La Traviata

A lo largo de la historia de la ópera y la zarzuela, la mujer ha sido muchas veces el lugar donde se concentra el conflicto: el deseo, la culpa, el honor, la redención. La ópera y la zarzuela han construido, durante más de dos siglos, un vasto retrato de la mujer: amada, juzgada, sacrificada, redimida.

Hoy proponemos un recorrido por ocho protagonistas que encarnan distintos arquetipos femeninos, desde el realismo social hasta la transfiguración espiritual. ocho figuras femeninas que, desde mundos muy distintos, comparten un mismo destino: amar, decidir o esperar… y pagar el precio.

VIOLETTA VALÉRY de La traviata – Giuseppe Verdi

MARÍA  de La tempranica – Gerónimo Giménez

LUISA de  Luisa Miller – Giuseppe Verdi

CASILDA de La villana – Amadeo Vives

LEONOR DE GUZMÁN  de La Favorite – Gaetano Donizett

JULIETA de I Capuleti e i Montecchi – Vincenzo Bellini

CIO-CIO-SAN  de Madama Butterfly – Giacomo Puccini

THAÍS de Thaïs – Jules Massenet

Hoy nos adentramos en el corazón de la ópera barroca italiana, tal como se vivía en el Londres del primer tercio del siglo XVIII. Es la época del dominio absoluto del aria da capo, del lucimiento vocal extremo y de una clara separación entre recitativo —donde avanza la acción— y aria —donde el tiempo parece detenerse para explorar un sentimiento.

El público londinense adoraba el exotismo, las intrigas históricas y las grandes estrellas vocales, especialmente los castrati, auténticos ídolos de masas. En este contexto, Georg Friedrich Händel, compositor alemán afincado en Inglaterra, se convierte en el gran arquitecto de la ópera italiana fuera de Italia.

Estrenada en 1724, Giulio Cesare in Egitto es probablemente la ópera más perfecta de Händel. Combina:

Rigor dramático

Riqueza psicológica de los personajes

Una sucesión inagotable de arias memorables


El libreto se inspira en hechos históricos: la llegada de Julio César a Egipto tras la derrota de Pompeyo y su encuentro con Cleopatra, una mujer joven, inteligente y extraordinariamente astuta.

Estamos ante una ópera de pasiones humanas: ambición, seducción, venganza, dolor y amor verdadero.

PERSONAJES Y VOCES

Giulio Cesare – contralto o mezzosoprano (originalmente castrato): noble, reflexivo, heroico

Cleopatra – soprano: seductora, inteligente, emocionalmente compleja

Cornelia – contralto: dignidad, dolor y firmeza moral

Sesto – mezzosoprano: juventud, evolución psicológica

Tolomeo – contratenor: crueldad, cinismo, poder sin escrúpulos


Händel utiliza las voces para dibujar el carácter: cuanto más virtuosa y brillante es el aria, más complejo es el personaje.

Hoy vamos a escuchar música que no pertenece a un solo personaje,
ni a una sola voz.

Hoy la música se canta en plural. En la ópera, en la zarzuela y en el musical, el coro cumple una función muy especial: no solo decora la escena, sino que comenta la acción, representa a la sociedad, y muchas veces dice en voz alta lo que los protagonistas no se atreven a decir.

Escuchar un coro no es solo escuchar muchas voces juntas. Es escuchar una época,
una forma de pensar, una comunidad entera reflejada en música. Vamos a recorrer algunos de los coros más célebres del teatro musical, con una idea muy sencilla:
entender mejor lo que escuchamos para disfrutarlo todavía más.

Giuseppe Verdi entendió como pocos el poder del coro. En sus óperas, el coro no está de fondo: está en medio de la acción. Representa al pueblo, a la opinión pública, a la presión social que pesa sobre los personajes. Cuando escuchemos estos coros, fijémonos no solo en la melodía, sino en el ritmo firme, en la escritura clara, casi como si Verdi quisiera que cada palabra se entendiera sin esfuerzo.

En otras óperas, el coro observa, comenta, describe la vida cotidiana. No es protagonista, pero tampoco es indiferente. Es la calle, el trabajo diario, la gente común que rodea a los héroes y heroínas de la historia.

A finales del siglo XIX, la ópera quiso parecerse más a la vida real. El llamado verismo busca emociones directas, situaciones reconocibles, y una música que va directa al corazón. Aquí el coro ya no representa una idea abstracta, sino una emoción compartida: fe, dolor, esperanza.

En la zarzuela, el coro es el pueblo. Son vecinos, trabajadores, jóvenes, mayores…
personajes que hablan como hablaba la gente de su tiempo. Por eso estos coros nos resultan tan cercanos: porque cuentan historias pequeñas, cotidianas, pero profundamente humanas.

El musical heredó mucho de la ópera y de la zarzuela, aunque a veces no lo parezca. El coro sigue cumpliendo la misma función: unir a los personajes, reforzar una idea,
emocionar al público de forma directa. Aquí la música es más inmediata, pero la intención es la misma: que muchas voces digan algo importante juntas.

Hoy regresamos a nuestra zarzuela, pero no con un título excesivamente popular, sino con una obra que merece mucha más presencia en los escenarios: La tempestad, zarzuela en un acto estrenada en 1882 y firmada por uno de los compositores fundamentales de la música española del siglo XIX, Ruperto Chapí.

Esta obra marca un momento decisivo en la evolución del género lírico español: nos encontramos todavía en pleno reinado del llamado “género chico”, pero la dimensión musical y dramática de La tempestad supera con creces los moldes ligeros habituales. Chapí se atreve a construir una auténtica pieza dramática, casi operística, donde la orquesta desempeña un papel narrativo de primer orden y donde el clima romántico, incluso oscuro, convive con la raíz popular que la zarzuela no puede perder.

Nos situamos en la Restauración borbónica, tras el convulso Sexenio Democrático. Culturalmente existe una necesidad urgente de consolidar una identidad española moderna. En música, esa tensión se manifiesta entre dos polos: por un lado, una tradición popular profundamente arraigada; por otro, la fascinación por el drama musical europeo y la ópera italiana.

La zarzuela chica, que vivía un éxito extraordinario, corría el riesgo de repetirse en fórmulas, pero también ofrecía un escenario experimental donde autores como Chapí podían introducir lenguaje sinfónico, ampliación de las funciones del coro y una orquesta más activa, más pintoresca y más descriptiva.

En Europa ya han estallado Wagner y la escuela alemana; Francia vive la transición entre el gran opéra y la ópera cómica; en Italia, después del primer Verdi, la maduración del melodrama conduce a formas dramáticas más densas. Chapí, sin copiar, incorpora esa atmósfera.

Aunque de un solo acto, La tempestad despliega recursos poco habituales en la zarzuela de su tiempo:

Orquesta narrativa: percusión, texturas de cuerda agitadas, cromatismos que imitan el oleaje.

Coralidad dramática: el coro no es espectador, es comunidad emocional.

Voz solista con proyección operística: Ángela y Roberto están escritos para voces de cierta “densidad”.

Ambiente simbólico: el mar como metáfora de destino, temor, fragilidad humana.


La obra no depende del costumbrismo festivo; es drama romántico con tintes casi religiosos, donde la naturaleza adquiere un sentido moral.
Ejes estéticos:


Relación música–naturaleza: la orquesta refleja el mar, el viento, el peligro. La “tempestad” no es solo paisaje, sino símbolo de los conflictos humanos.

Romanticismo dramático: ecos italianos en la escritura de las voces, tensión entre destino, superstición, amor y fatalidad.

Tratamiento operístico del coro: el coro de pescadores no es adorno, es comunidad, miedo colectivo, esperanza común.

Color orquestal audaz: percusión, cromatismos, cuerdas agitadas, climas contrastados.


Chapí construye una zarzuela que no depende del costumbrismo festivo, sino del clima emocional: celos, temor, pasión, superstición, redención.

Alfredo Catalani nació en Lucca en 1854, la misma ciudad natal de Puccini. Su formación musical lo llevó a París y más tarde a Milán, donde desarrolló un estilo personal influido por el romanticismo centroeuropeo. Admiraba profundamente a Wagner —y se nota en su orquestación y en el uso de motivos conductores— pero nunca abandonó el lirismo italiano, ese canto amplio y melódico que tanto caracteriza a la ópera de su tiempo.

Por desgracia, la tuberculosis acompañó a Catalani durante gran parte de su vida y truncó una carrera que prometía mucho. Murió joven, en 1893, apenas un año después del estreno de La Wally. Sus óperas son pocas, pero todas revelan una sensibilidad refinada y una capacidad para describir emociones a través de paisajes musicales densos y atmosféricos.

La Wally se estrenó en La Scala de Milán en 1892 con libreto de Luigi Illica —el mismo que más tarde trabajaría con Puccini en La Bohème, Tosca y Madama Butterfly. Illica adaptó una novela alemana, La Vals del Buitre (Die Geier-Wally), donde la naturaleza alpina, los códigos sociales y la fuerza interior de una joven rebelde construyen un drama profundamente romántico.

La ópera se mueve entre el final del romanticismo italiano y las primeras luces del verismo: mantiene la melodía tradicional, pero incorpora paisajes sonoros, descripciones instrumentales y una energía casi cinematográfica. Ya desde el Preludio —uno de los primeros momentos musicales importantes— Catalani nos sumerge en ese mundo montañoso, lleno de belleza pero también de peligro.

Wally – soprano lírica-dramática.
Protagonista apasionada, libre, rebelde, marcada por su vínculo con la naturaleza.

Hagenbach – tenor lírico-spinto.
Rival amoroso y contrapunto de Wally; impulsivo, valiente.

Vincenzo Gellner – barítono.
Enamorado silencioso de Wally; celoso y oscuro.

Stromminger – bajo.
Padre de Wally, severo, defensor de las tradiciones.

Walter – soprano lírica o mezzo-ligera.
Amiga de Wally; aporta frescura y contraste.

Coros de cazadores y aldeanos.


Catalani muere un año después del estreno: la ópera queda como su testamento artístico. Aunque rara en los teatros, es apreciada por directores y cantantes por su riqueza lírica.
 El aria del primer acto ha sido grabada por Renata Tebaldi, Montserrat Caballé, Renée Fleming, Anna Netrebko… consolidándose como referencia absoluta del repertorio de sopranos. Quizá La Wally no haya encontrado su lugar estable en los teatros, pero cada vez que se interpreta deja claro que Catalani fue un compositor de sensibilidad profunda y talento extraordinario.