PuroJazz

CLARENCE PENN DALI IN COBBLE HILL, Brooklyn, NY, February 2, 2012 - Persistence of memory, Solato’s morning blues, Zoom zoom - Chris Potter (ts,sop,b-cl) Adam Rogers (g) Ben Street (b) Clarence Penn (d,perc)
Desde su llegada a Nueva York hace más de tres décadas, Clarence Penn se ha consolidado como uno de los bateristas más versátiles y creativos del jazz. Su trayectoria junto a figuras como Wynton Marsalis, Betty Carter, Dianne Reeves y Michael Brecker habla por sí sola, al igual que sus propios proyectos como líder.
Dalí en Cobble Hill Penn se imagina cómo Salvador Dali el pintor surrealista habría interpretado un paseo por el barrio de Penn, en Brooklyn.
Ocho composiciones originales y dos standards exploran distintos estados de ánimo, colores sonoros y estrategias musicales que reflejan la amplia trayectoria de Penn como acompañante de lo mejor del jazz contemporáneo. Su grupo que incluye a Chris Potter en saxofón tenor y clarinete bajo, Adam Rogers en guitarra y Ben Street en bajo— le da vida a las piezas con imaginación y buen gusto. Juntos cuentan cada historia musical con sensibilidad y detalle, ofreciendo matices y pequeñas sorpresas.
STEVE LACY EVIDENCE - Englewood Cliffs, NJ, November 14, 1961 - Persistence of memory, Solato’s morning blues, Zoom zoom - Don Cherry (tp) Steve Lacy (sop) Carl Brown (b) Billy Higgins (d)
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En Evidence, grabado para Prestige en 1961, el saxofonista Steve Lacy se adentra en la música de Thelonious Monk, el compositor y pianista con quien había trabajado intensamente y cuyas complejas composiciones conocía a fondo. Lacy no solo entendía ese lenguaje: también le aportaba una voz propia desde su inconfundible sonido en el soprano.
Para esta sesión reunió a un grupo excepcional: el trompetista Don Cherry, entonces integrante del cuarteto de Ornette Coleman; el baterista Billy Higgins, vinculado tanto a Coleman como a Monk; y el contrabajista Carl Brown. Cherry demuestra aquí una gran versatilidad, alejándose de las líneas más libres de Coleman para moverse con naturalidad en el particular mundo de Monk. De los seis temas del disco, cuatro pertenecen a Monk y los otros dos son composiciones menos conocidas de Duke Ellington y Billy Strayhorn.
GIGI GRYCE NICA’S TEMPO - New York, October 15, 1955 - Shuffle boil, Brake’s sake, Gallop’s gallop, Nica’s tempo - Gigi Gryce (as) Thelonious Monk (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)
Signals reúne las grabaciones que el saxofonista y arreglista Gigi Gryce realizó en 1955 para el sello Signal Records, especialmente las sesiones del álbum Gigi Gryce Quartet and Orchestra, también conocido como Nica’s Tempo. El proyecto destaca tanto por sus elaborados arreglos de hard bop como por el sólido trabajo en formato de cuarteto.
Las sesiones contaron con músicos de primer nivel, entre ellos Thelonious Monk, Art Blakey, Horace Silver, Percy Heath, Art Farmer y Jimmy Cleveland. Entre los temas más recordados figuran “Smoke Signal”, “Social Call”, “Shuffle Boil” y “Gallop’s Gallop”.
En 1978, Savoy Records recopiló este material en un álbum doble titulado Signals. Durante esos años, Gryce era considerado una de las figuras más refinadas del hard bop, admirado tanto por su talento como saxofonista como por la elegancia de sus arreglos.


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WYCLIFFE GORDON THE SEARCH - New York, November 30 & December 1, 1999 - Cheeky (1,9,10,12), Blues for Deac’n Cone (1,9,10,12), Sign me up (rw out,2,4,5,13) - Marcus Printup (tp-1) Wycliffe Gordon (tb,tu-2,didgeridoo-3) Ron Westray (tb-4) Delfeayo Marsalis (tb-5) Ted Nash (as-10,fl-11) Walter Blanding (ts-9) Eric Reed (p) Rodney Whitaker (b) Winard Harper (d,perc-12) Herlin Riley (d,perc-13)
El trombonista Wycliffe Gordon desarrolló un estilo profundamente melódico, influido por figuras como Louis Armstrong, J. J. Johnson y Jack Teagarden. Nacido en Waynesboro, Georgia, en 1967, su padre era músico clásico, pero también era pianista y organista de la iglesia, de ahi viene cómo se expresa y cómo interpreta la música.
Gordon descubrió el jazz a los 13 años gracias a la colección de discos de su tía. Quedó especialmente impactado por la música de Nueva Orleans. Nacido en Georgia en 1967, creció en un ambiente musical: su padre era músico clásico y también pianista y organista de iglesia.
Más tarde estudió educación musical en Florida A&M, donde participó en todo tipo de conjuntos universitarios. En 1987, un encuentro con Wynton Marsalis marcó un antes y un después en su carrera. Durante una clase, Marsalis pidió improvisar sobre un blues y Gordon destacó de inmediato por su familiaridad con la tradición de llamada y respuesta propia de la iglesia y del jazz de Nueva Orleans. Impresionado, Marsalis mantuvo el contacto y al año siguiente lo invitó a integrarse a su banda.
En el álbum The Search, Gordon amplía aún más su lenguaje musical incorporando incluso el didgeridoo, con resultados sorprendentes y difíciles de encasillar.
RONNIE MATHEWS ROOTS, BRANCHES & DANCES - New York, December 7, 1978 - Salima’s dance (1,2), It don’t mean a thing, Hi fly - Frank Foster (sop-1,ts) Ronnie Mathews (p) Ray Drummond (b) Al Foster (d) Azzedin “Niles” Weston (perc-2)
El pianista Ronnie Mathews fue uno de esos músicos fundamentales del hard bop que brillaron especialmente como acompañantes. A fines de los años setenta tuvo la oportunidad de grabar como líder para el sello Bee Hive Records. “Roots, Branches & Dances”, registrado en diciembre de 1978, fue apenas su segundo disco al frente de una sesión y apareció catorce años después de “Doin’ The Thang!”.
El álbum reúne a un grupo de primer nivel: Frank Foster, Ray Drummond, Al Foster y el percusionista Azzedin Weston. Foster despliega un sonido influido por John Coltrane en temas como “It Don’t Mean a Thing” y “Hi-Fly”, mientras Al Foster aporta un swing sólido y elegante.
El contrabajista Ray Drummond destacaba “Salima’s Dance” como ejemplo del interés de Mathews por el lenguaje modal impulsado por Miles Davis. En “Thews’ Blues”, en cambio, el pianista mezcla estructuras tradicionales con armonías más abiertas y un cromatismo inspirado tanto en McCoy Tyner como en Ahmad Jamal.
ROXY COSS RESTLESS IDEALISM - Brooklyn, NY, November 10 & 20, 2014 - Don’t cross the Coss, Push, Tricky - Jeremy Pelt (tp) Roxy Coss (ts,sop) Chris Pattishall (p) Alex Wintz (g) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)
Roxy Coss es una de las saxofonistas únicas e innovadoras de su generación, una voz definitoria del Movimiento Millennial en el Jazz. Ganadora del premio ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award 2016, las encuestas de críticos Downbeat la incluyeron en la lista de “Estrella del saxo soprano en ascenso”. Originaria de Seattle, y ahora radicada en la escena de Nueva York. El 2014, Coss hizo su segunda grabación como líder, Restless Idealism, para Origin Records, con 10 composiciones originales, ha sido aclamada por la crítica y alcanzó el número 7 en Jazzweek, la lista de jazz nacional de EE. UU.
Con su quinteto Roxy Coss ha actuado en muchos de los mejores lugares de la ciudad de Nueva York, y como acompañante, ha actuado a nivel nacional e internacional con grandes del jazz como Clark Terry, Louis Hayes, Claudio Roditi y la Mingus Big Band. Ha sido miembro habitual de The Diva Jazz Orchestra desde 2009 y durante tres años fue miembro del grupo del trompetista Jeremy Pelt.


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CHICK WEBB AND HIS ORCHESTRA - New York, September 10 & November 19, 1934 - That rhythm man, Blue minor, It’s over because we’re through, Blue Lou - Mario Bauza, Bobby Stark (tp) Taft Jordan (tp,vcl) Sandy Williams, Claude Jones (tb) Pete Clarke (cl,as) Edgar Sampson (as,arr) Elmer Williams (ts) Wayman Carver (ts,fl) Joe Steele (p) John Trueheart (bj,g) John Kirby (b,tu) Chick Webb (d,bells)
Uno de los importantes bateristas que surgió a fines de la década de 1920, el efímero William “Chick” Webb dirigió una banda de swing muy popular que estuvo en su mejor momento durante 1934-39. Era jorobado, efecto de una tuberculosis en la columna vertebral pero Webb superó su aflicción para convertirse en un baterista y líder de banda influyente. Oriundo de Baltimore, llegó a Nueva York y antes de cumplir veinte años dirigía una banda en el Savoy Ballroom de Harlem. Impulsada por su contundente batería, la banda de Webb se convirtió en un potente conjunto de swing, capaz de competir con Duke Ellington o Fletcher Henderson en las legendarias batallas de bandas que se celebraban en el Savoy.
LAWRENCE BROWN INSPIRED ABANDON - New York, March 8, 1965 - Stompy Jones, Mood indigo (1,2) - Ray Nance (cnt) Cat Anderson (tp) Lawrence Brown, Buster Cooper (tb) Jimmy Hamilton (cl) Russell Procope (as,cl) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves, Harold Ashby (ts) Jimmy Jones (p) Richard Davis (b) Gus Johnson (d) Johnny Hodges, Jr. (d-1) replaces Johnson
Aunque Lawrence Brown suele asociarse con la era del swing por sus largos años junto a Duke Ellington, también fue uno de los grandes trombonistas de fines de los años veinte. Antes de dedicarse definitivamente al trombón estudió piano, violín y tuba, e incluso cursó medicina en el Pasadena Junior College. Sin embargo, tocar en la orquesta estudiantil terminó inclinándolo hacia la música.
Muy pronto se convirtió en una figura importante de la escena jazzística de Los Ángeles. Trabajó y grabó con los Quality Serenaders de Paul Howard y formó parte de la banda estable del Sebastian’s Cotton Club, dirigida por Les Hite, agrupación que acompañó a Louis Armstrong en 1930.
En 1932 ingresó a la orquesta de Duke Ellington, donde permaneció hasta 1951. Su sonido elegante y fluido contrastaba perfectamente con el estilo más áspero de Tricky Sam Nanton. Más tarde trabajó con Johnny Hodges y regresó luego a Ellington antes de retirarse definitivamente.
COZY COLE ALL STARS - New York, February 22, 1944 - Blue moon, Father co-operates, Just one more chance, Thru’ for the night - Joe Thomas (tp) Trummy Young (tb) Coleman Hawkins (ts) Earl Hines (p) Teddy Walters (g) Billy Taylor (b) Cozy Cole (d)
Cozy Cole fue uno de esos bateristas sólidos que nunca dejaron de trabajar. Su carrera se extendió por décadas y lo llevó a tocar junto a figuras fundamentales del jazz. Grabó con Jelly Roll Morton en 1930, pasó por las grandes orquestas de Blanche Calloway y Benny Carter, y entre 1936 y 1938 integró el popular sexteto de Stuff Smith.
Más tarde formó parte de la extraordinaria sección rítmica de Cab Calloway junto a Danny Barker, Bennie Payne y Milt Hinton. En los años cuarenta se convirtió en una presencia habitual de la calle 52 de Nueva York, tocando con numerosos pequeños grupos y colaborando ocasionalmente con Benny Goodman.
Entre 1949 y 1953 ocupó el lugar de Sid Catlett en los Louis Armstrong All-Stars. Tras una gira europea con Jack Teagarden y Earl Hines, alcanzó inesperadamente el éxito popular con “Topsy” en 1958. Ese éxito le permitió liderar sus propias bandas durante varios años y mantenerse activo hasta bien entrada la década de 1970.
GEORGE WETTLING CHICAGO RHYTHM KINGS - New York, January 16, 1940 - I’ve found a new baby, Bugle call rag, I wish I could shimmy like my sister Kate, At the darktown strutters ball - Charlie Teagarden (tp) Floyd O’Brien (tb) Danny Polo (cl) Joe Marsala (ts) Jess Stacy (p) Jack Bland (g) Artie Shapiro (b) George Wettling (d)
El percusionista de Chicago George Wettling era famoso por su estilo y por su sólido apoyo tanto de big bands como grupos pequeños. El baterista de la casa de Commodore Records, es recordado por su trabajo junto a las orquestas de Artie Shaw, Paul Whiteman y Bunny Berigan. Aunque nació en Topeka, Kansas, su formación musical estuvo profundamente ligada a Chicago, ciudad donde vivió entre 1921 y 1935.
Durante esos años compartió con jóvenes músicos como Bud Freeman, Benny Goodman, Muggsy Spanier y Dave Tough. Todos ellos frecuentaban clubes para escuchar a King Oliver, Louis Armstrong y especialmente al baterista Baby Dodds, quien marcaría para siempre el estilo de Wettling.
Instalado en Nueva York desde 1935, Wettling pasó por algunas de las grandes bandas de la era del swing y luego desarrolló una extensa carrera en pequeños grupos junto a viejos amigos de Chicago como Eddie Condon, Bud Freeman y Jimmy McPartland. En sus últimos años seguía activo, tocando regularmente en Bill’s Gay 90’s.


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Los años setenta fueron especialmente fértiles para Woody Shaw, tanto en lo creativo como en lo comercial. Fue también el período en que comenzó a grabar como líder y a desarrollar plenamente una voz propia: un lenguaje que unía el post-bop más sofisticado con el jazz modal, incorporando además elementos del free y ciertos guiños a la fusión.
De esos años surgieron discos fundamentales que muestran a un músico con una visión clara, capaz de construir un sonido propio sin alejarse de la historia del jazz. Su música es exigente, sí, pero también profundamente expresiva.
WOODY SHAW BLACKSTONE LEGACY - New York, December 8 & 9, 1970 - Think on me (1,2) - Woody Shaw (tp) Gary Bartz (as,sop) Bennie Maupin (ts,b-cl,fl) George Cables (p,el-p) Ron Carter (b-1) Clint Houston (b-2) Lenny White (d
La oportunidad de debutar como líder ocurrió a fines de 1970 con *Blackstone Legacy*, grabado para Contemporary Records, el sello fundamental en la escena jazzística de la costa oeste en los años cincuenta y sesenta. Pero el contexto ya había cambiado. Los gustos del público se movían hacia otros sonidos y el disco terminó pasando casi desapercibido en su lanzamiento original, eclipsado por sus celebrados trabajos posteriores para Columbia Records. Sin embargo, con los años se transformó en una obra de culto. La reciente reedición en vinilo recupera el álbum con una nueva masterización.
WOODY SHAW SONG OF SONGS - Los Angeles, September 15 & 18, 1972 - The goat and the archer (2) Woody Shaw (tp) Manny Boyd (fl,ts) Ramon Morris (ts-1) Bennie Maupin (ts-2) George Cables (p,el-p) Henry Franklin (b) Sonship “Woody” Theus (d,perc)
En la evolución de la trompeta jazzística, Woody Shaw ocupó en los primeros años setenta un lugar comparable al que Freddie Hubbard había tenido una década antes. Las comparaciones eran inevitables, pero Shaw desarrolló rápidamente una voz propia, algo que se percibe con claridad en *Song of Songs*, uno de los discos más singulares de su etapa para Contemporary.
El álbum con una formación poco habitual, saxos tenores y flauta, además de composiciones complejas y abiertas. La música se mueve entre el hard bop, las exploraciones modales y ciertos guiños a la vanguardia. Aunque el sonido de Shaw podía recordar al de Hubbard, su enfoque era más arriesgado y expansivo. Sus solos, siempre impredecibles, mantienen el disco en permanente tensión creativa.
WOODY SHAW THE MOONTRANE - New York, December 11, 1974 - The Moontrane - Woody Shaw (tp) Steve Turre (tb) Azar Lawrence (ts,sop) Onaje Allan Gumbs (p) Buster Williams (b) Victor Lewis (d)
Estilísticamente, Shaw se encontró en la intersección de los años 60 y 70 entre el hard bop y el free jazz; un área que Herbie Hancock llamó “libertad controlada”. Su composición The Moontrane es una de las composiciones icónicas del libro de jugadas de jazz, interpretación que abarca desde Unity de Larry Young en 1966 hasta la grabación de 1988 con Freddie Hubbard, The Eternal Triangle.
Grabado a fines de 1974, *The Moontrane* fue el disco que terminó de consolidarlo como una voz propia dentro del jazz de la época. Aunque durante años se le comparó con Freddie Hubbard, aquí la referencia más evidente parece ser John Coltrane. Shaw logra trasladar al lenguaje de la trompeta la intensidad, velocidad y complejidad armónica asociadas al saxofonista, pero sin perder claridad ni elegancia.
El álbum también cuenta con el saxofonista Azar Lawrence, cuya presencia refuerza ese clima modal y expansivo que atraviesa toda la grabación.
WOODY SHAW ROSEWOOD - New York, December 15, 17 & 19, 1977
- Everytime I see you (jh,ah out) - Woody Shaw (tp,flhrn) Steve Turre (tb,b-tb) Janice Robinson (tb) Frank Wess (fl,pic) Art Webb (fl) Jimmy Vass (sop,as) Rene McLean, Carter Jefferson (sop,ts) Onaje Allan Gumbs (p,el-p) Lois Colin (harp) Clint Houston (b) Victor Lewis (d) Sammy Figueroa (cga)
- Theme for Maxine (2) Woody Shaw (tp-1,flhn-2) Carter Jefferson (ts-1) Joe Henderson (ts-2) Onaje Allan Gumbs (p) Clint Houston (b) Victor Lewis (d)
Al cierre de una década particularmente intensa, Shaw firmó con Columbia Records y publicó una nueva serie de álbumes muy celebrados: *Rosewood* (1977), *Woody III* (1978) —titulado así en honor a su hijo Woody Louis Armstrong Shaw III, nacido ese año. Entre todos, *Rosewood* fue el más reconocido: obtuvo una nominación al Grammy y fue elegido Mejor Álbum de Jazz de 1978 en la encuesta de lectores de *DownBeat*, la misma en la que Shaw fue distinguido como trompetista del año. La calidad sonora del álbum refleja el nivel de los estudios del sello.
El disco combina una formación numerosa, con percusiones y algunos teclados eléctricos típicos de fines de los setenta, junto a momentos más acústicos e íntimos. En ese contexto, la presencia de Joe Henderson resulta fundamental. El contraste entre el tono brillante de Shaw y el sonido más áspero de Henderson le da al álbum una tensión muy atractiva.
WOODY SHAW STEPPING STONES - LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, August 5, 1978 - Seventh Avenue (2) - Woody Shaw (cnt,flhrn-1) Carter Jefferson (ts,sop-2) Onaje Allan Gumbs (p) Clint Houston (b) Victor Lewis (d)
A fines de los años setenta, Woody Shaw era uno de los pocos músicos que seguía defendiendo el hard bop más moderno y arriesgado, justo cuando gran parte del jazz se desplazaba hacia sonidos eléctricos y fórmulas más comerciales. Shaw eligió otro camino: mantener un lenguaje exigente, intenso y profundamente ligado a la tradición post-bop, aunque eso significara quedar fuera de las tendencias dominantes.
Stepping Stones pertenece a la notable serie de álbumes que grabó para Columbia entre 1977 y 1981, una etapa que muchos consideran el punto más alto de su carrera. Registrado en el mítico Village Vanguard, el disco captura a Shaw en plena madurez creativa.
El quinteto que lo acompaña —con Carter Jefferson, Onaje Allan Gumbs, Clint Houston y Victor Lewis— funciona con una cohesión admirable. La música avanza con fuerza y libertad, pero siempre con un sentido colectivo muy claro. Más que una plataforma para el lucimiento del trompetista, el álbum transmite la sensación de estar escuchando a una banda real, conectada y completamente comprometida.
WOODY SHAW WOODY III New York, January 24, 1979 - Organ grinder - Woody Shaw (flhrn) George Cables (p) Buster Williams (b) Victor Lewis (d)
La primera mitad de este excelente disco —“Woody I”, “Woody II” y “Woody III”— muestra a Woody Shaw al frente de una poderosa formación de doce músicos. Lo acompañan figuras como el saxofonista Carter Jefferson, los trombonistas Steve Turre y Curtis Fuller, el saxofonista James Spaulding y el pianista Onaje Allan Gumbs.
La segunda parte incluye otras composiciones de Shaw, como “To Kill a Brick” y “Organ Grinder”, además de “Escape Velocity”, del contrabajista Clint Houston. Allí, Shaw alterna trompeta, fliscorno y corneta en distintos formatos, desde cuarteto hasta sexteto.
Todo el álbum lo encuentra en un momento brillante: inspirado, arriesgado y con un sonido inconfundible. Por repertorio, interpretación y nivel de los solos, es una de sus grabaciones esenciales.


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JOE MCPHEE IMPRESSIONS OF JIMMY GIUFFRE - Marseille, France, April 14 & 15, 1991 - Nenette, Chirpin’ time, A portrait of Juanita, The train and the river - Joe McPhee (sop,v-tb) Andre Jaume (ts,b-cl) Raymond Boni (g,el-g)
Cuando Joe McPhee, André Jaume y Raymond Boni grabaron Impressions of Jimmy Giuffre un homenaje al gran clarinetista, llevaban casi quince años tocando juntos, y esa historia compartida se percibe en la enorme compenetración del grupo.
El multi-instrumentista McPhee incorpora aquí el trombón de válvula, un saludo al célebre trío de Giuffre con Bob Brookmeyer. Pero no hay intención de imitar: el objetivo es capturar el espíritu de Giuffre y rendir tributo a un amigo desde una visión propia y contemporánea.
La personalidad sonora de Boni también deja una marca decisiva, especialmente por su enfoque rítmico de la guitarra. Entre los momentos más memorables destaca “Nenette”, una de las baladas más sensibles escritas por McPhee. El álbum incluye además un emotivo recuerdo a Juanita Giuffre, figura clave en la vida y carrera del músico.
TARBABY FEATURING OLIVER LAKE DANCE OF THE EVIL TOYS - Paramus, NJ, c. 2021 - Bonu, Bumper, Dance of the evil toys (1), Purple - Josh Lawrence (tp) Oliver Lake (as) Orrin Evans (p,vcl) Eric Revis (b) Nasheet Waits (d) Dana Murray (perc-1)
El grupo TarBaby funciona como un colectivo, con el núcleo formado por Orrin Evans en piano y voz, Eric Revis en contrabajo y Nasheet Waits en batería. En Dance of the Evil Toys el trío agrega invitados de peso: el histórico saxofonista Oliver Lake, el trompetista Josh Lawrence y, en el tema que da título al disco, el percusionista Dana Murray.
La amplitud del grupo es notable: se acerca a la intensidad del universo de Cecil Taylor y luego vuelve a un lenguaje más clásico, COMO OCURRE EN “JRMJ” DE REVIS. Lawrence brilla en el tema central y en “Purple”, donde el uso de sordina crea un clima introspectivo que recuerda por momentos al gran quinteto de Miles Davis de los años 60.
TRIPTYCH MYTH THE BEAUTIFUL - Brooklyn, NY, March 31, 2005 - All up in it, Frida K. the beautiful, Trident, Robinia pseudoacacia - Cooper-Moore (p) Tom Abbs (b) Chad Taylor (d)
Aunque Cooper-Moore suele usar instrumentos que construye él mismo, en The Beautiful opta excklusivamente por el piano. Junto al contrabajista Tom Abbs y el baterista Chad Taylor, arma un disco muy equilibrado, donde conviven momentos líricos, pasajes libres y una energía constante que nunca pierde dirección. Registrado en 2005 para AUM Fidelity, el disco confirmó a Triptych Myth como uno de los tríos más interesantes de esa escena. Cooper-Moore, ligado desde los años 70 al universo del Loft Jazz y colaborador habitual de William Parker, encuentra aquí un grupo que entiende perfectamente su lenguaje. Chad Taylor, por su parte, vuelve a destacar por su creatividad y flexibilidad en la batería.
Hay ciertas afinidades con músicos como Herbie Nichols o Cecil Taylor, aunque el trío evita caer en referencias evidentes. Lo más atractivo del álbum es justamente la naturalidad con que pasa de melodías sensibles a improvisaciones intensas y abiertas que muestran esa mezcla de delicadeza y fuerza que se escucha en toda la grabación.


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