SONNY ROLLINS:
Esta noche en PJ presentaremos el segundo programa dedicado a la carrera del influyente saxo tenor y compositor Sonny Rollins. Este programa recorre un momento decisivo en la historia de Rollins quien pasó de ser una joven promesa del saxofonista a convertirse en una voz central e ineludible del instrumento.
- “MOVIN’ OUT” - Hackensack, NJ, August 18, 1954- Swingin’ For Bumsy - Kenny Dorham (tp) Sonny Rollins (ts) Elmo Hope (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)
En agosto de 1954, Rollins ingresó al estudio de Rudy Van Gelder registró su álbum Moving Out para el sello Prestige, era su primera sesión como líder en casi un año y uno de sus primeros LPs de doce pulgadas.
Para la ocasión reunió a un gran grupo: Elmo Hope en piano, Percy Heath en contrabajo, Art Blakey en batería y su gran amigo, el trompetista Kenny Dorham. Dorham tocaba con un fraseo muy cercano al del saxo tenor —instrumento que también había tocado—, lo que le dió al quinteto una sonoridad muy particular. La idea en el estudio era capturar la energía de un club.
Ese día registraron cuatro composiciones originales de Rollins que, aunque basadas en progresiones de acordes conocidas, no todos los músicos las dominaban, pero eso no impidió que la sesión fluyera.
El sonido de Sonny ya mostraba mayor madurez. Para el crítico Ira Gitler, que escribió las notas del disco, el álbum confirmaba la promesa que Rollins había mostrado desde joven. Sin embargo Nat Hentoff, crítico de la revista Down Beat, elogió al grupo y la calidad de la grabación de Van Gelder, aunque fue más duro con Sonny, a quien calificó como “falto de imaginación, aunque rítmicamente poderoso”.
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- PLUS 4 - Hackensack, NJ, March 22, 1956 - Valse Hot - Clifford Brown (tp) Sonny Rollins (ts) Richie Powell (p) George Morrow (b) Max Roach (d)
En marzo de 1956, Rollins grabó Sonny Rollins Plus Four, aunque él es el líder nominal, se trata del quinteto del Quinteto de Clifford Brown y Max Roach. Sonny eligió tres estándares y dos composiciones propias. Lo más llamativo del disco fueron, sin duda, los temas originales.
“Valse Hot”, que hoy es un clásico, fue un experimento en compás de 3/4. Cuando Sonny escuchó el “Jitterbug Waltz” de Fats Waller, la composición que le aclaró que además del 4/4 normalmente usado em el jazz, había otros metros posibles que todavía no se habían explorado a fondo.
En “Valse Hot” los acentos caen en lugares inesperados, y lograr que el swing suene ligero y natural no era fácil. Max, que nunca antes había tocado un vals de jazz le confesó a Rollins que se quedó en el sótano de su casa practicando toda la noche. El otro original fue “Pent-Up House”, que ahora también es estándar.
En las notas del álbum escritas por Ira Gitler, proclama a Sonny como un referente clave del tenor moderno cuya influencia sobre varios saxofonistas contemporáneos era obvia.
Con este álbum, las dudas que Nat Hentoff había manifestado antes sobre Sonny desaparecieron. Le otorgó al disco cuatro estrellas y media en Down Beat: era la mejor reseña que Rollins había recibido hasta ese momento.
- “TENOR MADNESS” - Hackensack, NJ, May 24, 1956 - Tenor Madness - Sonny Rollins (ts) John Coltrane (ts-1) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)
Para las sesiones del 24 de mayo de 1956, Sonny contrató la sección de ritmo del Primer Gran Quinteto de Miles Davis: Paul Chambers, Philly Joe Jones y Red Garland. También trajeron a John Coltrane, que no fue contratado para la sesión, pero vino a mostrar su apoyo a Sonny. Resultó ser una de las sesiones más importantes de su carrera: Tenor Madness.
Sonny eligió estándares poco transitados: “When Your Lover Has Gone”, “My Reverie” y “The Most Beautiful Girl in the World”. Sumó además un original, “Paul’s Pal”, dedicado a Chambers. Durante la sesión Rollins grabó algunas de sus interpretaciones más líricas y sofisticadas, usando un vibrato muy expresivo pero no estaba conforme. Después de cada toma negaba con la cabeza: “No está pasando nada”. Pero algo sí pasó.
Alguien sugirió que Sonny invitara a Coltrane a tocar en una pista. Coltrane, que se había quedado dormido en el auto, afortunadamente, tenía su saxofón. Se decidieron por un blues de doce compases bien conocido en el medio en ese época. Kenny Clarke, que lo había compuesto, lo grabó en 1946 como “Rue Chaptal” y alternativamente como “Royal Roost”. Hank Mobley lo había grabado como “Sportin’ Crowd” con Jazz Messengers de Art Blakey y Sonny junto a Trane lo bautizaron como “Tenor Madness”, que se convertiría en la versión definitiva de la canción.
- “SAXOPHONE COLOSSUS” - Hackensack, NJ, June 22, 1956 - Blue 7, St. Thomas - Sonny Rollins (ts) Tommy Flanagan (p) Doug Watkins (b) Max Roach (d)
Para Saxophone Colossus, grabado en 1956, Sonny Rollins reunió un cuarteto que no solo confirmó el altísimo nivel que ya venía mostrando, sino que lo proyectó aún más lejos. La reseña de Gunther Schuller, que popularizó la idea de la “improvisación temática” asociada a Rollins, terminó de instalar el disco como un clásico indiscutido. A partir de entonces, Sonny empezó a ser considerado el tenor más influyente desde Coleman Hawkins y Lester Young.
En una escena dominada por herederos del lirismo de Lester Young, a Rollins se lo describía a veces como áspero o incluso iracundo. Sin embargo, su música transmite más bien amplitud, humor e inteligencia estructural. Hay ingenio en su forma de elegir repertorio y, sobre todo, en cómo organiza sus improvisaciones. Su sonido es firme y elegante, con una autoridad que nunca se vuelve rígida: siempre está en transformación.
Las cinco piezas del álbum son sólidas, pero dos momentos resultan especialmente reveladores. En “Blue 7”, Rollins construye su solo a partir de motivos breves de blues menor que desarrolla con paciencia y lógica interna, articulando el trabajo del cuarteto con claridad casi arquitectónica.
En “St. Thomas”, parte de una sencilla figura de dos notas que va variando sutilmente. Max Roach responde con un solo igualmente temático —algo inusual en la batería de la época— y sostiene el pulso con imaginación junto al piano de Tommy Flanagan. Cuando Rollins regresa, ya en tiempo de jazz, retoma ideas previas y cierra su improvisación con naturalidad, como si todo hubiera estado previsto desde el comienzo.
- “WAY OUT WEST” - Los Angeles, March 7, 1957 I’m an Old Cowhand Sonny Rollins (ts) Ray Brown (b) Shelly Manne (d)
En 1957 Sonny Rollins estaba en la cima de su carrera. Venía de grabar Saxophone Colossus y su sonido ya era una referencia del saxo tenor moderno. Rollins se encontraba en Los Ángeles -costa oeste de Estados Unidos cuando decidió entrar al estudio de Contemporary Records junto a dos músicos extraordinarios: Ray Brown en contrabajo y Shelly Manne en batería. El detalle clave es que no hay piano. La ausencia de piano no fue una decisión económica, sino estética. Rollins quería libertad. Sin un instrumento armónico que fijara los acordes, el saxo quedaba expuesto, obligado a sugerir las armonías desde el propio fraseo. Lejos de sonar frágil, el resultado fue abierto y ágil. La música respira. Hay espacio, riesgo y una sensación constante de movimiento.
El repertorio se basa en el imaginario Lejano Oeste con canciones como “I’m an Old Cowhand” soy un viejo vaquero y “Wagon Wheels” ruedas de carreta, además de la célebre carátula con Rollins vestido de vaquero en el desierto californiano. Pero el guiño es más que decorativo. En “Old Cowhand”, por ejemplo, Rollins convierte un tema casi humorístico en un ejercicio de improvisación temática: toma pequeñas melodías, las transforma, las desplaza rítmicamente y las reorganiza con lógica interna. Construye, más que simplemente encadenar frases.
Way Out West consolidó el formato de trío sin piano para el tenor. Parece ligero, incluso juguetón, pero su arquitectura es seria y audaz. Es una exploración que ampliaría el camino del jazz moderno.
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