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Los años setenta fueron especialmente fértiles para Woody Shaw, tanto en lo creativo como en lo comercial. Fue también el período en que comenzó a grabar como líder y a desarrollar plenamente una voz propia: un lenguaje que unía el post-bop más sofisticado con el jazz modal, incorporando además elementos del free y ciertos guiños a la fusión.
De esos años surgieron discos fundamentales que muestran a un músico con una visión clara, capaz de construir un sonido propio sin alejarse de la historia del jazz. Su música es exigente, sí, pero también profundamente expresiva.
WOODY SHAW BLACKSTONE LEGACY - New York, December 8 & 9, 1970 - Think on me (1,2) - Woody Shaw (tp) Gary Bartz (as,sop) Bennie Maupin (ts,b-cl,fl) George Cables (p,el-p) Ron Carter (b-1) Clint Houston (b-2) Lenny White (d
La oportunidad de debutar como líder ocurrió a fines de 1970 con *Blackstone Legacy*, grabado para Contemporary Records, el sello fundamental en la escena jazzística de la costa oeste en los años cincuenta y sesenta. Pero el contexto ya había cambiado. Los gustos del público se movían hacia otros sonidos y el disco terminó pasando casi desapercibido en su lanzamiento original, eclipsado por sus celebrados trabajos posteriores para Columbia Records. Sin embargo, con los años se transformó en una obra de culto. La reciente reedición en vinilo recupera el álbum con una nueva masterización.
WOODY SHAW SONG OF SONGS - Los Angeles, September 15 & 18, 1972 - The goat and the archer (2) Woody Shaw (tp) Manny Boyd (fl,ts) Ramon Morris (ts-1) Bennie Maupin (ts-2) George Cables (p,el-p) Henry Franklin (b) Sonship “Woody” Theus (d,perc)
En la evolución de la trompeta jazzística, Woody Shaw ocupó en los primeros años setenta un lugar comparable al que Freddie Hubbard había tenido una década antes. Las comparaciones eran inevitables, pero Shaw desarrolló rápidamente una voz propia, algo que se percibe con claridad en *Song of Songs*, uno de los discos más singulares de su etapa para Contemporary.
El álbum con una formación poco habitual, saxos tenores y flauta, además de composiciones complejas y abiertas. La música se mueve entre el hard bop, las exploraciones modales y ciertos guiños a la vanguardia. Aunque el sonido de Shaw podía recordar al de Hubbard, su enfoque era más arriesgado y expansivo. Sus solos, siempre impredecibles, mantienen el disco en permanente tensión creativa.
WOODY SHAW THE MOONTRANE - New York, December 11, 1974 - The Moontrane - Woody Shaw (tp) Steve Turre (tb) Azar Lawrence (ts,sop) Onaje Allan Gumbs (p) Buster Williams (b) Victor Lewis (d)
Estilísticamente, Shaw se encontró en la intersección de los años 60 y 70 entre el hard bop y el free jazz; un área que Herbie Hancock llamó “libertad controlada”. Su composición The Moontrane es una de las composiciones icónicas del libro de jugadas de jazz, interpretación que abarca desde Unity de Larry Young en 1966 hasta la grabación de 1988 con Freddie Hubbard, The Eternal Triangle.
Grabado a fines de 1974, *The Moontrane* fue el disco que terminó de consolidarlo como una voz propia dentro del jazz de la época. Aunque durante años se le comparó con Freddie Hubbard, aquí la referencia más evidente parece ser John Coltrane. Shaw logra trasladar al lenguaje de la trompeta la intensidad, velocidad y complejidad armónica asociadas al saxofonista, pero sin perder claridad ni elegancia.
El álbum también cuenta con el saxofonista Azar Lawrence, cuya presencia refuerza ese clima modal y expansivo que atraviesa toda la grabación.
WOODY SHAW ROSEWOOD - New York, December 15, 17 & 19, 1977
- Everytime I see you (jh,ah out) - Woody Shaw (tp,flhrn) Steve Turre (tb,b-tb) Janice Robinson (tb) Frank Wess (fl,pic) Art Webb (fl) Jimmy Vass (sop,as) Rene McLean, Carter Jefferson (sop,ts) Onaje Allan Gumbs (p,el-p) Lois Colin (harp) Clint Houston (b) Victor Lewis (d) Sammy Figueroa (cga)
- Theme for Maxine (2) Woody Shaw (tp-1,flhn-2) Carter Jefferson (ts-1) Joe Henderson (ts-2) Onaje Allan Gumbs (p) Clint Houston (b) Victor Lewis (d)
Al cierre de una década particularmente intensa, Shaw firmó con Columbia Records y publicó una nueva serie de álbumes muy celebrados: *Rosewood* (1977), *Woody III* (1978) —titulado así en honor a su hijo Woody Louis Armstrong Shaw III, nacido ese año. Entre todos, *Rosewood* fue el más reconocido: obtuvo una nominación al Grammy y fue elegido Mejor Álbum de Jazz de 1978 en la encuesta de lectores de *DownBeat*, la misma en la que Shaw fue distinguido como trompetista del año. La calidad sonora del álbum refleja el nivel de los estudios del sello.
El disco combina una formación numerosa, con percusiones y algunos teclados eléctricos típicos de fines de los setenta, junto a momentos más acústicos e íntimos. En ese contexto, la presencia de Joe Henderson resulta fundamental. El contraste entre el tono brillante de Shaw y el sonido más áspero de Henderson le da al álbum una tensión muy atractiva.
WOODY SHAW STEPPING STONES - LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, August 5, 1978 - Seventh Avenue (2) - Woody Shaw (cnt,flhrn-1) Carter Jefferson (ts,sop-2) Onaje Allan Gumbs (p) Clint Houston (b) Victor Lewis (d)
A fines de los años setenta, Woody Shaw era uno de los pocos músicos que seguía defendiendo el hard bop más moderno y arriesgado, justo cuando gran parte del jazz se desplazaba hacia sonidos eléctricos y fórmulas más comerciales. Shaw eligió otro camino: mantener un lenguaje exigente, intenso y profundamente ligado a la tradición post-bop, aunque eso significara quedar fuera de las tendencias dominantes.
Stepping Stones pertenece a la notable serie de álbumes que grabó para Columbia entre 1977 y 1981, una etapa que muchos consideran el punto más alto de su carrera. Registrado en el mítico Village Vanguard, el disco captura a Shaw en plena madurez creativa.
El quinteto que lo acompaña —con Carter Jefferson, Onaje Allan Gumbs, Clint Houston y Victor Lewis— funciona con una cohesión admirable. La música avanza con fuerza y libertad, pero siempre con un sentido colectivo muy claro. Más que una plataforma para el lucimiento del trompetista, el álbum transmite la sensación de estar escuchando a una banda real, conectada y completamente comprometida.
WOODY SHAW WOODY III New York, January 24, 1979 - Organ grinder - Woody Shaw (flhrn) George Cables (p) Buster Williams (b) Victor Lewis (d)
La primera mitad de este excelente disco —“Woody I”, “Woody II” y “Woody III”— muestra a Woody Shaw al frente de una poderosa formación de doce músicos. Lo acompañan figuras como el saxofonista Carter Jefferson, los trombonistas Steve Turre y Curtis Fuller, el saxofonista James Spaulding y el pianista Onaje Allan Gumbs.
La segunda parte incluye otras composiciones de Shaw, como “To Kill a Brick” y “Organ Grinder”, además de “Escape Velocity”, del contrabajista Clint Houston. Allí, Shaw alterna trompeta, fliscorno y corneta en distintos formatos, desde cuarteto hasta sexteto.
Todo el álbum lo encuentra en un momento brillante: inspirado, arriesgado y con un sonido inconfundible. Por repertorio, interpretación y nivel de los solos, es una de sus grabaciones esenciales.


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JOE MCPHEE IMPRESSIONS OF JIMMY GIUFFRE - Marseille, France, April 14 & 15, 1991 - Nenette, Chirpin’ time, A portrait of Juanita, The train and the river - Joe McPhee (sop,v-tb) Andre Jaume (ts,b-cl) Raymond Boni (g,el-g)
Cuando Joe McPhee, André Jaume y Raymond Boni grabaron Impressions of Jimmy Giuffre un homenaje al gran clarinetista, llevaban casi quince años tocando juntos, y esa historia compartida se percibe en la enorme compenetración del grupo.
El multi-instrumentista McPhee incorpora aquí el trombón de válvula, un saludo al célebre trío de Giuffre con Bob Brookmeyer. Pero no hay intención de imitar: el objetivo es capturar el espíritu de Giuffre y rendir tributo a un amigo desde una visión propia y contemporánea.
La personalidad sonora de Boni también deja una marca decisiva, especialmente por su enfoque rítmico de la guitarra. Entre los momentos más memorables destaca “Nenette”, una de las baladas más sensibles escritas por McPhee. El álbum incluye además un emotivo recuerdo a Juanita Giuffre, figura clave en la vida y carrera del músico.
TARBABY FEATURING OLIVER LAKE DANCE OF THE EVIL TOYS - Paramus, NJ, c. 2021 - Bonu, Bumper, Dance of the evil toys (1), Purple - Josh Lawrence (tp) Oliver Lake (as) Orrin Evans (p,vcl) Eric Revis (b) Nasheet Waits (d) Dana Murray (perc-1)
El grupo TarBaby funciona como un colectivo, con el núcleo formado por Orrin Evans en piano y voz, Eric Revis en contrabajo y Nasheet Waits en batería. En Dance of the Evil Toys el trío agrega invitados de peso: el histórico saxofonista Oliver Lake, el trompetista Josh Lawrence y, en el tema que da título al disco, el percusionista Dana Murray.
La amplitud del grupo es notable: se acerca a la intensidad del universo de Cecil Taylor y luego vuelve a un lenguaje más clásico, COMO OCURRE EN “JRMJ” DE REVIS. Lawrence brilla en el tema central y en “Purple”, donde el uso de sordina crea un clima introspectivo que recuerda por momentos al gran quinteto de Miles Davis de los años 60.
TRIPTYCH MYTH THE BEAUTIFUL - Brooklyn, NY, March 31, 2005 - All up in it, Frida K. the beautiful, Trident, Robinia pseudoacacia - Cooper-Moore (p) Tom Abbs (b) Chad Taylor (d)
Aunque Cooper-Moore suele usar instrumentos que construye él mismo, en The Beautiful opta excklusivamente por el piano. Junto al contrabajista Tom Abbs y el baterista Chad Taylor, arma un disco muy equilibrado, donde conviven momentos líricos, pasajes libres y una energía constante que nunca pierde dirección. Registrado en 2005 para AUM Fidelity, el disco confirmó a Triptych Myth como uno de los tríos más interesantes de esa escena. Cooper-Moore, ligado desde los años 70 al universo del Loft Jazz y colaborador habitual de William Parker, encuentra aquí un grupo que entiende perfectamente su lenguaje. Chad Taylor, por su parte, vuelve a destacar por su creatividad y flexibilidad en la batería.
Hay ciertas afinidades con músicos como Herbie Nichols o Cecil Taylor, aunque el trío evita caer en referencias evidentes. Lo más atractivo del álbum es justamente la naturalidad con que pasa de melodías sensibles a improvisaciones intensas y abiertas que muestran esa mezcla de delicadeza y fuerza que se escucha en toda la grabación.


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TEO MACERO AND THE PRESTIGE JAZZ QUARTET - Hackensack, N.J., April 27, 1957 - Just spring, Star eyes, What’s not - Teo Macero (ts) Teddy Charles (vib) Mal Waldron (p) Addison Farmer (b) Jerry Segal (d)
Teo Macero fue un productor clave del sello Columbia entre 1957 y fines de los 80, recordado sobre todo por su trabajo con Miles Davis. Pero antes de consolidarse en ese rol, también desarrolló una carrera como saxofonista en proyectos bastante arriesgados.
Se instaló en Nueva York en 1948, estudió en Juilliard y se graduó en 1953. Ese mismo año se integró al Jazz Composer’s Workshop de Charles Mingus. Entre 1953 y 1955 grabó con Mingus, luego con Teddy Charles en 1956, y lideró tres discos propios para los sellos Debut, Columbia y Prestige. Su sonido seco en tenor y barítono, junto a un avanzado enfoque armónico , a veces lo acercaba más a la música contemporánea que al jazz tradicional.
El disco Teo Macero and the Prestige Jazz Quartet lo muestra como saxofonista, al frente de un grupo con Mal Waldron, Charles, Addison Farmer y Jerry Segal. Interpretan baladas recientes —salvo “Star Eyes”— con un enfoque moderno, pero aún enraizado en el lenguaje del jazz.
IKE QUEBEC BLUE AND SENTIMENTAL - Englewood Cliffs, N.J., December 16, 1961 - Blue and sentimental, Minor impulse (1), Blues for Charlie (1) - Ike Quebec (ts,p1) Grant Green (g) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)
Los discos que el saxo tenor Ike Quebec grabó para Blue Note entre 1961 y 1962 son todos estupendos, pero Blue and Sentimental probablemente sea el mejor logrado: una combinación muy cuidada de blues con carácter y baladas llenas de melancolía. Ese clima aparece en otras sesiones, pero acá todo fluye con una naturalidad poco común.
Quebec tenía un talento especial para crear ambiente, y el repertorio mantiene ese aire nocturno, casi envolvente. También ayuda la formación sencilla: sin piano, junto a Grant Green, Paul Chambers y Philly Joe Jones, guitarra, bajo y batería. Green toca con mucha elegancia y deja espacio para que el saxo respire y brille.
El tema principal, asociado a Count Basie, es especialmente logrado, y “Don’t Take Your Love from Me” sigue en esa línea íntima. “Blues for Charlie”, de Green, aporta un blues más directo, mientras que los temas de Quebec suman armonías un poco más ricas sin perder fluidez.
FRANK HEWITT NOT AFRAID TO LIVE - New York, April 10, 2002 - On Green Dolphin Street, You stepped out of a dream - Frank Hewitt (p) Ari Roland (b) Louis Hayes (d)
Cuando Frank Hewitt falleció a los 66 años, vivía prácticamente en situación de calle. En sus últimos años, dormía a menudo en un refrigerador desmantelado en la trastienda del club Smalls de Greenwich Village donde tocaba piano dos o tres noches por semana durante casi diez años. No tenía familiares conocidos ni había publicado grabaciones bajo su propio nombre.
Ahí podría haber terminado la historia, de no ser por Luke Kaven, un estudiante de postgrado quedó cautivado por la escena de Smalls: sus sesiones nocturnas, su sentido de comunidad y su apertura. Decidió entonces crear un sello discográfico para documentar ese entorno y, en particular, a quien todos reconocían como su figura central: Hewitt.
Kaven grabó el material de We Loved You y Not Afraid to Live (Smalls) entre 2001 y 2002, y aún quedó suficiente inédito para varios discos más. La creatividad de Hewitt parece ser una prolongación natural del legado de Thelonious Monk, Bud Powell y, sobre todo, Elmo Hope.


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BEN WEBSTER BEN WEBSTER AND ASSOCIATES - New York, April 9, 1959 - In a Mellow Tone, Young Bean - Roy Eldridge (tp) Coleman Hawkins, Budd Johnson, Ben Webster (ts) Jimmy Jones (p) Les Spann (g) Ray Brown (b) Jo Jones (d)
“Ben Webster and Associates” es una sesión de 1959 que aprovecha muy bien el formato del LP de larga duración. Destaca la extendida versión —casi veinte minutos— de “In a Mellow Tone” de Duke Ellington, donde los tenores Ben Webster, Coleman Hawkins y Budd Johnson, junto al trompetista Roy Eldridge, se dan el gusto de tocar sin apuro. Más que una competencia, lo que se escucha es una jam relajada, casi entre amigos. Fue también la última sesión de Norman Granz que reunió a Webster y Hawkins en el estudio de grabación.
La sesión resultó además como un homenaje a Lester Young, fallecido apenas unas semanas antes. Hay algo de ese espíritu —más suelto, más conversado— a través de todo el disco.
Jimmy Jones en piano, Les Spann en guitarra, Ray Brown en contrabajo y Jo Jones en batería es una rítmica sólida y elegante. Hoy solo escucharemos esa versión larga de “In a Mellow Tone” pero les sugiero que investiguen el resto del álbum que incluye tres composiciones de Webster —“De-Dar”, “Young Bean” y “Budd Johnson”— además del estándar “Time After Time”.
CHRIS POTTER LIFT - LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, December 13 & 14, 2002 - 7.5, What You Wish - Chris Potter (ts-1,sop-2) Kevin Hays (p-3,el-p-4) Scott Colley (b) Bill Stewart (d)
“Lift” captura a Chris Potter en un momento de plena madurez. Desde sus inicios junto a Red Rodney y su paso por grupos como los de Dave Holland, Dave Douglas o la Mingus Big Band, el saxofonista ya venía mostrando una mezcla poco común de swing y complejidad armónica. Aquí va un paso más allá.
Grabado en vivo en el Village Vanguard, Potter en saxo tenor, con un sonido robusto y muy expresivo, donde asoman ecos de Sonny Rollins y, por momentos, de John Coltrane. Desde el arranque con “7.5”, de Bill Stewart, queda claro que hay riesgo y juego rítmico, con estructuras poco convencionales.
El cuarteto —Kevin Hays en piano, Scott Colley en contrabajo y el propio Stewart en batería— funciona con gran compenetración, sosteniendo y empujando a Potter sin invadir su espacio. Piezas como “Okinawa” muestran un lirismo más abierto, mientras que “Boogie Stop Shuffle” de Charles Mingus cierra con intensidad.
El formato en vivo le da aire al grupo: los temas se estiran, respiran y nunca se estancan. Potter suena más al frente que en otros discos, iluminando aún más una paleta que ya era notable.


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La trayectoria de Woody Shaw en la segunda mitad de la década de 1960 es cuando realmente emerge, aunque aún no como líder, sino como una voz creativa central en el jazz moderno. Es un período de crecimiento y formación estilística. En este segundo capítulo, presentamos a Shaw como un importante solista en grabaciones de Chick Corea, Jackie McLean, Booker Ervin y Andrew Hill.
CHICK COREA “TONES FOR JOAN’S BONES” - New York, November 30, 1966 - Straight up and down - Woody Shaw (tp) Joe Farrell (ts) Chick Corea (p) Steve Swallow (b) Joe Chambers (d)
Tones for Joan’s Bones, el debut como líder de Chick Corea, es un disco de hard bop avanzado y potente. Las composiciones de Corea dejan ver una clara afinidad con las estructuras que McCoy Tyner venía desarrollando en esos años. Joe Farrell en saxo tenor y Shaw en trompeta encajan perfecto en este lenguaje: sus intervenciones combinan virtuosismo, intensidad y una notable claridad conceptual.
JACKIE MCLEAN - ’BOUT SOUL’ - Englewood Cliffs, NJ, September 8, 1967- Erdu - Woody Shaw (tp) Grachan Moncur, III (tb) Jackie McLean (as) Lamont Johnson (p) Scotty Holt (b) Rashied Ali (d) Barbara Simmons (narration1)
En ’Bout Soul, el trompetista Woody Shaw integra un poderoso frente de tres vientos junto al líder Jackie McLean en saxo alto y al trombonista Grachan Moncur III. Los tres destacan como solistas de peso: McLean y Shaw se cruzan con ataques incisivos y gran intensidad, mientras que Moncur aporta un enfoque más cálido, con un aire soul y cierta inclinación hacia el groove.
JACKIE MCLEAN “DEMON’S DANCE” - Englewood Cliffs, NJ, December 22, 1967 - Demon’s Dance, Message from Trane - Woody Shaw (tp,flhrn) Jackie McLean (as) Lamont Johnson (p) Scotty Holt (b) Jack DeJohnette (d)
Demon’s Dance fue el último álbum de Jackie McLean para Blue Note. El disco tiene un swing muy marcado, en buena parte gracias a la batería de Jack DeJohnette, que logra impulsar la música sin perder ese carácter inquieto y dinámico que McLean venía explorando. Woody Shaw destaca con especial fuerza: su sonido es intenso y robusto.
ANDREW HILL “GRASS ROOTS” - Englewood Cliffs, N.J., April 19, 1968 - Bayou Red - Woody Shaw (tp) Frank Mitchell (ts) Andrew Hill (p) Jimmy Ponder (g) Reggie Workman (b) Idris Muhammad (d) [aka Leo Morris (d)
Cuando el pianista y compositor Andrew Hill grabó Grass Roots en 1968, ya había construido una obra notable. El álbum Grass Roots, dentro de un catálogo tan prolífico, se destaca como uno de los más accesibles. Su talento ya estaba plenamente afirmado en discos intensos y creativos como Black Fire, Point of Departure y Judgment!, pero aquí Hill busca otra cosa.
Como explicó en las notas originales: “No estoy tratando de demostrar nada. Quiero dar algo, conectar con quien escucha”. Esa idea de “grass roots” término que se usa para describir algo que nace desde la base.
Un año después, Hill invitó nuevamnete a Shaw al estudio para grabar “Passing Ships”
ANDREW HILL “PASSING SHIPS” - Englewood Cliffs, NJ, November 7, 1969 - Passing ships - Woody Shaw, Dizzy Reece (tp) Julian Priester (tb) Bob Northern (fhr) Joe Farrell (sop,ts,eng-hrn) Andrew Hill (p) Ron Carter (b) Howard Johnson (tu,b-cl) Lenny White (d)
BOOKER ERVIN “BACK FROM THE GIG” - Englewood Cliffs, N.J., May 24, 1968 - 204 - Woody Shaw (tp) Booker Ervin (ts) Kenny Barron (p) Jan Arnet (b) Billy Higgins (d)
“Back From The Gig”, un LP doble reúne dos sesiones que, curiosamente, no se publicaron hasta 1976. En ambas, el gran tenor Booker Ervin —de sonido intenso, apasionado y siempre inconfundible— aparece en plena forma.
La primera lo muestra en 1963 junto al sexteto de Horace Parlan, con el propio Parlan en piano, Johnny Coles en trompeta y Grant Green en guitarra. La segunda, de 1968, que es la que vamos a escuchar en esta sesión, lo presenta al frente de un quinteto de lujo, donde destacan Woody Shaw en trompeta y Kenny Barron en piano.
En ambos casos, el repertorio original y los solos revelan una música que se mueve entre el hard bop y la vanguardia, con una energía que se mantiene sorprendentemente vigente. Son sesiones estimulantes, llenas de ideas .
A fines de la década del 60, Woody Shaw ya había dejado claro que no era solo un talento prometedor, sino una voz con identidad propia, inquieta y en constante evolución. Su paso por distintos grupos y contextos musicales fue afinando un lenguaje que pronto encontraría plena madurez.
Y lo que viene a continuación es decisivo. En los años 70, Shaw da un paso al frente: forma sus propios grupos, graba discos fundamentales y se afirma como uno de los grandes arquitectos del jazz moderno. Esa será la etapa que exploraremos en el próximo episodio.


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