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JAMES BRANDON LEWIS Y CUARTETO DE CUERDAS LUTOSŁAWSKI “THESE ARE SOULFUL DAYS” - 21 de noviembre de 2021 en el Festival Jazztopad de Breslavia - Prologue - Humility, Movements I, II, III, IV & Epilogue - Resilience James Brandon Lewis (st) Roksana Kwaśnikowskam, Marcin Markowicz, (violín) Rozmysłowicz (viola) Maciej Młodawski (chelo)
¿Es “These Are Soulful Days”, jazz de vanguardia o música de cámara contemporánea? Probablemente es ambas cosas.
Es la primera composición extensa de Lewis para saxo tenor y cuarteto de cuerdas. La escribió para el Lutosławski Quartet por encargo del National Forum of Music de Polonia y fue estrenada en noviembre de 2021 en el Festival Jazztopad de Wrocław.
Lewis no utiliza al cuarteto simplemente como acompañamiento. No es un solista de jazz tocando delante de un fondo de cuerdas: el Lutosławski Quartet es parte integral de la música. Buena parte de los aproximadamente 50 minutos de la obra está escrita, con contrapuntos, cambios de textura y largos pasajes que se acercan a la música de cámara contemporánea. Pero también hay momentos —especialmente en el segundo movimiento y el epílogo— en que los músicos entran en terrenos más libres e improvisados.
No hay una sección rítmica convencional, pero el fraseo de Lewis, su ataque, su relación con el blues y, sobre todo, su libertad para improvisar mantienen la música firmemente vinculada al jazz.
Y detrás de todo esto existe una raíz afroamericana muy clara. Lewis habla de una historia construida como un quilt, un tejido formado por blues, spirituals y jazz, que conecta un pasado de alegría, un presente decidido y un futuro de resistencia. Parte de ese material también aparece en For Mahalia, With Love, su proyecto dedicado a Mahalia Jackson; el tercer movimiento, por ejemplo, incorpora elementos relacionados con “Wade in the Water”.
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JAMES BRANDON LEWIS Y EL QUINTETO RED LILY “FOR MAHALIA, WITH LOVE” - South Orange, NJ, c. 2022 - Wade in the Water - Kirk Knuffke (cnt) James Brandon Lewis (ts,arr) Chris Hoffman (cello) William Parker (b) Chad Taylor (d)
Para completar el programa, seguiremos con James Brandon Lewis y su disco Mahalia, With Love, Aquí lidera su quinteto Red Lily Quintet, con Kirk Knuffke en corneta, William Parker en contrabajo, Chad Taylor en batería y Chris Hoffman en chelo. Es una formación poco habitual, en la que Lewis incorpora dos instrumentos de cuerda —chelo y contrabajo, ambos utilizados también con arco— que amplían considerablemente las posibilidades de color y textura del grupo.
El disco re-imagina canciones asociadas a Mahalia Jackson, pero no como simples versiones jazzísticas de temas gospel. Para Lewis la relación con esta música es profundamente personal. Creció escuchando a Jackson a través de su abuela, para quien esa voz tenía una importancia casi espiritual. Lewis ha descrito el proyecto como una conversación entre Mahalia Jackson, su abuela y él mismo.
El desafío fue conservar algo de la fuerza emocional del góspel y trasladarla al lenguaje del jazz contemporáneo. Las melodías originales son reconocibles, pero Lewis y el quinteto las abren, las fragmentan y las utilizan como punto de partida para la improvisación colectiva.
Hay además una conexión directa con These Are Soulful Days. Las primeras ediciones de For Mahalia, With Love incluyeron como obra complementaria esa suite. Escuchadas juntas, las dos obras revelan una misma búsqueda.
Recuerden que mencioné que en el tercer movimiento, Lewis incorpora elementos relacionados con “Wade in the Water” de Mahalia Jackson, que escucharemos enseguida.


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CONRAD HERWIG THE LATIN SIDE OF CHICK COREA - c. 2025 - Spain, 500 miles high, Tones for Joan’s bones - Alex Norris (tp) Conrad Herwig (tb) Craig Handy (ts) Bill O’Connell (p) Ruben Rodriguez (b) Robby Ameen (d) Mauricio Herrera (perc)
Conrad Herwig lleva años desarrollando su serie “The Latin Side of…”, dedicada a revisar la música de figuras como John Coltrane, Miles Davis, Joe Henderson y Charles Mingus desde una perspectiva afrolatina. “The Latin Side of Chick Corea” continúa esa idea: no se trata simplemente de agregar percusión latina a composiciones conocidas, sino de reconsiderarlas desde otra organización rítmica.
Herwig y el pianista Bill O’Connell, responsable también de los arreglos, trabajan con una música especialmente abierta a ese tratamiento. Chick Corea incorporó ritmos y referencias latinoamericanas a lo largo de buena parte de su carrera, de modo que aquí el cambio de perspectiva resulta bastante natural.
El grupo incluye a Craig Handy en saxos y flauta, Alex Norris en trompeta y flugelhorn, O’Connell en piano, Ruben Rodriguez en contrabajo, Robby Ameen en batería y Mauricio Herrera en congas, además del trombón de Herwig.
Las diez composiciones recorren distintas etapas de la obra de Corea. El disco comienza con “Matrix”, una elección significativa porque Herwig evita recurrir inmediatamente a sus temas más conocidos. “Tones for Joan’s Bones” conserva su complejidad armónica, pero adquiere otro carácter al apoyarse en una base rítmica afro-latina, mientras “Humpty Dumpty”, ya de por sí construida sobre desplazamientos y cambios de acento, se presta particularmente bien al enfoque del grupo.
“Windows” ofrece un momento de mayor espacio, con Alex Norris en flugelhorn, antes de llegar finalmente a “Spain”. Colocarla al cierre permite que el disco no dependa de la composición más famosa de Corea y, al mismo tiempo, hace de ella una conclusión lógica para un proyecto que busca mostrar cuánto terreno común existe entre su música y el lenguaje afrolatino.

SHAI MAESTRO HUMAN - Pernes-les-Fontaines, France, February, 2020 - In a sentimental mood, Human, GG, The thief’s dream - Philip Dizack (tp) Shai Maestro (p) Jorge Roeder (b) Ofri Nehemya (d)
En 2018 Shai Maestro inició una nueva etapa al incorporarse al sello ECM. Después de cuatro discos como líder, el pianista israelí encontró allí un marco especialmente adecuado para una música que combina composición, improvisación y una atención muy particular al sonido del grupo.
En “Human”, Maestro mantiene la base de su trío con el contrabajista peruano Jorge Roeder y el baterista israelí Ofri Nehemya, pero incorpora al trompetista Philip Dizack. Su presencia modifica considerablemente el equilibrio del conjunto. Más que actuar como solista invitado, Dizack se integra a la conversación y permite que Maestro trabaje con nuevas combinaciones de líneas, timbres y contrapuntos.
Esto se escucha claramente en “GG”, donde piano y trompeta desarrollan extensos pasajes al unísono con notable precisión. Muy diferente es la versión de “In a Sentimental Mood”. Maestro se aleja del carácter contemplativo con que suele asociarse la composición de Duke Ellington y la lleva hacia un terreno más rítmico, impulsado por la batería de Nehemya. Dizack expone la melodía mientras Roeder desarrolla un contrapunto muy activo y el piano se mueve entre ambos.
La referencia a Ellington permanece reconocible, pero el cuarteto no intenta recrear una versión histórica. Utiliza una composición familiar como punto de partida para encontrar una lectura propia.
PERICO SAMBEAT ADEMUZ - Valencia, August & November 1995 - Ademuz (1), Tu rostro oculto - Mike Leonhart (tp) Perico Sambeat (as,fl,keyboards-1) Mark Turner (ts) Brad Mehldau (p,keyboards-1) Kurt Rosenwinkel (g) Joe Martin (b) Jorge “Jordi” Rossy (d) Guillermo McGill, Enric Canada (perc) Enrique Morente (vcl)
El saxofonista valenciano Perico Sambeat ha desarrollado una extensa carrera en el jazz europeo, con más de veinte discos como líder y participación en cerca de un centenar de grabaciones. Estudió en la New School de Nueva York y a lo largo de su trayectoria ha trabajado con músicos como Lee Konitz, Steve Lacy, Daniel Humair y Kenny Wheeler.
En 1995 grabó “Ademuz”, un disco que hoy resulta especialmente interesante por la formación que reunió. Allí aparecen tres músicos todavía al comienzo de sus carreras: Brad Mehldau en piano, Kurt Rosenwinkel en guitarra y Mark Turner en saxo tenor. Completan el grupo Michael Leonhart en trompeta, Joe Martin en contrabajo, Jordi Rossy en batería y Guillermo McGill y Enric Canada en percusión. El cantaor Enrique Morente participa además en tres temas.
La amplitud de la formación permite a Sambeat trabajar con diferentes combinaciones instrumentales y una fuerte presencia rítmica, incorporando elementos del jazz, la música española y otras influencias sin convertirlos en compartimentos separados.
La composición que da título al disco muestra bien ese enfoque. “Ademuz” comienza con un enfoque cercano a la fusión, utilizando teclados, bajo eléctrico y guitarra, pero progresivamente se desplaza hacia un contexto acústico. Ese contraste resume buena parte del interés del álbum: Sambeat utiliza distintos lenguajes como materiales de una misma música, en lugar de presentarlos como una simple mezcla de estilos.


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GOLDINGS/BERNSTEIN/STEWART RHOMBUS - New York, October 20, 2025 - Rhombus, Dissipation blues, Penelope - Larry Goldings (org) Peter Bernstein (g) Bill Stewart (d)
Cuando Larry Goldings, Peter Bernstein y Bill Stewart comenzaron a tocar juntos en el pequeño Augie’s Jazz Bar de Nueva York, difícilmente podían imaginar que treinta y cinco años después seguirían funcionando como uno de los tríos de órgano más respetados del jazz contemporáneo. Augie’s se convertiría más tarde en Smoke Jazz Club, pero la asociación entre los tres músicos sobrevivió al paso del tiempo y a sus numerosas carreras individuales.
“RHOMBUS”, publicado en agosto de 2026, muestra que esa longevidad no los ha llevado a instalarse cómodamente en una fórmula. El punto de partida sigue siendo la clásica combinación de órgano, guitarra y batería, pero esta vez el repertorio busca deliberadamente alejarla de sus terrenos más previsibles.
Resulta reveladora la elección de compositores como Keith Jarrett, Randy Weston, Abdullah Ibrahim, Wayne Shorter y Thelonious Monk, además de Irving Berlin. Varias de esas músicas nacieron en contextos muy distintos al organ trio y precisamente allí parece estar el desafío: no adaptar simplemente las composiciones al formato, sino encontrar dentro de ellas un espacio donde el trío pueda mantener su propia identidad.
Goldings lo resume de manera sencilla: después de tantos años todavía están descubriendo nuevas libertades al tocar juntos. “RHOMBUS” documenta así algo poco frecuente en el jazz: tres músicos que se conocen profundamente, pero que continúan encontrando razones para sorprenderse mutuamente.
PETRUCCIANI/PEACOCK/HAYNES JAZZ CLUB MONTMARTRE CPH 1988 - Copenhagen, Denmark, July 3, 1988 - Turnaround, It’s a dance - Michel Petrucciani (p) Gary Peacock (b) Roy Haynes (d)
Michel Petrucciani murió en enero de 1999, con apenas 36 años, pero dejó tras de sí una carrera de una intensidad extraordinaria. Había nacido en Francia con osteogénesis imperfecta, una enfermedad que afectó su crecimiento y volvió extremadamente frágiles sus huesos, pero desde muy joven desarrolló una personalidad musical que terminaría imponiéndose sobre cualquier consideración acerca de sus limitaciones físicas.
A los trece años ya tocaba en público y siendo adolescente compartió escenarios con músicos como Kenny Clarke y Clark Terry. Un momento decisivo llegó en 1982, cuando viajó a California y convenció al saxofonista Charles Lloyd, entonces alejado de los escenarios, para volver a tocar y contratarlo como pianista. Aquella asociación contribuyó decisivamente a dar a conocer a Petrucciani en Estados Unidos.
“Jazz Club Montmartre – CPH 1988” recupera una actuación inédita registrada el 3 de julio de ese año en el histórico club de Copenhague. Lo acompañan dos músicos excepcionales: Gary Peacock en contrabajo y Roy Haynes en batería. No era un encuentro ocasional: los tres ya habían grabado juntos para Blue Note y pocos días después volverían a presentarse como trío en Alemania.
El documento encuentra así a Petrucciani en un momento particularmente fértil de su breve carrera, rodeado de dos músicos que podían responderle de igual a igual. Más que recordar cuánto le costó llegar hasta allí, esta grabación permite recordar “”hasta dónde llegó”“.

JOE HENDERSON AN EVENING WITH JOE HENDERSON/CHARLIE HADEN/AL FOSTER - Live “Genova Jazz Festival”, July 9, 1987 - Serenity, Beatrice - Joe Henderson (ts) Charlie Haden (b) Al Foster (d)
En 1985 Joe Henderson había grabado para Blue Note “The State of the Tenor”, las célebres sesiones en trío que reafirmaron su posición entre los grandes saxofonistas de su generación. Mucho menos conocida es “An Evening with Joe Henderson, Charlie Haden & Al Foster”, registrada dos años después, el 9 de julio de 1987, durante el Festival de Jazz de Génova, en Italia, y publicada por el sello italiano Red Records.
El formato vuelve a ser el trío sin piano ni guitarra, esta vez con dos músicos excepcionales: Charlie Haden en contrabajo y Al Foster en batería. El repertorio incluye “Beatrice”, de Sam Rivers, “Invitation”, “Ask Me Now”, de Thelonious Monk, y la propia “Serenity” de Henderson, piezas que sirven como punto de partida para interpretaciones extensas.
La ausencia de un instrumento armónico modifica necesariamente las responsabilidades dentro del grupo. Haden proporciona la base armónica, pero dejando suficiente espacio para sugerir más que imponer su dirección. Eso permite que Foster asuma una función particularmente interesante: no se limita a sostener el ritmo, sino que ayuda a definir la forma y las transiciones, convirtiéndose por momentos casi en una tercera voz melódica.
Sus acentos, figuras de platillos y cambios de intensidad orientan el desarrollo de la música sin necesidad de hacerlo explícito. Es una contribución discreta pero esencial y una buena muestra de cuánto puede aportar un gran baterista cuando el espacio que lo rodea aumenta.


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Cuando pensamos en un gran álbum de jazz, solemos recordar al solista. Ahmad Jamal, Erroll Garner o Coleman Hawkins ocupan naturalmente el primer plano. Sin embargo, detrás de esos discos hay músicos cuyo aporte resulta menos evidente, aunque igualmente decisivo. Esta noche nos detendremos en tres de ellos: los bateristas.
AHMAD JAMAL TRIO VERNELL FOURNIER — “LIVE AT THE PERSHING” - Chicago, IL, January 17, 1958 - But not for me, Cherokee, Music, music, music, Woody’n you - Ahmad Jamal (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)
Aquí el baterista no marca simplemente el tiempo: crea el espacio. Fournier entiende que la música de Jamal vive tanto de los silencios como de las notas. Su toque es ligero, lleno de plumillas y platillos apenas sugeridos, pero cada intervención tiene un propósito.
Miles Davis decía que Ahmad Jamal le enseñó el valor del espacio. Podría decirse que Fournier fue el músico que hizo posible ese espacio. Nunca invade; espera, comenta y deja respirar la música.
Es uno de los mejores ejemplos de cómo un baterista puede ser decisivo precisamente por lo poco que toca. Tuve el privilegio de pasar una tarde con Vernel Fournier en su departamento de Nueva York conversando sobre la jazz en el jazz. Le comenté que e llamaba la atención la naturalidad con que entregaba el paso en sus intervenciones o breaks sin el acentuar el primer tiempo que tantos bateristas utilizan para marcar el cambio.
Me dijo que no lo consideraba como una señal del baterista. El énfasis, dijo, debía ser musical antes que percusivo. Su tarea era lograr que una frase condujera naturalmente a la siguiente, casi sin que el oyente advirtiera la transición.
Fue una respuesta sencilla, que demuestra que una de sus mayores virtudes era hacer que lo más difícil pareciera completamente natural.
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ERROLL GARNER TRIO DENZIL BEST - “CONCERT BY THE SEA” - Carmel, CA, September 19, 1955 - I’ll remember April, Sweet and lovely, Lullaby of Birdland, Mambo Carmel, They can’t take that away from me - Erroll Garner (p) Eddie Calhoun (b) Denzil Best (d)
Este caso es fascinante porque Denzil Best suele ser recordado como compositor (”Move”, “Wee”), pero aquí demuestra otra faceta. Garner era famoso por desplazar constantemente el pulso con su mano derecha y por comenzar frases donde nadie las esperaba. Un baterista rígido habría convertido el concierto en un desastre.
Best hace exactamente lo contrario: mantiene un pulso inquebrantable mientras permite que Garner toque libremente. Es un ejercicio de confianza extraordinario. También en Best, su grandeza consiste en hacer que todo parezca natural.
COLEMAN HAWKINS PAPA JO JONES - “THE HAWK FLIES HIGH” - New York, March 12 & 15, 1957 - Chant, Think Deep, Laura, Blue lights - Coleman Hawkins : Idrees Sulieman (tp) J.J. Johnson (tb) Coleman Hawkins (ts) Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) Oscar Pettiford (b) Jo Jones (d)
The Hawk Flies High es el estupendo álbum del saxofonista tenor Coleman Hawkins. Muestra a un Hawkins maduro adaptando la maestría del swing al lenguaje del bop moderno junto a figuras como J.J. Johnson y Hank Jones.
En la batería, Papa Jo Jones aporta la concepción del swing que ayudó a definir décadas antes con la orquesta de Count Basie, cuando revolucionó el papel del instrumento al trasladar el pulso desde el insistente golpe del bombo hacia el platillo de ritmo, creando un swing más ligero, elegante y fluido.
En este disco, su batería no busca imponerse: sostiene, comenta y dialoga con Hawkins con gran naturalidad. Su enfoque es minimalista, con golpes y acentos colocados justo donde menos se esperan, impulsando la música con una sutileza extraordinaria. En definitiva, son dos veteranos del jazz hablando un mismo idioma con absoluta naturalidad.
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MIKE CLARK KOSEN RUFU - Berkeley, CA, June 14 & 15, 2022 - Hat and beard, Love Mingus - Eddie Henderson (tp) Skerik (ts,bar) Wayne Horowitz (keyboards) Henry Franklin (b) Mike Clark (d) Bill Summers (perc)
MIKE CLARK ITAI DOSHIN - The Hyde Out, San Francisco, CA, September 13 & December 23, 2024 - Epistrophy, I shot the sheriff - Eddie Henderson (tp) Craig Handy (sax) Patrice Rushen (p) Henry Franklin (b) Mike Clark (d)
Aunque muchos asocian a Mike Clark con los Headhunters, el icónico ensamble jazz-funk de Herbie Hancock, su trayectoria ha sido mucho más diversa. A lo largo de los años ha transitado por el jazz-funk, el hard bop y también por el avant-garde, siempre con la misma curiosidad musical. “Kosen Rufu” es una de esas incursiones. Para ese proyecto reunió a músicos que le permitieran tocar con mayor libertad y explorar un vocabulario poco habitual en su discografía. Sin embargo, el propio Clark reconoce que esas experiencias forman parte de un recorrido más amplio y que, tarde o temprano, siempre vuelve al blues y al swing, el núcleo de su lenguaje musical.
“Kosen Rufu” muestra a Mike Clark dispuesto a asumir riesgos y explorar nuevos territorios. “Itai Doshin”, en cambio, lo encuentra hablando el idioma que considera propio. Entre ambos álbumes no hay una contradicción, sino el retrato de un músico que nunca ha sentido la necesidad de elegir entre la exploración y la tradición.
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MAL WALDRON STARDUST & STARLIGHT - LIVE “JAZZ SHOWCASE”, Chicago, IL, August, 1979 - Fire waltz, ‘Round midnight, Star dust (1) - Sonny Stitt (as-1) Mal Waldron (p) Steve Rodby (b) Wilbur Campbell (d)
Mal Waldron pasó gran parte de su carrera construyendo un lenguaje inconfundible: sobrio, repetitivo y de una intensidad casi hipnótica. Sin embargo, esta grabación inédita, registrada en vivo en agosto de 1979 en el histórico Jazz Showcase de Chicago y rescatada del archivo personal de su fundador Joe Segal, revela otra faceta del pianista.
Con apenas dos composiciones propias, Waldron dedica buena parte del concierto a revisitar estándares, acompañado por músicos de la escena local: el contrabajista Steve Rodby y el baterista Wilbur Campbell. La falta de ensayos no parece importar. Más que imponer su estilo al repertorio, encuentra un equilibrio entre su inconfundible lenguaje y la tradición de esas canciones.
Tres interpretaciones en piano solo recuerdan que su voz seguía siendo absolutamente personal. Hacia el final del concierto aparece como invitado el saxofonista Sonny Stitt, cuya presencia aporta un contraste tan inesperado como natural. Más que un documento histórico, “Stardust & Starlight” permite descubrir a un Mal Waldron menos previsible, sin renunciar nunca a la identidad musical que definió toda su carrera.
OR BAREKET SAHAR - Lanzamiento 2022 - Root system, Sahar - Morgan Guerin (ts,EWI,org) Jeremy Corren (p,el-p) Or Bareket (b,comp) Savannah Harris (d,perc) Joel Ross (perc)
Con “Sahar”, el contrabajista Or Bareket confirma una nueva etapa en su trayectoria como compositor y líder de grupo. Después de darse a conocer por un lenguaje profundamente arraigado en la tradición del jazz y las músicas del Mediterráneo y Medio Oriente, aquí amplía ese universo junto a una nueva generación de músicos, entre ellos Morgan Guerin, Jeremy Corren y Savannah Harris, con la producción del vibrafonista Joel Ross.
El álbum nació durante los meses de aislamiento impuestos por la pandemia, un período que llevó a Bareket a reflexionar sobre el paso del tiempo, la pérdida y la memoria. De esa experiencia surgieron composiciones que privilegian la contemplación antes que el virtuosismo y que revelan a un músico más interesado en plantear preguntas que en ofrecer respuestas.
El título, “Sahar”, alude a ese instante incierto que precede al amanecer, cuando la noche parece suspendida y el tiempo pierde su medida habitual. Esa imagen resume el espíritu del disco: una búsqueda serena, íntima y profundamente personal que confirma a Or Bareket como una de las voces más originales de su generación.
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