PuroJazz

DUKE ELLINGTON “BLUES IN ORBIT” - New York, Midnight to 4:30 a.m., December 2 & 3, 1959
- Smada (1), Pie eye’s blues, The swingers get the blues too, C jam blues - Ray Nance (tp,vln) Britt Woodman, Booty Wood, Matthew Gee (tb) Jimmy Hamilton (cl,ts) Russell Procope (cl,as) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves (ts) Harry Carney (bar,b-cl,cl) Duke Ellington (p) Billy Strayhorn (p-1)Jimmy Woode (b) Jimmy Johnson (d)
Duke Ellington And His Award Winners - Blues in Orbit caza la esencia de una grabación nocturna de estudio, equilibrando tanto la espontaneidad como y el pulido técnico. Ellington y compañía acababan de regresar de una gira europea cuando la mayor parte de este álbum se grabó en una sesión después de la medianoche en Nueva York los días 2 y 3 de diciembre de 1959. Los arreglos tuvieron que ser escritos rápidamente porque el copista no apareció. Por un lado, la banda swinguea con estas piezas más cortas; y por el otro, también improvisan libre e intensamente en varios puntos. Hay magníficos solos de Ray Nance, Harry Carney y Paul Gonsalves; en “Smada” Billy Strayhorn está en el piano y Johnny Hodges en el saxo alto, y “Pie Eye’s Blues” es una improvisación de estudio con Ray Nance y Jimmy Hamilton intercambiando tres solos cada uno.
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LOU LEVY “LUNARCY” - Los Angeles, February 10-12, 1992 - Lunarcy, Pathetique, Zoot - Pete Christlieb (ts,a-fl) Lou Levy (p) Eric Von Essen (b,cello) Ralph Penland (d,perc)
Aunque el disco Lunarcy del pianista Lou Levy tiene una configuración de rutina, una sección rítmica y un saxofón tenor, la música es todo menos rutinaria. Levy, el saxofonista Pete Christlieb, el bajista Eric Von Essen y el baterista Ralph Penland tocan música de extraordinarias texturas armónicas. La canción del título surgió del clásico “How High The Moon”, cuyo espíritu se cierne sobre la actuación, pero la línea de melodía de Levy y los cambios hacen de esta una experiencia completamente nueva. En “Pathetique”, Levy adapta los arrebatos de Tchaikovsky y Harold Arlen y los transforma en una pieza tan intrincada como “Giant Steps”. La integración del cuarteto es absoluta.
BILL EVANS QUINTETS “THE INTERPLAY SESSIONS”
- New York, August 21 - 22, 1962 - Loose bloose, Fudgesickle built for four - Zoot Sims (ts) Bill Evans (p) Jim Hall (g) Ron Carter (b) Philly Joe Jones (d)
- New York, July 16, 1962 - You go to my head - Freddie Hubbard (tp) Bill Evans (p) Jim Hall (g) Percy Heath (b) Philly Joe Jones (d)
Los quinteto sde Bill Evans en Interplay se componen de un par de sesiones diferentes: ambas incluyeron a Jim Hall en la guitarra y Philly Joe Jones en la batería. Las sesiones de julio de 1962 son con un jovencísimo Freddie Hubbard, para las de agosto el saxofonista Zoot Sims reemplaza a Hubbard , y se suma el bajista Ron Carter.
Incluye material original que se apega más al formato de hard bop transitando por una delgada línea entre el elegante sentido de las baladas de Evans y su enfoque más duro, ágil y contundente del blues y hard bop. Comienza con “Loose Bloose” y un blues vamp estándar, con hermosos solos de Hall y Sims. Los acordes de Evans aquí cambian a su lado más ornamentado. Esto contrasta marcadamente con la balada “Time Remembered”, que es lánguida, misteriosa y llena de elegancia a través de lo que no se “dice”. Sims toca en su mejor onda Ben Webster.


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MICHAEL BRECKER “TIME IS OF THE ESSENCE” - New York, 1999 - Arc of the pendulum - Michael Brecker (ts) Larry Goldings (org) Pat Metheny (g) Elvin Jones (d) - New York, 1999 - Half past late - Bill Stewart (d) replaces Elvin Jones
El saxo tenor Michael Brecker introdujo nuevos ángulos en su sonido en “Time Is Of The Essence”, con dos nuevos sidemen. El órgano de Larry Goldings, Pat Metheny en la guitarra y uno de tres bateristas diferentes. Ya que no hay bajo, Metheny a menudo ocupa ese papel cuando no está improvisando. El toque de Goldings es ligero, en contraste con el enfoque más intenso de Brecker y Metheny. Pero es el segundo nuevo acompañante quien marca la diferencia: Elvin Jones en la batería en tres pistas. Brecker nunca se había escondido de anunciar sus influencias, y con el impulso de Jones despliega su afecto por John Coltrane, tocando libre y agresivamente.
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INGRID JENSEN “INVISIBLE SOUNDS : FOR KENNY WHEELER” - Shoreline, WA, March 2, 2015 - Foxy trot (1) Old Time - Ingrid Jensen (tp) Christine Jensen (sop-1) Steve Treseler (ts,cl,b-cl) Geoff Keezer (p) Martin Wind (b) Jon Wikan (d)
El trompetista Kenny Wheeler que fue uno de los grandes del jazz, aunque nunca alcanzó el reconocimiento popular que se merecía y algunos de sus contemporáneos lograron. Sin embargo, para sus compañeros y audiencias de todo el mundo, era un tesoro internacional. Nacido en Canadá en 1930, se mudó a Inglaterra en 1952, tocando con una variedad de bandas, entre otras, John McLaughlin y Dave Holland.
La trompetista Ingrid Jensen, también nacida en Canadá pero residente en la ciudad de Nueva York, estudió con Wheeler y es una devota de su música y sonido, al igual que su colíder el saxofonista Steve Treseler. En el disco “Invisible Sounds - For Kenny Wheeler” - Sonidos invisibles, hacen un homenaje a Wheeler cuya composición “Foxy Trot”, incluida en el álbum de Wheeler Double, Double You de 1984), abre el disco con su memorable melodía descendente/ascendente consolidada por robustas secciones de ensamble.
THE MEL LEWIS ORCHESTRA “”20 YEARS AT THE VILLAGE VANGUARD” - New York, March 20-22, 1985 - All of me (tj arr) Solo: Ralph Lalama, Butter (jd arr), Solos: Kenny Werner, Ed Neumeister, C jam blues (bf arr) Solos: Kenny Werner, Mel Lewis
Earl Gardner, Joe Mosello, Glenn Drewes, Jim Powell (tp) Bill Pusey (tp-1) added, John Mosca, Ed Neumeister (tb) Douglas Purviance, Earl McIntyre (b-tb) Stephanie Fauber (fhr) Dick Oatts (as,sop,fl) Ted Nash (as,sop,cl,fl) Joe Lovano, Ralph Lalama (ts,cl,fl) Gary Smulyan (bar,b-cl) Kenny Werner (p) Dennis Irwin (b) Mel Lewis (d,ldr) Thad Jones, Richard de Rosa, Jim McNeely, Jerry Dodgion, Bill Finegan, Bob Brookmeyer (arr)
En 1965, el baterista Mel Lewis y el trompetista Thad Jones (hermano de Elvin) formaron la Orquesta Thad Jones-Mel Lewis, que comenzó presentándose todos lunes en el club Village Vanguard desde febrero de 1966. En 1978, Jones dejó la banda y se mudó a Europa, y Lewis mantuvo el grupo en marcha, llamándolo la Mel Lewis Jazz Orchestra. Una de las características más distintivas del conjunto fue su énfasis en los solistas, a los que siempre se les dio mucho espacio para expresarse. Mel comentó que la suya solo es una big band cuando todos tocan juntos, pero cuando alguien está haciendo un solo es un cuarteto”.
La Mel Lewis Jazz Orchestra celebró su 20 aniversario con este álbum. Aunque se incluyen dos arreglos de Jones, la banda había cambiado bastante desde su salida. Se tornó más joven y menos dependiente de un arreglista, y un poco más influenciada por la música clásica pero con swing. Esta versión de la banda incluye músicos notables como el pianista Kenny Werner, el altoista Dick Oatts y tanto Joe Lovano como Ralph Lalama en tenores.


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CANNONBALL ADDERLEY “SOMETHIN’ ELSE” - Hackensack, N.J., March 9, 1958 - Autumn leaves, Love for sale, Somethin’ else - Miles Davis (tp) Cannonball Adderley (as) Hank Jones (p) Sam Jones (b) Art Blakey (d)
Cannonball Adderley renunció a su propia banda en 1957 cuando tuvo la oportunidad de unirse al épico conjunto de Miles Davis, lo que finalmente resultó en algunas de las mejores grabaciones de jazz de todos los tiempos (incluyendo Milestones y Kind of Blue). Davis devolvió el favor en marzo de 1958, apareciendo como sideman en la fecha del quinteto de estrellas de Adderley para Blue Note, y la sesión resultante es de hecho Somethin’ Else. El equipo rítmico (Hank Jones, Sam Jones, Art Blakey) crea un ritmo tenso y enfocado mientras la banda renueva “Autumn Leaves” y “Love for Sale”. Somethin’ Else, una de las sesiones más gloriosamente relajadas de la era del hard bop.
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BUDDY DEFRANCO “THE ARTISTRY OF BUDDY DEFRANCO” - Los Angeles, August 9 & 10, 1954 - The Bright One, Mine, Now’s the time, Autumn leaves - Buddy DeFranco (cl) Sonny Clark (p) Eugene Wright (b) Bobby White (d)
Buddy DeFranco fue uno de los grandes clarinetistas e indiscutiblemente el mejor en surgir desde 1940. Fue su mala suerte ser el mejor en un instrumento que después de la era del swing cayó drásticamente en popularidad y, a diferencia de Benny Goodman y Artie Shaw, tampoco fue un nombre reconocido por el público en general.
The Artistry Buddy DeFranco (el arte de) es uno de sus mejores álbumes de los años 50. DeFranco lleva el clarinete a lugares que no se imaginaban en la década anterior. Es una sesión con Sonny Clark en el piano y un swing ligero y relajado, gracias al suave pulso de Eugene Wright en el bajo y Robert White en la batería. La interacción entre Clark y DeFranco es definitivamente una de las sobresalientes del jazz de los años 50, se escucha en pistas que incluyen “Titoro”, “Mine”, “Gerry’s Tune” y “Now’s The Time”.


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LUIS RUSSELL:
- HOT SIX - Chicago, March 10, 1926 - 29th and Dearborn, Sweet Mumtaz George Mitchell (cnt) Kid Ory (tb) Albert Nicholas (cl,as,sop) Barney Bigard (ts) Luis Russell (p) Johnny St. Cyr (bj) Richard M. Jones (speech-1)
HEEBIE JEEBIE STOMPERS - Chicago, November 17, 1926 - Plantation joys, Please don’t turn me down, Dolly mine - Bob Shoffner (cnt) Preston Jackson (tb) Darnell Howard (cl,as) Barney Bigard (ts) Luis Russell (p) Johnny St. Cyr (bj)
Luis Russell dirigió una de las mejores big bands de fines de la década de los 20 e inicios de los 30. 1929-1931. Estudió guitarra, violín, órgano y piano en Panamá, su país natal, eventualmente optó por el piano. Se inició como músico profesional acompañando películas mudas en 1917. En 1919 Russell ganó US $ 3.000 en una lotería, dinero que utilizó para mudarse con su madre y hermana a Nueva Orleans. Durante los siguientes años, Russell trabajó con una variedad de bandas de la ciudad, incluida una dirigida por Albert Nicholas en 1923. Cuando Nicholas dejó la ciudad al año siguiente, Russell asumió el liderazgo del grupo. Una año más tarde, Russell se mudó a Chicago para tocar con Doc Cook. Pronto se unió a la banda de King Oliver durante dos años, de gira, grabando para luego mudarse a Nueva York en 1927 con el cornetista. En 1926, mientras aún estaba en Chicago, Russell dirigió dos sesiones de grabación, una con su Hot Six y la otra junto a su Heebie Jecbie Stompers, con gente como George Mitchell, Kid Ory, Albert Nicholas, Barney Bigard, Johnny St. Cyr y otros.
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BIX BEIDERBECKE “THE WOLVERINES” - Richmond, Indiana, May 6 & June 20, 1924 - Riverboat shuffle, Susie Take A, I need some pettin’, Susie Take B - Bix Beiderbecke (cnt) Jimmy Hartwell (cl) George Johnson (ts) Dick Voynow (p,ldr) Bob Gillette (bj) Min Leibrook (tu) Vic Moore (d)
En muchos sentidos, Bix Beiderbecke simbolizó la década de 1920. Saltó a la fama con el auge de la Era del Jazz, bebió demasiado licor de contrabando y murió poco después de la Gran Depresión. Tocaba intuitivamente y se sintió atraído por una música nueva y salvaje que sus padres desaprobaban. Fue uno de los primeros (quizás el primero) músicos blancos en crear su propia voz original en una música dominada por negros.
Leon Beiderbecke nació y creció en Davenport, Iowa, en una familia conservadora. Desde temprana edad, el talento musical de Beiderbecke era evidente. Recibió clases de piano clásico, pero solía enloquecer a sus profesores al “mejorar” improvisando la música escrita. Después de su graduación de la escuela secundaria, sus padres lo enviaron a la Academia Militar de Lake Forest con la vana esperanza de que aprendiera autodisciplina y se olvidara de esta música de jazz. La escuela estaba a solo 5 km al norte de Chicago, ¡el centro del jazz en ese momento! Beiderbecke pronto violó el toque de queda de su escuela al ir a clubes nocturnos locales en busca de jazz. Disfrutó de la música de los New Orleans Rhythm Kings, y tuvo algunas oportunidades de tocar con ellos. Bix finalmente fue pillado y expulsado de la academia hacia el final de su primer año.
Durante 1922-23, Beiderbecke estudió corneta, tocó y trabajó como autónomo. El estilo de de Emmet Hardy le impresionó e influenciado en esa época; además conoció y se hizo amigo de Louis Armstrong. En octubre de 1923, Beiderbecke se unió a una nueva banda, The Wolverines, que comenzó con la New Orleans Rhythm King como modelo antes de desarrollar su propio sonido.
Entre febrero y octubre de 1924, los Wolverines grabaron 16 canciones, el debut discográfico de Bix. Ya en ese punto inicial, Beiderbecke tenía un tono hermoso e inquietante, y un estilo que era fresco por fuera pero lleno de fuego interior. Los discos de los Wolverines se hicieron notar rápidamente, e incluso Red Nichols, famoso trompetista de la época, copió el primer solo de Bix (’Jazz Me Blues’) nota por nota en una grabación.
JAMES P. JOHNSON “PIANO SOLO” - New York, 1921/23 The Harlem Strut, Keep Off the Grass, Carolina Shout, Worried & Lonesome Blues - James P. Johnson (p)
El rey de los pianistas del estilo stride, James P. Johnson fue uno de los grandes pianistas de jazz y posiblemente el más influyente de la década de 1920, particularmente antes que surgieran otros importantes pianistas: Fats Waller, Earl Hines y Art Tatum. Johnson recibió clases de piano de su madre, tocaba en fiestas de alquiler cuando era aún adolescente. Se hizo profesional en 1912, tocando en grupos o solo en clubes, realizaba giras de vodevil, haciendo rollos de piano (a partir de 1917) y también trabajaba en teatro.
Johnson empujó la música más allá del ragtime, él “caminaba” con su mano izquierda (moviéndose hacia adelante y hacia atrás entre notas graves y acordes que se tocaban una octava o dos más arriba) mientras que la derecha improvisaba una serie interminable de variaciones melódicas. Aunque Johnson no inventó el stride piano o piano a zancadas, solidificó las ideas de sus predecesores de las dos décadas anteriores en un nuevo y emocionante estilo que encajaba perfectamente con la música de los años 20.
Johnson grabó por primera vez en 1921 y durante la década siguiente grabó sus composiciones clásicas, como “Carolina Shout” (una pieza de prueba para estudiantes), “Keep Off the Grass”, “Snowy Morning Blues”, “You’ve Got ser modernista “. También dirigió algunas citas con pequeños grupos, grabó como acompañante de una variedad de cantantes de blues clásicos (incluidos encuentros memorables con Bessie Smith y Ethel Waters), y fue la estrella de innumerables fiestas de alquiler y jam sessions o sesiones de improvisación, a menudo con sus amigos los pianistas Willie “the Lion “Smith y Fats Waller (su - protegido). Pero eso no fue todo. Johnson escribió estándares como “”If I Could Be with You One Hour Tonight,” “Old-Fashioned Love “y el tema principal de la década de 1920: “The Charleston “. En julio de 1928 estrenó su obra de larga duración Yamecraw en el Carnegie Hall.
GEORGE BRUNIES “AND HIS JAZZ BAND” - New York, November 29, 1943 - Royal garden blues, Ugly child (gb vcl), Tin roof blues, That da da strain - Wild Bill Davison (cnt) George Brunies (tb,vcl) Pee Wee Russell (cl) Gene Schroeder (p) Eddie Condon (g) Bob Casey (b) George Wettling (d)
George, el más famoso de los hermanos Brunies, fue un importante trombonista en el mundo del Dixieland durante décadas. Cuando tenía ocho años, ya tocaba la trompeta en la banda de Papa Jack Laine. Brunies (que era autodidacta y nunca aprendió a leer música) cambió al trombón, tocando en una variedad de bandas en Nueva Orleans cuando era adolescente. Como muchos músicos de la ciudad, en 1920 se mudó a Chicago, para unirse a la banda del baterista Joe “Ragababy” Stevens y el pianista Elmer Schoebel, y participó en una banda que tocaba en el S.S. Capitol, un barco que transitaba por el río Mississippi. En 1921, Brunies se unió a The Friar’s Society Orchestra, que pronto se convirtió en la New Orleans Rhythm Kings. La carrera de Brunies apenas comenzaba. En años posteriores, el trombonista (que por consejo de un numerólogo eliminó dos de las letras E de su nombre. Trabajó con Louis Prima, Sharkey Bonano, Bobby Hackett, Ragtimers de Muggsy Spanier (1939), Art Hodes, Eddie Condon, Wild Bill Davison y sus propias bandas, manteniéndose activo hasta principios de los años 70.


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MASSIMO BIOLCATI “MOMENTA” - Brooklyn, NY, February, 2020 - Emma’s dilemma - Jaleel Shaw (as) Lex Korten (p) Massimo Biolcati (b) Clarence Penn (d)
Adaptation, Estate - John Ellis (ts) Mike Moreno (g) Massimo Biolcati (b) Rodney Green (d)
- Along came Betty - Philip Dizack (tp) Kevin Hays (p) Massimo Biolcati (b) Kendrick Scott (d)
Procedente de una familia sueca/italiana, el contra bajista Massimo Biolcati, es ahora residente en Nueva York Como sideman, Massimo ha tocado con Paquito D’Rivera, Terence Blanchard, Ravi Coltrane, Lizz Wright, and Luciana Souza además de un gran número de músicos increíbles de situaciones y orígenes dispares. En Momenta, su tercer álbum como líder reune a tres diferentes cuartetos. Con estas bandas con poco o ningún ensayo, aborda una combinación de originales y arreglos de estándares y covers. Momenta es la realización de esta idea con música grabada el 2020 por varias iteraciones de personal dirigidas por Massimo.
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KARL BERGER / EDWARD BLACKWELL “JUST PLAY” - Albany, NY, March 20, 1976 - Just play, Time is - Karl Berger (vib,darbuka,balafon-1) Ed Blackwell (d,cymbals)
El pianista, compositor, vibrafonista, instructor e improvisador nacido en Alemania Karl Berger se encuentra entre el grupo de europeos que adoptaron el jazz libre desde el principio, en gran parte debido a la influencia de Ornette Coleman. Los conceptos de Coleman de tocar jazz se reflejan sin duda en los propios de Berger. Después de desarrollar su estética de jazz libre, Berger tocó con Don Cherry en París. Emigró a Estados Unidos en 1966 para tocar la Sinfonía para Improvisadores del trompetista y para grabar su debut, From Now On, para el sello ESP-Disk. En 1971, fue parte del quinteto de John McLaughlin para la histórica salida de avant-fusion When Fortune Smiles. En 1976 grabó Just Play , en duo dúo con el baterista Ed Blackwell, aunque no se vendió hasta 1979.
Just Play no es jazz libre en sentido estricto. La música sigue bien organizada y firmemente anclada en la tradición del jazz. Por supuesto, el vibráfono (y el balafón, para el caso) no es un instrumento con el que se pueda experimentar mucho con ruidos y otras técnicas que ahora son clichés en la música improvisada. La música aquí, aunque se siente liberada del concepto de tonalidad, sigue siendo melodiosa, y Blackwell, como siempre mantiene, un ritmo ligero y relajado pero lleno de inspirador virtuosismo .
BUD FREEMAN “AND HIS GROUP” - New York, December 4 & 11, 1953 - Margo’s seal, I guess I’ll have to change my plans, I could write a book, Blues for tenor, Sweet Georgia Brown, Three little words, Blue moon, Indian summer - Bud Freeman (ts) Dick Cary (p) George Barnes (g) Jack Lesberg (b) Don Lamond (d)
Cuando Bud Freeman se inició, el suyo era el único enfoque alternativo en el tenor al estilo más pesado de Coleman Hawkins y fue una inspiración para Lester Young. Freeman, también fue uno de los pocos saxofonistas (junto con Eddie Miller) en ser aceptado en el mundo de Dixieland. Participó en la memorable grabación de Eddie Condon de 1933 “The Eel”. Después de períodos con Joe Haymes y Ray Noble, Freeman fue solista estrella con Tommy Dorsey’s Orchestra y Clambake Seven (1936-1938) . Freeman viajó por el mundo, hizo decenas de buenas grabaciones y se aferró al mismo estilo básico que había desarrollado a mediados de los años 30 . Se mantuvo activo en sus ochenta años.


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