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COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA
- New York, August 22, 1938 - Jumpin’ at the Woodside, Stop beatin’ ‘round the mulberry bush (jr,ens vcl), Texas shuffle - Ed Lewis, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Herschel Evans, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)
- Panther Room”, Hotel Sherman, Chicago, IL, May 19, 1939 Every tub, Lady be good Ed Lewis, Shad Collins, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Buddy Tate, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)
A mediados de los años treinta, la orquesta de Count Basie definía el sonido de Kansas City: una sección rítmica ligera y flexible, riffs, arreglos abiertos y amplio espacio para la improvisación. Una música construida con aparente sencillez, pero impulsada por un swing irresistible, como se escucha claramente en “Jumpin’ at the Woodside”.
El tema fue grabado por la orquesta de Count Basie para Decca en 1938. Su título proviene del Woodside Hotel de Harlem, donde los músicos de Basie se alojaban y ensayaban, a menudo en el sótano.
La grabación incluye solos de Earle Warren en saxo alto, Basie al piano, Buck Clayton en trompeta con sordina y Lester Young, cuyo fraseo relajado en el tenor parece flotar sobre la orquesta.
La pieza es, además, un ejemplo clásico de los llamados head arrangements de la banda de Basie. En lugar de arreglos escritos, los músicos construían la música colectivamente durante los ensayos: cortas frases de los saxofones eran respondidas por los metales; las figuras se repetían, se modificaban y finalmente quedaban en la memoria de la orquesta. El arreglo estaba, literalmente, en la cabeza de los músicos.
En poco más de tres minutos, “Jumpin’ at the Woodside” resume la esencia de la primera gran banda de Basie: ideas sencillas, desarrolladas colectivamente, y un swing increíble.
TEDDY WILSON TRIO THE IMPECCABLE MR. WILSON - New York, September 13, 1956 - I want to be happy, Ain’t misbehavin’, Honeysuckle rose, Fine and dandy, Sweet Lorraine, Laura - Teddy Wilson (p) Al Lucas (b) Jo Jones (d)
Teddy Wilson fue uno de los pianistas más elegantes de la era del swing. Influido por Earl Hines y Art Tatum, desarrolló un estilo de toque delicado, preciso y virtuoso, presente en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Su trabajo con Goodman lo convirtió, además, en uno de los primeros músicos negros en ocupar un lugar destacado en un conjunto integrado.
En la sesión del 13 de septiembre de 1956, Wilson encabeza un trío con el contrabajista Al Lucas y el baterista Jo Jones. El repertorio son canciones especialmente apropiadas para el álbum titulado The Impeccable Mr. Wilson : melodías elegantes con progresiones armónicas ordenadas.
“I Want to Be Happy” recibe aquí una interpretación particularmente fluida. Lucas, veterano de la banda de Illinois Jacquet y de la escena de la Calle 52, aporta un pulso preciso, buen gusto y un impecable sentido del tiempo, junto a Jo Jones forman una sección rítmica de extraordinaria ligereza y swing.
ALBERT NICHOLAS QUARTET THE NEW ORLEANS-CHICAGO CONNECTION - Chicago, July 19, 1959 - Song Of The Wanderer, Anah’s blues, Etta, I’m coming, Virginia, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Earl Murphy (b) Freddie Kohlman (d)
El clarinetista Albert Nicholas perteneció a la primera generación del jazz de Nueva Orleans. Discípulo de Lorenzo Tio, inició tocando con músicos como Buddy Petit, King Oliver y Manuel Perez, y más tarde en Nueva York se integró a la orquesta de Luis Russell, junto a Henry “Red” Allen, Charlie Holmes y J.C. Higginbotham. También trabajó con Chick Webb, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton.
El renacimiento del jazz tradicional a fines de los años cuarenta dio nuevo impulso a su carrera, pero en 1953 Nicholas siguió un camino similar al de Sidney Bechet y se radicó en Francia. Allí encontró un público más receptivo a la música de Nueva Orleans y permaneció en Europa hasta su muerte, en 1973.
En 1959, en una de sus infrecuentes visitas a a Estados Unidos, Nicholas se reunió con el pianista Art Hodes, el contrabajista Earl Murphy y el baterista Freddie Kohlman para una sesión dedicada a standards y blues y grabaron “The New Orleans-Chicago Connection”, un disco sin complicaciones ni pretensiones renovadoras. El cuarteto vuelve a la esencia del jazz tradicional: melodía, improvisación colectiva y swing, encabezados por el sonido cálido y lírico del clarinete de Nicholas.


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Durante los años sesenta, Chick Corea comenzó a hacerse un nombre junto a músicos de primer nivel mientras desarrollaba paralelamente su carrera como líder. El gran salto llegó en 1968 con la grabación de “Now He Sings, Now He Sobs”, el disco con el que cerramos nuestro primer programa dedicado a su trayectoria.
MILES DAVIS - B*****S BREW LIVE - Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, July 5, 1969 - It’s About That Time - Miles Davis (tp) Chick Corea (el-p) Dave Holland (b) Jack DeJohnette (d)
La siguiente gran etapa comenzó ese mismo año, cuando Miles Davis lo incorporó a su grupo. Davis se encontraba entonces en plena búsqueda de nuevas direcciones musicales, y Corea fue uno de los jóvenes músicos que lo acompañaron en esa aventura.
La importancia de Corea durante este período fue enorme. Mientras muchos pianistas continuaban considerando el piano acústico como el centro de su actividad artística, él abrazó las posibilidades del Fender Rhodes y de los teclados eléctricos. Y no los utilizó simplemente como sustitutos del piano tradicional: desarrolló para ellos un lenguaje propio.
Durante el período en la banda de Davis participó en grabaciones históricas como “In a Silent Way” y “B*****s Brew”, dos discos fundamentales en el nacimiento del jazz fusión.
THE SONG OF SINGING - New York, April 7,8, 1970 - Toy room, Nefertiti - Chick Corea (p,perc) Dave Holland (b,perc) Barry Altschul (d)
A comienzos de los años setenta, Corea y el contrabajista Dave Holland se retiraron del grupo de Miles Davis para iniciar su propio conjunto.
Durante las actuaciones con Davis, y también en largas sesiones informales de improvisación, ambos habían desarrollado una estrecha afinidad musical. A ellos se sumó el baterista Barry Altschul, un músico igualmente interesado en la improvisación libre y en llevar el formato tradicional del trío de piano hacia territorios mucho más abstractos.
El primer álbum de esta colaboración fue “The Song of Singing”, grabado en 1970. Aquí Corea regresó al piano acústico, pero no al lenguaje de sus primeros años. La música es abierta, espontánea y profundamente colectiva.
PIANO IMPROVISATIONS VOL. 1 - Oslo, Norway, April 21 & 22, 1971 - Sometime ago - Chick Corea (p)
Unos meses después, Chick Corea decidió disolver Circle y, una vez más, cambiar de dirección. Sus primeras grabaciones fueron dos discos dedicados exclusivamente al piano solo.
El primero de ellos, “Piano Improvisations Vol. 1”, muestra a un Corea muy diferente al que acabamos de escuchar. La abstracción y la intensidad colectiva de Circle dan paso a una música íntima, melódica y profundamente personal.
El disco incluye además la primera grabación de “Sometime Ago”, una composición que con el tiempo se convertiría en una de las obras más conocidas de su repertorio.
RETURN TO FOREVER - New York, February 2 & 3, 1972 - Sometime ago / La fiesta - Joe Farrell (ts,sop,fl) Chick Corea (p,el-p) Stanley Clarke (b,el-b) Airto Moreira (d,perc) Flora Purim (vcl,perc)
Después de sus grabaciones de piano solo, Chick Corea volvió a cambiar de dirección. En 1972 fundó Return to Forever, un grupo que combinaba el jazz con ritmos latinoamericanos, melodías de gran lirismo y el uso cada vez más importante de los instrumentos eléctricos.
La primera formación, junto a Corea estaban el saxofonista y flautista Joe Farrell, el contrabajista Stanley Clarke, la cantante Flora Purim y el percusionista Airto Moreira. La voz de Purim y la presencia de la flauta y las percusiones brasileñas dan al grupo un carácter melódico, muy alejado de la abstracción de Circle.
Junto a Weather Report, The Headhunters y la Mahavishnu Orchestra, Return to Forever se convertiría en uno de los grupos fundamentales del jazz fusión de los años setenta y serviría además como plataforma para músicos como Clarke, Flora Purim, Airto Moreira y, más tarde, el guitarrista Al Di Meola.
Pero hoy escucharemos el comienzo de la historia: el primer Return to Forever.


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TYSHAWN SOREY MEMBERS... DON’T! - Live “Jazz Gallery”, New York, c. 2025 - Equipoise (pt. 1), Libra - Adam O’Farrill (tp,electronics) Mark Shim (ts) Lex Korten (p) Tyrone Allen, II (b) Tyshawn Sorey (d,arr) Fay Victor (vcl)
El baterista, compositor y director Tyshawn Sorey es una de las figuras más admiradas del jazz actual. En su más reciente trabajo, “Members… Don’t!”, rinde homenaje a un álbum fundamental de Max Roach, “Members, Don’t Git Weary”, publicado en 1968 en uno de los momentos más difíciles de la historia reciente de Estados Unidos. La música de Roach transmitía entonces un mensaje de resistencia y esperanza frente a las tensiones sociales y la lucha por los derechos civiles.
En lugar de interpretar fielmente aquellas composiciones, Sorey las toma como punto de partida para crear una obra completamente nueva. Grabado en vivo en el club Jazz Gallery de Nueva York, el álbum se desarrolla como una sola interpretación continua en la que la improvisación ocupa un lugar central.
Lo acompañan el trompetista Adam O’Farrill, el saxofonista Mark Shim, el pianista Lex Korten y el contrabajista Tyrone Allen. Juntos construyen una música intensa y expresiva, que mira al legado de Max Roach sin caer en la nostalgia y demuestra cómo esas ideas siguen teniendo plena vigencia en el jazz contemporáneo.
CHRISTIAN DILLINGHAM AS IT RELATES TO NOW - Chicago, IL, May 30, 2025 - As it relates to now, Delusional grandeur, The divine current - Greg Ward (as) Christian Dillingham (b) Jeremy Cunningham (d)
El contrabajista y compositor Christian Dillingham, ganador de un premio Grammy por su trabajo como intérprete, presenta “As It Relates To Now”, su tercer álbum como líder y el primero grabado en formato de trío. Lo acompañan dos destacados músicos de la escena de Chicago: el saxofonista alto Greg Ward y el baterista Jeremy Cunningham.
Sin recurrir a un instrumento armónico como el piano o la guitarra, el trío desarrolla un sonido abierto y muy comunicativo, en el que cada músico tiene amplio espacio para proponer ideas y dialogar con los demás. Las composiciones de Dillingham nacen, en parte, de las tensiones sociales y políticas del mundo actual, aunque el mensaje se transmite siempre a través de la música.
El álbum combina momentos de gran energía con pasajes más reflexivos. La estrecha compenetración entre el saxofón y el contrabajo, recuerda el vigor del hard bop clásico con un swing firme y contagioso.
STEVE LEHMAN THE MUSIC OF ANTHONY BRAXTON - Live “ETA”, Los Angeles, c. 2024 - Composition 34a, L.A. genes, Composition 23c - Steve Lehman (as) Mark Turner (ts) Matt Brewer (b) Damion Reid (d)
El saxofonista Steve Lehman dedica este nuevo álbum a la música de Anthony Braxton, uno de los compositores e improvisadores más influyentes del jazz contemporáneo y uno de sus primeros maestros. “The Music of Anthony Braxton”, grabado en vivo en el club ETA aquí en Los Ángeles, celebra los 80 años de Braxton con una lectura enérgica y profundamente personal de algunas de sus composiciones.
Lehman se presenta junto a su consolidado trío, integrado por el contrabajista Matt Brewer y el baterista Damion Reid, al que se suma como invitado el destacado saxofonista tenor Mark Turner. Lejos de intentar reproducir las versiones originales, el cuarteto ofrece una interpretación propia, donde la improvisación, el swing y la interacción entre los músicos ocupan un lugar central.
Cabe notar el contraste entre el sonido intenso y expresivo del saxofón alto de Lehman y el fraseo más sereno y elegante de Turner en tenor. Mientras tanto, Brewer y Reid forman una sección rítmica de extraordinaria compenetración. Es un concierto vibrante que no solo rinde homenaje al legado de Anthony Braxton, sino que también demuestra la permanente vigencia de su música en manos de una nueva generación de improvisadores.


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FREDDIE HUBBARD READY FOR FREDDIE - Englewood Cliffs, NJ, August 21, 1961 - Arietis, Birdlike - Freddie Hubbard (tp) Bernard McKinney (euphonium) Wayne Shorter (ts) McCoy Tyner (p) Art Davis (b) Elvin Jones (d)
Pocos trompetistas en la historia del jazz han reunido el virtuosismo, la imaginación y la influencia de Freddie Hubbard. Considerado uno de los grandes maestros de su instrumento, comenzó tocando el mellophone y luego la trompeta en la banda del colegio. Durante su adolescencia actuó junto a Wes y Monk Montgomery en Indianápolis y formó su propio grupo con el contrabajista Larry Ridley y el saxofonista James Spaulding.
Cuando se estableció en Nueva York en 1958, Hubbard impresionó de inmediato por la madurez de su sonido y la seguridad de su técnica, colaborando con figuras como Philly Joe Jones, Sonny Rollins, Slide Hampton, J.J. Johnson y Eric Dolphy.
En 1960, recomendado por Miles Davis, grabó su primer álbum como líder, “Open Sesame”, apenas unas semanas después de cumplir 22 años. En los diez meses siguientes registró “Goin’ Up” y “Hub Cap”, para luego alcanzar uno de los puntos culminantes de su primera etapa con “Ready for Freddie” (1961), considerado por muchos su obra maestra y el inicio de una memorable asociación con Wayne Shorter. Ese mismo año ingresó a los “Jazz Messengers” de Art Blakey, reemplazando a Lee Morgan. Para entonces, Hubbard ya había desarrollado una voz inconfundible y había sido distinguido por la revista “DownBeat” como la nueva gran figura de la trompeta.
DENNY ZEITLIN / CHARLIE HADEN TIME REMEMBERS ONE TIME ONCE - “Keystone Korner”, San Francisco, CA, July, 1981 -Chairman Mao, Time remembers one time once, Satellite / How high the moon-Denny Zeitlin (p) Charlie Haden (b)
Grabado en julio de 1981 en el legendario club “Keystone Korner” de San Francisco, “Time Remembers One Time Once” reúne a dos músicos de excepcional sensibilidad: el pianista Denny Zeitlin y el contrabajista Charlie Haden.
Zeitlin ha sido siempre una figura singular en el jazz. Además de una brillante carrera musical, ha ejercido durante décadas como profesor de psiquiatría clínica, logrando mantener un notable equilibrio entre la medicina y la creación artística. Pianista de refinada técnica, lirismo, y una riqueza armónica con un profundo enfoque.
Destacan “Chairman Mao”, de Haden, que comienza con un ostinato del contrabajo para que el piano exponga el tema de sutiles toques orientales, dando paso a un estupendo solo de contrabajo. La composición de Zeitlin que da título al álbum, parte como un vals para luego transformarse constantemente, sorprendiendo con cambios melódicos y armónicos tan naturales como impredecibles. El resultado es un diálogo de extraordinaria empatía, donde el silencio, el espacio y la escucha son tan importantes como las notas.
SONNY RED QUINTET THE MODE - New York, December 14, 1961 - Super 20, Bye bye blues, The mode - Sonny Red (as) Barry Harris (p) Grant Green (g-1) George Tucker (b) Lex Humphries (d) Jimmy Cobb (d-2) replaces Humphries
Aunque nunca alcanzó la fama de otros saxofonistas de su generación, Sonny Red fue uno de los más sólidos exponentes del alto surgidos del lenguaje de Charlie Parker. Formado en Detroit junto al pianista Barry Harris, inició su carrera profesional a comienzos de la década de 1950. Tras un breve paso por la orquesta de Frank Rosolino y una corta estadía con los Jazz Messengers de Art Blakey, se estableció en Nueva York en 1957.
“The Mode”, grabado en 1961, refleja un momento de transición en el jazz. Sin abandonar el vigoroso bebop heredado de Charlie Parker, Sonny Red explora el lenguaje modal que comenzaba a expandirse tras la influencia de “Kind of Blue”. Red encuentra un equilibrio entre ambos mundos, alternando complejas progresiones armónicas con extensos pasajes modales. Lo acompañan el guitarrista Grant Green, los pianistas Barry Harris o Cedar Walton, el contrabajista George Tucker y el baterista Jimmy Cobb, un quinteto de primer nivel que se mueve con igual naturalidad entre la tradición del hard bop y las nuevas posibilidades del jazz modal.


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CHARLES LLOYD OF COURSE, OF COURSE
- New York, March 4 & 8, 1965 - The things we did last summer (rc,tw out), Apex (gs out), Goin’ to Memphis - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)
- New York, October 15, 1965 - Sun dance - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)
Grabado en 1964, “Of Course, Of Course” fue el segundo álbum de Charles Lloyd como líder, aunque aún integraba el quinteto de Cannonball Adderley, Lloyd ya exhibía una personalidad musical claramente definida.
Lo acompaña un estupendo cuarteto: el guitarrista húngaro Gábor Szabó, su antiguo compañero en el grupo de Chico Hamilton, Ron Carter en contrabajo y el joven baterista Tony Williams, quienes aportan una base rítmica de extraordinaria flexibilidad y creatividad.
Siete de las nueve composiciones pertenecen a Lloyd y revelan un compositor interesado tanto en la melodía como en la exploración armónica. El estándar “The Things We Did Last Summer”, interpretado únicamente por Lloyd y Szabó, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum. En el extremo opuesto está “Apex”, un intenso trío con Carter y Williams donde, más que la influencia de John Coltrane, aflora la libertad melódica y el enfoque abierto de Ornette Coleman. El breve solo de Carter es una joya.
DIANA KRALL
- ALL FOR YOU - New York, October 3-8, 1995 - Frim fram sauce, A blossom fell - Diana Krall (p,vcl) Russell Malone (g) Paul Keller (b)
- GLAD RAG DOLL - Los Angeles, January-February 2012 - Glad rag doll - Diana Krall (p,vcl) Marc Ribot (ac-g)
Diana Krall alcanzó proyección internacional con “All for You” (1996), un homenaje a Nat King Cole, y consolidó su éxito con “When I Look in Your Eyes” (1999), álbum que obtuvo reconocimiento en los premios Grammy y contribuyó a devolver el jazz al primer plano del mercado discográfico.
Su estilo combina estándares de jazz con influencias del pop, la bossa nova y el Gran Cancionero Estadounidense, logrando un equilibrio entre sofisticación y accesibilidad. Con una voz de íntima calidez y un elegante trabajo al piano, Krall ha conquistado una audiencia internacional sin apartarse de la tradición del jazz. Sus grabaciones y presentaciones continúan demostrando un profundo respeto por ese legado, acercando la elegancia del jazz vocal clásico a nuevas generaciones de oyentes.
BLUE MOODS DIRECTIONS & EXPRESSIONS - Brooklyn, NY, September 13, 2025 - Boplicity, Stuff, Agitation, Lazy Susan/Half Nelson - Eli Howell (tb) Diego Rivera (ts,sop) Behn Gillece (vib) Art Hirahara (p) Boris Kozlov (b) Vinnie Sperrazza (d)
“Charles Lloyd – “Of Course, Of Course”
Con “Directions & Expressions”, el sello PosiTone continúa su serie “Blue Moods”, dedicada a reinterpretar la obra de algunos de los grandes compositores del jazz. En esta ocasión, el homenaje está centrado en Miles Davis, cuya música sirve como punto de partida para nuevas lecturas llenas de imaginación y personalidad.
El sexteto reúne al saxofonista Diego Rivera, el trombonista Eli Howell, el pianista Art Hirahara, el vibrafonista Behn Gillece, el contrabajista Boris Kozlov y el baterista Vinnie Sperrazza. Más que reproducir los arreglos originales, el grupo explora el lirismo, la profundidad armónica y el espíritu aventurero que caracterizaron la obra de Davis, equilibrando atmósferas contemplativas con momentos de gran intensidad.


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