PuroJazz

GREG ABATE QUARTET IN THE MOMENT - c. 2025 - The little men, Kerry’s song, Into somewhere Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d)
La influencia de Charlie Parker y Phil Woods se escucha en su manera de frasear, aunque Abate tiene una voz propia. Disfruta los tempos rápidos y las melodías que piden agilidad, pero también sabe bajar la intensidad y dar espacio a sus compañeros. En “Kerry’s Song” toca la flauta y deja oír un lado más cálido. La pieza que da título al disco tiene un aire contemplativo y permite apreciar el diálogo con O’Connell, presente a lo largo del álbum.
En su disco “In the Moment”, el saxofonista y flautista Greg Abate regresa al bebop, un lenguaje que conoce bien y que ha cultivado durante décadas. Lo acompañan tres músicos con quienes mantiene una larga relación: Bill O’Connell en piano, Harvie S en contrabajo y el baterista Steve Johns.
FELIPE RIVEROS SESIÓN PALO QUEMADO, VOLUMEN 2 -Santiago de Chile - 7 de octubre de 2024. - Disco Dance, Sur le balcon - Felipe Riveros (p) Milton Russell (b) Juan Pablo Jaramillo (dr)
El pianista Felipe Riveros grabó Sesión Palo Quemado, Volumen 2 en Santiago, junto al contrabajista Milton Russell y el baterista Juan Pablo Jaramillo. La sesión tuvo lugar el 7 de octubre de 2024 y, según Riveros, todos los temas quedaron en la primera toma. Esa espontaneidad se escucha en la manera en que los tres músicos responden a cada idea. “Disco Dance” lleva el pulso de la música electrónica a un trío acústico. Riveros dedicó “Sur le balcon” a su hijastra Luna: durante el encierro pandémico escuchaban discos juntos en el balcón. Una Avenida Providencia desierta inspiró “Last Ballad”.
GRANT GREEN TALKIN’ ABOUT - Englewood Cliffs, N.J., September 11, 1964 - Talkin’ about J.C., I’m an old cowhand - Larry Young (org) Grant Green (g) Elvin Jones (d)
En “Talkin’ About!”, Grant Green el guitarrista siguió ampliando el lenguaje de sus primeros discos. Para esta sesión, grabada en septiembre de 1964, formó un trío con Larry Young en el órgano Hammond y Elvin Jones en la batería.
Young empezaba a encontrar una voz propia en el órgano. Junto a Jones, crean un pulso cambiante, que le da al grupo espacio para explorar. Green conserva la claridad de sus frases y su cercanía con el blues, incluso en los pasajes más abiertos.
La pieza central es “Talkin’ About J.C.”, un homenaje de Young a John Coltrane que dura casi doce minutos. Allí los tres músicos desarrollan sus ideas y responden unos a otros sin perder el hilo. También hay una versión juguetona de “I’m an Old Cowhand”, canción que Sonny Rollins había incorporado al repertorio del jazz.


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Mary Lou Williams fue una de las grandes pianistas, compositoras y arreglistas del jazz. Nació en Atlanta en 1910 como Mary Elfrieda Scruggs y creció en Pittsburgh, donde comenzó a tocar en público desde niña. En sus primeros años profesionales usó el apellido Burleigh, tomado de su padrastro. Todavía adolescente salió de gira con los Synco-Jazzers de la cantante Jeanette Taylor con quien Williams hizo su debut en la grabación en 1927, apareciendo en ocho selecciones de Synco Jazzers. .
JEANNETTE JAMES’ SYNCO JAZZERS — Chicago, c. enero de 1927 - Midnight Stomp
Jeanette James (vcl), Henry McCord (tp), Bradley Bullett (tb), John Williams (as, bassax), Mary Lou Williams (p), Joe Williams (bj), Robert Price (d)
En 1929 comenzó a trabajar con la orquesta de Andy Kirk. Primero colaboró con arreglos y reemplazaba a la pianista de la banda; desde 1931 pasó a formar parte estable del grupo. Durante más de una década, su piano y sus arreglos fueron fundamentales en el sonido de los Twelve Clouds of Joy, una de las buenas orquestas surgidas en Kansas City. Al mismo tiempo, comenzó a escribir para otras bandas.
ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY — Kansas City, c. 7 de noviembre de 1929
Mess-a-Stomp - Gene Prince, Harry Lawson (tp) Allen Durham (tb) John Harrington (cl,as) John Williams (as,bar) Lawrence Freeman (ts,cl) Mary Lou Williams (p,arr) Claude Williams (g,vln) William Dirvin (bj,g) Andy Kirk (bassax) Edward McNeil (d) Bill Massey (vcl)
Sus primeros solos de piano nos permiten escucharla fuera de la orquesta. En «Night Life» y «Drag ’Em», grabados en 1930, Williams tenía apenas diecinueve años, pero ya se reconocen algunas características que la acompañarían siempre: una mano izquierda muy firme, el stride, el blues y un sentido muy natural del ritmo. Ya en esa época, Mary Lou estaba cerca del nivel de legendarios pianistas como James P. Johnson y Fats Waller.
MARY LOU WILLIAMS — PIANO SOLOS — Chicago, 24 de abril de 1930 - Night Life - Mary Lou Williams (p)
Mary Lou Williams pasó casi 13 años tocando y escribiendo para la Orquesta Andy Kirk. La banda luchó durante un tiempo y casi fue tomada por Blanche Calloway en 1931, sin hacer grabaciones en absoluto durante 1932-35. Pero en 1936, la gran banda de Kirk comenzó una serie de excelentes grabaciones para el sello Decca.
ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY — Nueva York, 11 de marzo de 1936
I’se A Muggin’
Con el tiempo, Williams comenzó a sentirse limitada en la orquesta de Kirk. La banda se orientaba cada vez más hacia cantantes y material comercial, mientras ella quería seguir otros caminos. Williams seguía siendo una figura importante de la banda, aunque poco a poco buscaba más espacio para sus propias ideas. En 1940 grabó «Baby Dear» al frente de su Kansas City Seven, con el trompetista Shorty Baker.
MARY LOU WILLIAMS AND HER KANSAS CITY SEVEN — Nueva York, 18 de noviembre de 1940 - Baby dear - Harold “Shorty” Baker (tp) Ted Donnelly (tb) Edward Inge (cl) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d) Baby dear.
Uno de sus proyectos más ambiciosos de esos años fue Zodiac Suite. Terminada en 1945, está formada por doce piezas, una por cada signo del zodiaco, dedicadas a músicos y amigos. Allí Williams amplió considerablemente su lenguaje, mezclando el jazz con elementos de la música clásica y pasando de momentos íntimos a otros más rítmicos y abiertos. Ese mismo año presentó la obra con una orquesta en el Town Hall de Nueva York.
THE ZODIAC SUITE — TOWN HALL — Nueva York, 31 de diciembre de 1945 - Cancer - Mary Lou Williams (vcl,p) acc by unknown tp, tb, fhr, fl, cl, Irving “Mouse” Randolph (tp) Henderson Chambers (tb-1) Edmond Hall (cl-2) Eddie Barefield (cl) Ben Webster (ts) Al Hall (b) J.C. Heard (d) Hope Foy (vcl) + strings, Milton Orent (cond)
Pero Williams no se quedó allí. Durante la segunda mitad de los años cuarenta se acercó al bebop sin abandonar el swing ni el blues que estaban en la base de su música. En 1946 grabó con un grupo de mujeres piezas como «Rhumba Re-Bop».
GIRL STARS — Nueva York, 25 de febrero de 1946 - Rhumba Re-Bop, Blues at Mary Lou’s - - Marjorie Hyams (vib,d-1) Mary Lou Williams (p) Mary Osborne (g,vcl) Bea Taylor (b) [aka Billy Taylor, Sr. (b) ] Bridget O’Flynn (d,vib-1), D.D.T.
En 1952 viajó a Inglaterra para una breve serie de conciertos y terminó quedándose en Europa más de dos años. En París volvió a encontrarse con el saxofonista Don Byas, con quien grabó en diciembre de 1953. Es un pequeño grupo y una buena oportunidad para escucharla en un ambiente muy distinto al de las grandes orquestas de sus primeros años.
FEAT. DON BYAS — París, 2 de diciembre de 1953 - Mary’s Waltz, O.W. - Don Byas (ts), Mary Lou Williams (p), Buddy Banks (b), Gerard “Dave” Pochonet (d)
Después de regresar de Europa, Williams se alejó por un tiempo de los escenarios. Se convirtió al catolicismo en 1957 y encontró en la religión un nuevo estímulo para componer. Ese mismo año Dizzy Gillespie la animó a volver a tocar y la invitó a presentarse con su orquesta en Newport. Más adelante escribió varias obras religiosas en las que el jazz siguió siendo parte esencial de la música, entre ellas Black Christ of the Andes y Mary Lou’s Mass.
BLACK CHRIST OF THE ANDES — Nueva York, 9 de octubre de 1963 - Praise the Lord - Budd Johnson (ts-1,b-cl-2) Mary Lou Williams (p) Grant Green (g) Larry Gales (b) Percy Brice (d) Jimmy Mitchell (vcl) The George Gordon Singers (vcl group) : Honi Gordon, George Gordon, Jr., Richard Gordon, George Gordon, Sr. (vcl) Melba Liston (arr,cond). Praise the Lord
En 1977 ocurrió uno de los encuentros más curiosos de su carrera: Mary Lou Williams y Cecil Taylor, dos pianistas que venían de mundos muy diferentes, compartieron escenario. La idea era acercar tradición y vanguardia, aunque musicalmente el encuentro no resultó sencillo. Taylor lleva la improvisación hacia terrenos cada vez más libres; Williams responde desde el blues, el ritmo y esa poderosa mano izquierda que la había acompañado desde sus comienzos. Más que una fusión de estilos, Embraced permite escuchar el encuentro —y por momentos el choque— entre dos maneras muy distintas de entender el jazz.
EMBRACED — Nueva York, 17 de abril de 1977 - The Blues Never Left Me - Mary Lou Williams, Cecil Taylor (p), Bob Cranshaw (b), Mickey Roker (d)
Para terminar, volvemos a escuchar a Mary Lou Williams en un formato íntimo. At Rick’s Café Americain en una actuación de 1979 en Chicago, con Milton Suggs en contrabajo y Drashear Khalid en batería. Williams tenía sesenta y nueve años y seguía encontrando cosas nuevas en melodías conocidas. En su piano convivían ya muchas etapas de la historia del jazz: el stride, el blues, el swing y todo lo que había aprendido y explorado durante más de medio siglo.
TRIO & SOLO — LIVE AT RICK’S CAFÉ AMERICAIN — Chicago, 14 de noviembre de 1979 - Caravan - Mary Lou Williams (p), Milton Suggs (b), Drashear Khalid (d)
Con esta actuación de 1979 llegamos al final de nuestro recorrido por la música de Mary Lou Williams. La escuchamos muy joven con los Synco-Jazzers, después con Andy Kirk, en sus solos de piano y en algunos de los muchos caminos que siguió más adelante. Nunca perdió su relación con el blues y el swing, pero tampoco dejó de buscar cosas nuevas. Su obra es demasiado amplia para abarcarla en un solo programa; estas grabaciones, al menos, nos permiten seguirla durante más de medio siglo de jazz.


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CO STREIFF / RUSS JOHNSON QUARTET ORACLE - Recorded live on tour, April 20 30, 2023 lanzamiento August 21, 2026 - Smithy Street, Saguache - Russ Johnson (tp) Co Streiff (as) Christian Weber (b) Gerry Hemingway (d)
La colaboración entre la saxofonista suiza Co Streiff y el trompetista estadounidense Russ Johnson comenzó en 2004. Ambos aportaban experiencias muy distintas: Streiff había dirigido sus propios conjuntos y trabajado extensamente con la pianista Irène Schweizer; Johnson, por su parte, se había integrado a numerosos proyectos de la escena neoyorquina.
En 2012 publicaron “In Circles”, primer disco de un cuarteto sin piano que recogía una tradición asociada con Gerry Mulligan y Chet Baker, pero también —y de manera más evidente— con Ornette Coleman y Don Cherry. Después de varias giras europeas y una prolongada pausa, el grupo volvió a reunirse en 2019, ahora con Gerry Hemingway en la batería.
“Oracle”, publicado por Intakt Records, fue grabado en distintos conciertos de una gira realizada entre el 20 y el 30 de abril de 2023. Completan el cuarteto Christian Weber en contrabajo y Hemingway en batería. La ausencia de piano deja amplio espacio para el diálogo entre el saxo alto de Streiff y la trompeta de Johnson, mientras Weber y Hemingway proporcionan una base flexible y cambiante. Las composiciones mantienen perfiles definidos, pero permanecen abiertas a la improvisación colectiva. El resultado confirma la madurez de una relación musical construida durante más de dos décadas.
ARCHIE SHEPP & HORACE PARLAN GOIN’ HOME - Copenhagen, Denmark, April 25, 1977 - Goin’ home (1), Nobody knows the troubles I’ve seen, Go down Moses (1), Steal away to Jesus (1) - Archie Shepp (ts 1,sop) Horace Parlan (p)
Archie Shepp fue una de las voces fundamentales del free jazz de los años sesenta. Aunque en su sonido pueden reconocerse ecos de Ben Webster, desarrolló un lenguaje propio, hecho de notas ásperas, gruñidos, lamentos y estallidos de gran intensidad. Así logró distinguirse de los numerosos saxofonistas surgidos bajo la influencia directa de John Coltrane.
En los años setenta, Shepp y el pianista Horace Parlan se establecieron en Europa. El productor danés Nils Winther tuvo entonces la idea de reunirlos para interpretar espirituales afroamericanos. Grabado en Copenhague el 25 de abril de 1977 para el sello SteepleChase, “Goin’ Home” representó un giro inesperado: en lugar de la vehemencia asociada con Shepp, encontramos un diálogo íntimo, sobrio y profundamente emotivo entre saxo y piano.
El repertorio incluye “Go Down Moses”, “Deep River”, “Amazing Grace” y “Sometimes I Feel Like a Motherless Child”. Parlan aporta acompañamientos contenidos, firmemente arraigados en el blues y el gospel, mientras Shepp trata cada melodía como si estuviera cantando sus palabras. Él mismo recordó que, al comenzar la grabación, se le llenaron los ojos de lágrimas: sentía sobre sí el peso de quienes habían cantado esas piezas durante la esclavitud. Esa conciencia histórica convierte “Goin’ Home” en uno de los discos más conmovedores de su carrera.
CARTER/MATEEN/PARKER/GRASSI KEEPING IT IN CONTEXT - NYC May 20, 1996 - The angle of repose - Daniel Carter (as,ts,fl,tp) Sabir Mateen (as,ts,fl,cl) William Parker (b) Lou Grassi (d,perc)
“Keeping It in Context” rescata una sesión grabada en vivo el 20 de mayo de 1996 en los estudios Context de Nueva York, pero publicada recién en 2026 por el sello lituano NoBusiness. Reúne a cuatro músicos estrechamente vinculados con la escena de improvisación neoyorquina: Daniel Carter, en saxos alto y tenor, trompeta y flauta; Sabir Mateen, en saxos alto y tenor, clarinete y flauta; William Parker, en contrabajo; y Lou Grassi, en batería y percusión.
El disco contiene tres extensas improvisaciones colectivas. La pieza central, “The Surface of No Strain”, supera los 35 minutos y muestra especialmente bien la capacidad del cuarteto para construir formas espontáneas. La música avanza por oleadas: crece en intensidad, se repliega y vuelve a organizarse mediante nuevas combinaciones instrumentales.
Entre sus mejores momentos aparece un solo de Parker con arco y un pasaje de notable serenidad en el que el clarinete de Mateen dialoga con la flauta de Carter y el contrabajo. Grassi no se limita a sostener el impulso: utiliza la batería y la percusión para modificar continuamente el color y conduce la pieza central hacia un final vigoroso. Tres décadas después de su grabación, el álbum conserva intactas su energía y su sentido de descubrimiento.


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LENNY POPKIN FALLING FREE - New York, fall 1979 - 317 East 32nd Street, You’re irreplaceable, Body and soul, When you’re smiling, LennieBird - Lenny Popkin (ts) Eddie Gomez (b) Peter Scattaretico (d)
El título del disco “317 East 32nd”, identifica inmediatamente a Lenny Popkin como integrante de la escuela de Lennie Tristano. 317 East 32nd Street era la dirección del estudio y centro de enseñanza que el pianista mantuvo en Manhattan, y también el nombre de una de sus composiciones,
Popkin, discípulo de Tristano, tuvo escasas oportunidades de grabar como líder. Estas actuaciones, registradas en Nueva York durante el otoño de 1979 por la pianista Connie Crothers, en su loft dieron origen a su primer álbum, publicado inicialmente en 1981 con el título “Falling Free”. Años después apareció en CD como “317 East 32nd”.
Sin piano ni otro instrumento armónico, Popkin comparte el espacio con el notable contrabajista Eddie Gomez y el baterista Peter Scattaretico. Su sonido ligero y aireado recuerda a Lee Konitz y Warne Marsh, aunque posee una personalidad propia, especialmente en la manera de construir largas líneas melódicas.
El repertorio combina standards y contrafacts, siguiendo la tradición de Tristano. [Contrafacts son piezas en las que se usan los acordes de otra mientras se introduce una melodía completamente nueva]. En “When You’re Smiling”, Popkin recrea casi literalmente un solo de Lester Young.
RAY BROWN/JIMMY ROWLES TASTY ! - San Francisco, CA, October 22, 1979 - I’m gonna sit right down and write myself a letter, The night is so young and you’re so beautiful, Come Sunday Jimmy Rowles (p) Ray Brown (b)
“Tasty!” reúne a dos músicos veteranos: Jimmy Rowles en piano y Ray Brown en contrabajo. Grabado en 1979 en San Francisco, fue su segundo álbum en dúo, después de “As Good as It Gets”, registrado dos años antes.
En este formato tan expuesto, piano y contrabajo intercambian constantemente sus funciones. Brown no se limita al acompañamiento: propone ideas, conduce el ritmo y sostiene verdaderos diálogos con Rowles. Su enorme sonido, profundo y perfectamente definido.
Rowles, por su parte, toca con esa combinación tan personal de refinamiento armónico, humor y aparente despreocupación. En “I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter” sorprende con algunos pasajes de “stride”, mientras que en las baladas deja amplios espacios y encuentra acordes inesperados sin nunca perder la melodía.
El repertorio incluye canciones de Harold Arlen, Duke Ellington, Jerome Kern y otros grandes autores. Pero el verdadero encanto del disco está en la economía, el “swing” y la complicidad entre ambos. Música madura, cálida y aparentemente sencilla, aunque detrás de cada frase hay décadas de experiencia. El título le queda perfecto: todo está tocado con muy buen gusto.
VANGUARD JAZZ ORCHESTRA CENTENNIAL : THE MUSIC OF THAD JONES - Live “Village Vanguard”, New York, February 7 & 8, 2024 - A child is born, Don’t git sassy - Terell Stafford, Scott Wendholt, John Chudoba, Brian Pareschi (tp) Dion Tucker, Jason Jackson, Robert Edwards (tb) Douglas Purviance (btb) Dick Oatts (as,dir) Billy Drewes (as,sop) Rich Perry, Ralph Lalama (ts) Gary Smulyan (bar) Adam Birnbaum (p) David Wong (b) John Riley (d)
Thad Jones habría cumplido cien años el 2023. Para celebrar su legado, la Vanguard Jazz Orchestra regresó a la música de su fundador en este álbum doble, grabado en vivo en el Village Vanguard de Nueva York en febrero de 2024.
La historia de la orquesta comenzó en 1966, cuando Jones y el baterista Mel Lewis organizaron una gran banda para tocar durante tres lunes en el club. El éxito de la prueba se transformó en una residencia semanal que continúa hasta hoy. Tras la partida de Jones a Dinamarca en 1979 y la muerte de Lewis en 1990, el conjunto adoptó su nombre actual, manteniendo vivo el repertorio original sin transformarse en una pieza de museo.
Jones modernizó el lenguaje de las grandes bandas al unir la elegancia y complejidad de Duke Ellington con el “swing” y las raíces del blues de Count Basie. Esa combinación vuelve a escucharse aquí en piezas fundamentales como “Back Bone”, “61st & Rich’It” y su célebre balada “A Child Is Born”.
Bajo la dirección artística del saxofonista Dick Oatts, la orquesta interpreta estas obras con precisión, energía y una fuerte personalidad colectiva. Es un homenaje respetuoso, pero lleno de vida, que confirma la vigencia de una música escrita para perdurar.


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CHAD TAYLOR TRIO THE REEL - Astoria, NY, May 9 & June 24, 2022 - Subterfuge, The reel, Omniverse - Brian Settles (sax) Neil Podgurski (p) Chad Taylor (d)
Después de una extensa trayectoria como acompañante, en grupos como Chicago Underground y Exploding Star Orchestra, el baterista Chad Taylor asumió plenamente el papel de líder con su trío. “The Reel”, grabado en 2022, es su segundo álbum junto al saxofonista Brian Settles y el pianista Neil Podgurski.
Los tres músicos se conocieron a mediados de los años noventa, cuando estudiaban en The New School de Nueva York. Esa larga relación se percibe en la soltura del conjunto y en un diálogo constante, sin necesidad de bajo. El repertorio incluye composiciones de los tres integrantes y dos piezas de Andrew Hill. En “Subterfuge”, Taylor establece un ritmo cercano a la bossa nova, sobre el cual Settles y Podgurski desarrollan sus solos. En “Reconciliation”, el trío aborda el complejo tema de Hill con claridad y seguridad.
Podgurski aporta cuatro de las nueve composiciones, entre ellas la elaborada “Delta” y la más dinámica “Nebula”. Settles firma “Moon Tone Shift”, que comienza en un clima meditativo y crece hasta alcanzar un intenso desenlace.
Las dos piezas de Taylor destacan, como era de esperar, por su carácter rítmico. “Julian’s Groove” transmite una alegría contenida, mientras “The Reel” funciona como el centro melódico y conceptual del álbum.
BILL EVANS TRIO EMPATHY - New York, August 20, 1962 - I believe in you, Danny boy, Let’s go back to the waltz, Goodbye - Bill Evans (p) Monty Budwig (b) Shelly Manne (d)
“Empathy”, grabado en 1962, nació de un encuentro circunstancial entre el pianista Bill Evans y el baterista Shelly Manne. Ambos se presentaban por separado en el Village Vanguard de Nueva York cuando el productor Creed Taylor propuso reunirlos en el estudio. Riverside Records, sello al que pertenecía Evans, autorizó la sesión para Verve, y el trío quedó completo con Monty Budwig, entonces bajista habitual de Manne.
Aunque el disco apareció bajo los nombres de Evans y Manne, el piano ocupa naturalmente el centro de la música. Sin embargo, no se trata simplemente de un solista acompañado por una sección rítmica. Manne escucha y responde continuamente, introduce pequeños acentos y cambios de intensidad, y establece con Evans un diálogo sutil que eleva la sesión por encima de un encuentro convencional. Budwig aporta una base firme y discreta, sin limitar la libertad de sus compañeros.
El repertorio está compuesto principalmente por estándares e incluye dos canciones de Irving Berlin. Evans se escucha especialmente ligero, relajado y espontáneo, mientras Manne demuestra que podía tocar con gran delicadeza sin perder su personalidad.
“Empathy” conserva el aire fresco de una sesión realizada sin mayores pretensiones: tres músicos liberados por un día de sus grupos habituales, disfrutando del placer de tocar juntos.
KENNY WHEELER SEXTET WHAT WAS - London, England, September 29, 1995 - Blue Nile, Newness - Kenny Wheeler (flhrn) Ray Warleigh (as,fl) Stan Sulzmann (ts) John Parricelli (g) Chris Laurence (b) Tony Levin (d)
Pocos músicos de trompeta y fliscorno poseen una voz tan reconocible como Kenny Wheeler. Nacido en Canadá y establecido en Gran Bretaña desde 1952, desarrolló un sonido lírico y melancólico, además de una escritura armónica muy personal. Aunque su música permaneció arraigada en el jazz, Wheeler también ocupó un lugar importante en la improvisación libre europea.
“What Was” fue grabado el 29 de septiembre de 1995 en Gateway Studio, cerca de Londres, pero permaneció inédito durante más de treinta años. Wheeler había fallecido en 2014; la edición póstuma, preparada por el sello False Walls y producida por Evan Parker, apareció en formato físico y digital el 17 de abril de 2026. La sesión se presenta aquí completa por primera vez. [
Wheeler toca junto a Ray Warleigh en saxo alto y flauta, Stan Sulzmann en tenor, John Parricelli en guitarra, Chris Laurence en contrabajo y Tony Levin en batería. Era un conjunto de músicos estrechamente ligados a su mundo musical, y esa familiaridad se percibe en la interacción del sexteto.
El repertorio incluye composiciones de Wheeler, Warleigh, Sulzmann, Mick Pyne y Lee Konitz. “What Was” recupera a Wheeler a los 65 años, en plena madurez: menos impetuoso que en su juventud, pero todavía intenso, imaginativo y dueño de una extraordinaria belleza sonora.


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