PuroJazz

CÉCILE MCLORIN SALVANT WITH EVERY BREATH I TAKE - Hilversum, the Netherlands, December 9 & 10, 2025 - With every breath I take, I’ll see you again, Being alive, Lush life - Cecile McLorin Salvant (vcl) acc by Metropole Orkest, Jules Buckley (cond) Darcy James Argue (arr)
Cécile McLorin Salvant nunca se ha limitado a cantar una canción. Antes de pronunciar la primera palabra parece haber examinado quién habla, qué desea decir y cuánto prefiere ocultar. Esa inteligencia dramática encuentra una dimensión nueva en *With Every Breath I Take*, su primer álbum grabado con una orquesta.
La acompaña la Metropole Orkest de los Países Bajos, dirigida por Jules Buckley, con arreglos de Darcy James Argue. Lejos de envolver la voz en un fondo meramente decorativo, Argue construye alrededor de cada canción un escenario diferente. La orquesta puede sugerir intimidad, ironía o desasosiego, mientras Salvant conserva un control absoluto sobre el relato, sin exagerar sus recursos ni convertir la emoción en espectáculo.
El repertorio reúne canciones de Duke Ellington, Billy Strayhorn, Stephen Sondheim, Noël Coward y Kurt Weill, además de una composición de la propia cantante. En *Barbara Song*, de *La ópera de los tres centavos*, Salvant recorre en ocho minutos una sucesión de actitudes y contradicciones, como si el personaje se transformara ante nosotros. En *Lush Life*, acompañada al piano por Sullivan Fortner, prescinde de todo exceso y deja que la resignación contenida en la letra se revele gradualmente.
“With Every Breath I Take” confirma que Salvant posee la imaginación necesaria para llenar un espacio orquestal sin perder la intimidad de una canción.
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JUHANI AALTONEN CONCLUSIONS - Porvoo, Finland, August 18-20, 2008 - Good old times, Consolation - Juhani Aaltonen (ts,fl,alto-fl) Iro Haarla (p,harp) Ulf “Uffe” Krokfors (b) Reino Laine (d)
Después de más de cinco décadas de trayectoria, muchos músicos sienten la necesidad de resumir su carrera o rendir homenaje a su propio pasado. Juhani Aaltonen elige otro camino. *Conclusions* no es un balance retrospectivo, sino la obra de un artista que sigue buscando nuevas respuestas.
Figura fundamental del jazz finlandés desde los años sesenta, Aaltonen descubrió muy temprano la fuerza transformadora de John Coltrane, cuya histórica visita a Helsinki dejó una huella profunda en toda una generación de músicos nórdicos. Sin embargo, con el paso de los años desarrolló un lenguaje propio, de gran lirismo, abierto a la improvisación y profundamente conectado con la tradición europea del jazz contemporáneo.
En este cuarteto se reúne con tres músicos que representan distintas etapas de su recorrido: la pianista y arpista Iro Haarla, el contrabajista Ulf Krokfors y el baterista Reino Laine. Todos contribuyen con composiciones, haciendo de *Conclusions* una obra verdaderamente colectiva.
El disco transmite serenidad, pero nunca conformismo. Cada interpretación revela a músicos que escuchan, dialogan y asumen riesgos con absoluta naturalidad. Lejos de cerrar una trayectoria, “Conclusions” demuestra que la experiencia puede convertirse en el mejor punto de partida para seguir explorando.
LAUREN SEVIAN BLUEPRINT - New York, December 10, 2007 - Blueprint, Elusive illusion, One for C. Payne - Mike DiRubbo (as-1) Lauren Sevian (bar) George Colligan (p) Boris Kozlov (b) Jonathan Blake (d)
Durante décadas el saxofón barítono ha permanecido a la sombra de sus parientes más populares. Aunque figuras como Harry Carney, Serge Chaloff, Pepper Adams o Cecil Payne demostraron que podía ser un instrumento de enorme expresividad, pocos músicos han decidido convertirlo en el centro de su carrera. Lauren Sevian pertenece a esa reducida tradición.
Ganadora de un premio Grammy y con una trayectoria profesional iniciada cuando apenas era una adolescente, Sevian presenta en *Blueprint* su álbum debut como líder. Más que una carta de presentación, el disco deja en evidencia una voz propia que conoce profundamente la historia del instrumento sin quedar atrapada en ella.
Acompañada por un sólido cuarteto integrado por Boris Kozlov en contrabajo, George Colligan en piano y Johnathan Blake en batería, Sevian alterna composiciones originales con homenajes implícitos a algunos de sus referentes, especialmente Cecil Payne. Su sonido posee la profundidad característica del barítono, pero también una agilidad y una libertad poco habituales en un instrumento que muchas veces ha sido relegado a funciones de acompañamiento.
“Blueprint” confirma la aparición de una intérprete que entiende la tradición como un punto de partida y demuestra que el saxofón barítono sigue siendo un territorio fértil para nuevas ideas.


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ONE FOR ALL F. GEORGE COLEMAN BIG GEORGE - New York, September 27, 2022 - Oscar winner (1), This I dig of you (1) - Jim Rotondi (tp) Steve Davis (tb) Eric Alexander (as,ts) George Coleman (ts-1) David Hazeltine (p) John Webber (b) Joe Farnsworth (d)
El grupo One for All, se inició hace más de veinticinco, mientras que muchas agrupaciones de su generación buscaron nuevos caminos, el sexteto eligió profundizar una tradición que sigue encontrando nuevas posibilidades cuando está en manos de grandes músicos. Integrado por Eric Alexander, Jim Rotondi, Steve Davis, David Hazeltine, John Webber y Joe Farnsworth, el grupo ha demostrado que la fidelidad a un estilo no significa repetirse.
En Big George invitan a participar en tres temas al saxofonista George Coleman, uno de los grandes maestros del jazz. Más que un homenaje, el disco propone un encuentro entre generaciones de músicos que comparten un mismo lenguaje. Coleman no aparece como una figura ceremonial ni como un invitado de lujo: toca como uno más del grupo, aportando la autoridad, el sonido y la imaginación que han distinguido su carrera durante más de seis décadas.
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STAN GETZ QUARTET GETZ AT THE GATE - “Village Gate”, New York, November 26, 1961 - Stella by starlight, Impressions - Stan Getz (ts) Steve Kuhn (p) John Neves (b) Roy Haynes (d)
Mientras John Coltrane ampliaba el vocabulario del saxo tenor y una nueva generación empujaba los límites del lenguaje, Stan Getz también exploraba esos territorios, pero sin renunciar al sonido elegante y luminoso que siempre lo distinguió
Getz at the Gate, registrado en vivo en el club Village Gate de Nueva York y publicado casi sesenta años después, captura ese momento irrepetible. Lo acompaña un cuarteto excepcional con Steve Kuhn en piano, John Neves en contrabajo y Roy Haynes en batería, un grupo que combina la sofisticación armónica con una energía poco habitual en el universo de Getz.
El repertorio refleja esa búsqueda. Junto a estándares como Stella by Starlight o Like Someone in Love aparecen composiciones asociadas al jazz moderno, como Impressions de John Coltrane y Airegin de Sonny Rollins. Getz responde con un fraseo más incisivo y una intensidad que sorprende, sin perder nunca la belleza de su sonido.
Más que anticipar lo que Getz haría después con Jazz Samba y Getz Gilberto, este álbum muestra a un músico plenamente comprometido con el presente del jazz incorporando nuevas ideas y demostrando que era posible dialogar con la modernidad sin renunciar a una voz propia.
LENA BLOCH ROSE OF LIFTA - Hampton, NJ, June 12, 2019 - Promise of return, Climbing rose of Lifta - Lena Bloch (ts) Russ Lossing (p) Cameron Brown (b) Billy Mintz (d)
Lena Bloch conoce bien lo que significa cambiar de país y comenzar de nuevo. Nacida en Rusia, vivió en Israel y en distintos lugares de Europa antes de establecerse en Nueva York en 2008, donde desarrolló una personalidad musical que refleja ese recorrido. En 2014 formó Feathery junto al pianista Russ Lossing, el contrabajista Cameron Brown y el baterista Billy Mintz, un cuarteto que privilegia la conversación musical por sobre el protagonismo individual.
Rose of Lifta profundiza esa búsqueda. Las siete composiciones del álbum —tres de ellas escritas por Russ Lossing— se suceden con la continuidad de una suite, mientras el grupo construye un discurso colectivo en el que cada instrumento aporta con la misma importancia. Hay ecos de Lennie Tristano y, de manera más sutil, resonancias de las tradiciones musicales de Oriente Medio, pero el resultado evita las referencias evidentes y termina encontrando una voz propia.
Más que impresionar por el virtuosismo, Feathery interesa por la manera en que sus integrantes escuchan y responden unos a otros. De esa interacción nace una música de gran sensibilidad, donde la idea de pertenencia, memoria y búsqueda de un hogar aparece sugerida sin necesidad de explicarse con palabras.
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Esta noche presentaremos a tres músicos que entendían el jazz de maneras muy diferentes, pero compartían una misma convicción: la tradición no es un lugar donde plantarse, sino un punto de partida. Mel Powell la expandió, Jo Jones la celebró y Ruby Braff la mantuvo viva.
MEL POWELL TRIO BORDERLINE - New York, August 17, 1954 - Makin’ whoopee, Quin and sonic, Cross your heart, Avalon - Paul Quinichette (ts) Mel Powell (p) Bobby Donaldson (d)
Mel Powell fue el joven pianista que brilló junto a Benny Goodman durante la era del swing. Sin embargo, a mediados de los años cincuenta su música había tomado un rumbo mucho más personal. Borderline es una excelente muestra de esa evolución: un disco que parte de la tradición, pero que nunca deja de explorar nuevos caminos.
Grabado con una formación poco habitual —piano, saxo tenor y batería, sin contrabajo—, el álbum crea un espacio sonoro abierto que permite a Powell desarrollar un lenguaje de gran libertad. Su conocimiento del swing sigue presente, pero ahora convive con armonías más osadas, cambios de dirección inesperados y melodías que desafían continuamente las expectativas del oyente.
El saxofonista Paul Quinichette acepta el desafío con naturalidad. En lugar de imponer un contraste, su sonido cálido aporta equilibrio a una música que alterna momentos de gran lirismo con otros de sorprendente audacia. Bobby Donaldson completa el trío con una batería siempre atenta al pulso y al diálogo entre los músicos.
Más que romper con el pasado, Mel Powell lo transforma. El álbum Borderline demuestra que era posible respetar la tradición del swing y, al mismo tiempo, ampliar sus horizontes con imaginación.
JO JONES THE JO JONES SPECIAL - Brooklyn, NY, August 11, 1955 - Makin’ whoopee, Quin and sonic, Cross your heart, Avalon - Emmett Berry (tp) Bennie Green (tb) Lucky Thompson (ts) Nat Pierce (p) Count Basie (p1) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)
The Jo Jones Special, grabado en 1955, muestra a un músico que nunca sintió la necesidad de romper con el pasado para seguir siendo moderno. Mientras el bebop transformaba el lenguaje del jazz, Jones continuó desarrollando la manera de tocar que había revolucionado veinte años antes junto a Count Basie. Su batería ya no marcaba el tiempo con el bombo, sino que hacía respirar a toda la orquesta desde el platillo, una innovación que cambió para siempre el papel del instrumento. En este disco demuestra que esa manera de entender el swing seguía siendo plenamente vigente.
Benny Green, Lucky Thompson, Emmett Berry, Walter Page y Nat Pierce integran un grupo de primer nivel que alterna momentos de gran refinamiento con otros de absoluta espontaneidad. Jones no busca exhibirse con largos solos; su verdadera grandeza está en cómo impulsa a los demás, creando una música que avanza con una naturalidad contagiosa.
La aparición inesperada de Count Basie en dos tomas de Shoe Shine Boy termina siendo casi un símbolo: dos de los grandes arquitectos del swing reunidos, no para mirar con nostalgia el pasado, sino para demostrar que esa música seguía siendo vigente.
RUBY BRAFF:
- RUBY BRAFF’S ALL STARS - New York, June 28, 1956 - Here’s Freddie, You’re lucky to me Ruby Braff (tp) Lawrence Brown (tb) Coleman Hawkins (ts) Ernie Caceres (bar) Don Elliott (vib) Nat Pierce (p) Freddie Green (g) Eddie Jones (b) Buzzy Drootin (d)
- BRAFF! - New York, July 10, 1956 - Indian summer, Moonglow, When my dreamboat comes home - Ruby Braff (tp) Don Elliott (vib) Nat Pierce (p) Freddie Green (g) Eddie Jones (b) Buzzy Drootin (d)
Mientras el bebop cambiaba para siempre el rumbo del jazz, Ruby Braff eligió mirar hacia atrás para seguir avanzando. Parecía haber nacido en la década equivocada. Diez años menor que Dizzy Gillespie y contemporáneo de Miles Davis, en lugar de abrazar la revolución modernista, encontró su propia voz profundizando en la tradición de Louis Armstrong y demostrando que la innovación también puede surgir desde las raíces.
En las dos sesiones de 1956 que vamos a escuchar, reunió un elenco extraordinario que incluye a Coleman Hawkins, Lawrence Brown, Dave McKenna, Freddie Green y Steve Jordan. Lejos de buscar el virtuosismo por sí mismo, todos ponen su talento al servicio de la melodía, creando un ambiente íntimo, elegante y de enorme calidez.
Braff toca con un sonido brillante y un fraseo que parece cantar cada melodía. La influencia de Armstrong es evidente, pero nunca se convierte en imitación. Su manejo de los silencios, los matices y la dinámica revela una personalidad inconfundible, capaz de descubrir nuevas posibilidades en canciones que parecían formar parte del repertorio de siempre.
Estas grabaciones muestran a un músico profundamente respetuoso de la tradición, pero también convencido de que el jazz solo permanece vivo cuando cada generación encuentra su propia manera de contar la misma historia.


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LEON ANDERSON LIVE AT SNUG HARBOR - New Orleans, LA, c. 2023 - The Bruz of Ad2, Lil’ Froggy’s blues - John Michael Bradford (tp) Ricardo Pascal (sax) Oscar Rossignoli (p) Rodney Jordan (b) Leon Anderson (d,comp)
El baterista, compositor y educador, Leon Anderson ha sido durante años una figura muy respetada de la escena de Nueva Orleans. Su debut como líder, Live at Snug Harbor, fue registrado en el histórico club de jazz donde acompañó durante largo tiempo a músicos como Victor Goines y Ellis Marsalis.
Más que un simple concierto, este álbum transmite la sensación de estar escuchando a un músico que se mueve con absoluta naturalidad en un escenario que conoce como su propia casa.
Las interpretaciones son relajadas, sin apuro, dejando espacio para que cada integrante del grupo despliegue su personalidad. Anderson evita el lucimiento fácil y privilegia el diálogo colectivo, apoyado en un sólido pulso y un refinado sentido de la dinámica.
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RAFAEL ZALDIVAR MEETING IN NEW YORK, VOLUME ONE - New York, April 14, 2026 - Walking with Christian, Caribbu - Rafael Zaldivar (p,comp,dir) Christian McBride (b) Francisco Mela (d)
El pianista cubano Rafael Zaldivar debuta en el catálogo de 577 Records con Meeting in New York, Volume One, un trío de excepción junto al contrabajista Christian McBride y el baterista cubano Francisco Mela. Es un encuentro entre tres músicos de trayectorias muy distintas que encuentran rápidamente un lenguaje común.
Zaldivar posee un estilo de gran lirismo y una notable claridad de ideas. Sus improvisaciones fluyen con naturalidad, sin perder nunca el sentido melódico, mientras sus composiciones ofrecen el espacio necesario para que el diálogo entre los tres músicos se desarrolle con absoluta libertad.
Francisco Mela aporta una batería siempre inquieta, llena de matices y cambios de dirección, capaz de impulsar la música sin imponerse sobre sus compañeros. Christian McBride, por su parte, demuestra una vez más por qué es uno de los grandes contrabajistas de nuestro tiempo. Aunque es ampliamente reconocido por su trabajo dentro del jazz más tradicional, aquí se mueve con la misma autoridad en un contexto más abierto y exploratorio.
Gigi Gryce Quintet The rat race blues - Englewood Cliffs, NJ, June 7, 1960 Strange feelin’ (1), Boxer’s blues, Blues in bloom Richard Williams (tp) Gigi Gryce (as) Richard Wyands (p) Julian Euell (b) Mickey Roker (d,tamborine-1)
A comienzos de la década de 1950, el saxofonista y compositor Gigi Gryce surgió como una de las figuras más prometedoras del hard bop. Influido por Charlie Parker, compartió escenario y estudios de grabación con músicos como Howard McGhee, Thelonious Monk, Max Roach, Clifford Brown y Donald Byrd. Rat Race Blues, grabado para Prestige, sería uno de sus últimos trabajos antes de abandonar inesperadamente la vida profesional del músico de jazz.
Musicalmente, en Rat Race Blues destacan el trompetista Richard Williams, de sonido poderoso y gran lirismo, y una sólida sección rítmica encabezada por Richard Wyands en piano. Es un disco que confirma el enorme talento de Gigi Gryce y deja la inevitable pregunta de cuánto más podría haber aportado al jazz si hubiese permanecido en los escenarios.


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JOHNNY DYANI QUARTET SONG FOR BIKO - Copenhagen, July 18, 1978-Song for Biko, Jo’burg - New York - Don Cherry (cnt) Dudu Pukwana (as) Johnny Mbizo Dyani (b) Makaya Ntshoko (d)
El contrabajista Johnny Dyani fue una de las voces originales del jazz hen surgir en Sud África entre las décadas de 1970 y 1980. Exiliado por el apartheid, encontró en Europa un espacio donde desarrollar un lenguaje que unía las melodías y ritmos de su tierra con la libertad creativa del jazz de vanguardia.
En el álbum Song For Biko, Dyani reúne a tres músicos con quienes compartía raíces y experiencias: el saxofonista Dudu Pukwana, el baterista Makaya Ntshoko y el cornetista estadounidense Don Cherry, un aliado natural de esta búsqueda musical abierta y profundamente humana. El resultado es una música intensa pero serena, donde la improvisación nunca pierde el sentido melódico ni el pulso africano.
El momento más conmovedor es “Song for Biko”, dedicado a Steve Biko, el líder del movimiento de conciencia negra sudafricano, muerto bajo custodia policial en 1977. Sin recurrir al dramatismo, Dyani transforma ese homenaje en una reflexión llena de dignidad. El extenso “Jo’burg–New York”, que ocupa toda la segunda cara del disco, une continentes, memorias y esperanzas en una de las grabaciones más inspiradas de su carrera.
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ARCHIE SHEPP FIRE MUSIC - New York, February 16, 1965 - Hambone or the dirty dozens - Ted Curson (tp) Joseph Orange (tb) Marion Brown (as) Archie Shepp (ts) Reggie Johnson (b) Joe Chambers (d)
Cuando Archie Shepp grabó “Fire Music” en 1965, ya era una de las figuras prometedoras de la nueva generación del jazz. Admirador de John Coltrane -aparece en una de las sesiones de “A Love Supreme”- y colaborador de Cecil Taylor y Ornette Coleman, Shepp amplió el lenguaje del saxofón sin romper sus vínculos con el blues y la tradición afro-estadounidense.
“Fire Music” es el álbum que marcó un punto de inflexión tanto en su carrera como en la evolución del “New Thing” o Free Jazz. Aquí conviven la improvisación libre, melodías que parecen expandirse sin límites y una intensidad emocional que refleja el clima social en Estados Unidos durante la lucha por los derechos civiles. La música va mucho más allá de su dimensión política. Es un disco que conserva un profundo vínculo con el blues, al tiempo que abre nuevas posibilidades para el jazz moderno.
Más de sesenta años después, esta grabación sigue sonando desafiante y vigente, no solo por su audacia musical, sino también por la convicción artística con que Archie Shepp convirtió el jazz en una expresión de libertad.
JOHN ZORN MASADA 1 (ALEF) - New York, February 20, 1994 - Bith Aneth, Tzofeh, Taha, Zebdi - Dave Douglas (tp) John Zorn (as) Greg Cohen (b) Joey Baron (d)f
Con “Alef”, el primer álbum del cuarteto Masada, John Zorn inauguró en 1994 uno de los proyectos más originales de su carrera. Inspirado en la libertad creativa del histórico cuarteto de Ornette Coleman, Zorn reunió a un grupo excepcional: el trompetista Dave Douglas, el contrabajista Greg Cohen y el baterista Joey Baron, grupo que aún se mantiene.
La música parte de melodías inspiradas en la tradición judía, pero nunca cae en la recreación folclórica. Por el contrario, esas raíces sirven como punto de partida para un jazz donde la improvisación, la energía y el diálogo permanente entre los músicos mantienen la tensión de principio a fin.
Zorn y Douglas, más que alternar solos, desarrollan líneas simultáneas que se entrelazan constantemente, creando una textura rica y dinámica, sostenida por la firmeza de Cohen y el impulso inagotable de Baron.


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