiar música con su padre a los ocho años y ya actuaba profesionalmente en Atlanta cuando apenas tenía catorce. En 1937 se trasladó a Nueva York, donde trabajó con la orquesta de Benny Carter y más tarde con Zutty Singleton y Don Redman.
En 1941 formó su célebre sexteto, una agrupación que incluía en sus inicios a figuras como Doc Cheatham y Vic Dickenson. Aunque sus arreglos eran relativamente conservadores, el grupo se distinguía por su energía y su inconfundible swing. Su versión de “Begin the Beguine” se convirtió en un gran éxito y consolidó su popularidad. Heywood participó en numerosas grabaciones memorables junto a artistas como Coleman Hawkins y Billie Holiday
.
PECK KELLEY PECK KELLEY JAM - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Limehouse blues, Body and soul - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)
Peck Kelley es una de las figuras enigmáticas del jazz. Durante más de medio siglo, músicos y críticos que lo escucharon tocar lo describieron como uno de los mejores pianistas que habían conocido. Sin embargo, rechazó repetidamente ofertas para integrarse a orquestas famosas, grabar discos o abandonar su Texas natal, prefiriendo una vida alejada de los grandes centros musicales.
En la década de 1920, Kelley dirigió a los Peck’s Bad Boys en Texas, junto a dos jóvenes: Jack Teagarden y Pee Wee Russell. Peck, considerado avanzado en ese momento, se suponía que se uniría a Russell, Bix Beiderbecke y Frankie Trumbauer en un concierto en St. Louis, pero problemas sindicales lo impidieron.
Su reputación creció considerablemente cuando el productor John Hammond lo escuchó en Houston en 1939. Hammond afirmó que Kelley era un músico excepcional, dueño de una técnica formidable, un gusto refinado y una imaginación que hacía de cada improvisación una experiencia fascinante.
Peck Kelley Jam es un LP doble que incluye una sesión privada de 1957 en Houston en la que lidera en un sexteto con músicos locales: el clarinetista Dick Shannon y el guitarrista Felix Stagno. Estas rudas pero muy interesantes grabaciones indican que Kelley avanzaba con los tiempos y, aunque se aferra a sus raíces, demuestran que estaba bastante familiarizado con Lennie Tristano.
TEDDY BUNN:

- AND SPENCER WILLIAMS VOCAL DUETS - New York, June 2, 1930 - Clean it out, Blow it up - Teddy Bunn, Spencer Williams (vcl) acc by James P. Johnson (p) Teddy Bunn (g) Bruce Johnson (wbd)
- SOLO New York, March 28, 1940 - King Porter stomp, Bachelor blues (1), Blues without words (1) - Teddy Bunn (g,vcl)
Teddy Bunn fue un destacado guitarrista acústico del jazz de los años treinta, lamentablemente su talento quedó registrado en relativamente pocas grabaciones. Con un sonido cálido, un swing natural y una gran habilidad como acompañante y como solista, Bunn desarrolló un estilo que ayudó a definir el papel de la guitarra en los primeros años del jazz.
Durante la década de 1930 participó en numerosas sesiones junto a importantes figuras de la época como Spencer Williams, Clarence Profit y James P. Johnson, además de participar en grabaciones con el clarinetista Mezz Mezzrow y el trompetista Tommy Ladnier.


This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

SASHA BERLINER FANTOME - Brooklyn, NY, April, 2024 - Zenith, Construction - David Adewumi (tp) Rico Jones (sax) Sasha Berliner (vib,comp,arr) Taylor Eigsti, Lex Korten (p) Harish Raghavan (b) Jongkuk Kim (d)
Fantôme, es el tercer trabajo como líder de la vibrafonista Sasha Berliner , quien presenta música compuesta por ella misma y surge, según explica, de lo que ocurre cuando una vibrafonista de jazz con formación rockera se reúne con un ingeniero de sonido especializado en R&B y funk y algunos de los mejores improvisadores internacionales. Entre ellos figuran Taylor Eigsti en piano, Harish Raghavan en contrabajo, Jongkuk Kim en batería y David Adewumi en trompeta. ¿Es entonces un disco de fusión? No exactamente. Más bien se mueve dentro de un post-bop enérgico y moderno.
IVAN FARMAKOVSKIY EPIC POWER c. 2010 - Soul inside out, The day before - Ivan Farmakovsky (p) Christian McBride (b) Jack DeJohnette (d)
El pianista ruso Ivan Farmakovskiy fue una figura destacada de la escena jazzística europea de fines de los años noventa y comienzos de los dos mil. Dueño de una técnica refinada y una notable capacidad creativa, ganó en 1997 el Europe Jazz Contest de Bélgica y participó en diversas agrupaciones y orquestas, incluyendo un cuarteto junto al saxofonista Benny Golson y el trompetista ruso Valery Ponomarev. En 2008 viajó a Nueva York para grabar Epic Power, una sesión en trío que, por razones desconocidas, permaneció inédita durante años en los archivos de SteepleChase. Resulta sorprendente considerando que lo acompañaban dos gigantes del jazz: el contrabajista Christian McBride y el baterista Jack DeJohnette fallecido en octubre de 2025, considerado por muchos como uno de los grandes bateristas de la historia del jazz, su interpretación aquí confirma por qué alcanzó ese estatus.
HERBIE NICHOLS PROJECT DR. CYCLOPS’ DREAM - Paramus, N.J., February 18 & 19, 1999 - Bartok, It didn’t happen, Swan song - Ron Horton (tp,flhrn) Ted Nash (ts,alto-fl,b-cl) Michael Blake (ts,sop) Frank Kimbrough (p) Ben Allison (b) Tim Horner (d)
Con Dr. Cyclops Dream, el Herbie Nichols Project profundiza en la obra de uno de los compositores más originales y menos reconocidos de la historia del jazz. Tras el éxito de Love Is Proximity, el pianista Frank Kimbrough y sus compañeros amplían el formato del grupo con la incorporación del saxofonista Michael Blake, enriqueciendo aún más los arreglos de una música tan compleja como fascinante.
El repertorio reúne composiciones poco conocidas de Nichols, incluyendo piezas que él mismo grabó, como “Beyond Recall”, “It Didn’t Happen” y “Riff Primitif”, junto a otras que reciben aquí su primera grabación. El álbum destaca por la imaginación con que el conjunto aborda este material. Temas como “Bartok” fueron desarrollados a partir de simples partituras, mientras que arreglos llenos de sorpresas convierten cada interpretación en una exploración creativa.
La música alterna momentos de refinada sutileza con episodios de gran energía colectiva. Un ejemplo es “It Didn’t Happen”, que pasa de un delicado diálogo entre piano y saxo soprano a una explosión de espíritu dixieland. A lo largo del disco, los músicos demuestran que no se limitan a reproducir las partituras de Nichols: las reinventan con personalidad y respeto.
El resultado es un homenaje vibrante que confirma tanto el genio compositivo de Herbie Nichols como la creatividad de un grupo excepcional.


This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

EVA NOVOA NOVOA/CARTER/MELA TRIO, VOL. 1 - New York, April 18, 2021 - Fuego, Hasta manana vida mia - Daniel Carter (ts,as,sop,tp,fl,cl) Eva Novoa (p,el-p,Chinese gongs,perc,whistling) Francisco Mela (d,vcl)
Novoa / Carter / Mela Trio, Vol. 1 marca el debut discográfico de una nueva formación liderada por la pianista, compositora y multiinstrumentista Eva Novoa junto a dos figuras de gran trayectoria en la escena creativa neoyorquina: el saxofonista Daniel Carter y el baterista Francisco Mela. Grabado en 2021 en los estudios Sear Sound de Nueva York.
Inspirado en los cuatro elementos de la naturaleza, el repertorio transita por paisajes sonoros abiertos y cambiantes que reflejan la energía y la libertad que caracterizan al trío, mientras que Hasta Mañana Vida Mía incorpora ecos de la tradición cubana, la voz de Mela y un dinámico diálogo entre saxofón, piano y percusión.
Novoa aquí incluye piano, Fender Rhodes, clavecín eléctrico, gongs chinos e incluso silbidos, aportando colores inesperados a cada composición. Nacida en Barcelona y radicada en Nueva York desde 2012, la artista confirma aquí su versatilidad y capacidad para crear música vibrante junto a dos improvisadores excepcionales.
DAVE HOLLAND UNCHARTED TERRITORIES - Catskill, NY, May 2 & 3, 2017 - Thought on earth, Piano-bass-percussion T1, QT12 - Evan Parker (ts) Craig Taborn (p,org,keyboards,electronics) Dave Holland (b) Ches Smith (perc)
En Uncharted Territories, el contrabajista Dave Holland regresa a la improvisación libre junto a un cuarteto excepcional integrado por el saxofonista Evan Parker, el tecladista Craig Taborn y el percusionista Ches Smith. Grabado en mayo de 2017, este álbum doble documenta un encuentro entre dos veteranos de la vanguardia británica y estadounidense y dos músicos de una generación posterior igualmente comprometidos con la exploración sonora.
De las 23 piezas incluidas, solo tres fueron compuestas previamente; las restantes surgieron de improvisaciones colectivas realizadas en el estudio. El resultado es una música en constante transformación, donde los músicos crean y desarrollan ideas en tiempo real, alternando formaciones de dúo, trío y cuarteto.
Aunque la experiencia y el lenguaje de Holland y Parker son fundamentales para el proyecto, Taborn y Smith aportan una energía particularmente imaginativa, construyendo paisajes sonoros que oscilan entre la abstracción, la tensión rítmica y momentos de sorprendente lirismo.
MATTHEW PUTMAN BELIEVE THAT WAS ME - Brooklyn, NY, January 16, 2025 - Joy and belief, Believe that was me - Matthew Putman (p) Hilliard Greene (b) Francisco Mela (d,whistle)
Believe That Was Me CREE QUE ESE SOY YO reúne a tres destacados improvisadores: el pianista Matthew Putman, el contrabajista Hill Greene y el baterista Francisco Mela, quien además aporta silbidos. El proyecto captura un encuentro musical marcado por la espontaneidad, la exploración y una notable conexión entre sus participantes.
Aunque Putman y Greene colaboran regularmente desde 2017, esta grabación representa la primera reunión de Putman con Mela. Sin embargo, la química entre ambos resulta inmediata, dando forma a una música que combina melodías intensas, libertad improvisatoria y una energía que remite tanto al jazz de vanguardia como a búsquedas más espirituales y contemplativas.
El título del álbum nació de la sorpresa de los propios músicos al escuchar las grabaciones al concluir la sesión. La experiencia fue tan poderosa que les costó reconocer como propias algunas de las ideas surgidas durante las sesiones. Esa sensación de descubrimiento atraviesa todo el disco.


This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com