Civilcinema

Iniciada a principios de los años sesenta como un experimento documental —enmarcado, a su vez, dentro de un programa televisivo sobre la vida actual—, la serie UP creció hasta convertirse en algo único: el registro de cómo un grupo de catorce niños va siendo filmado cada siete años, mientras se convierten en adolescentes, jóvenes, adultos, madres y padres, profesionales, entran y salen del sistema, triunfan y fracasan, convidas que se transforman por el simple hecho de ser parte de esta experiencia tan particular, que marca sus vidas mientras avanzan a la vejez y a su inevitable conclusión.
Creada por Granada TV para observar la marca que los rígidos sistema de clases y sistema educacional dejaban sobre los súbditos más jóvenes del imperio, la evolución que va desde Seven UP (1964) hasta 70 UP (2026) supera con mucho los objetivos iniciales: por un lado es un alucinante retrato acerca de los modos de vida del siglo XX, pero además es una mirada a la vida personal y familiar, a los lazos fraternos y emocionales generados (tanto de los participantes como de nosotros, la audiencia que los sigue en el desarrollo de sus vidas) , la experiencia vital en una nación donde los mecanismos de convivencia se deterioran sin remedio, y los lazos de amor que estos seres humanos van creando en torno suyo.
Imposible pedirle más a una obra de arte.
De esto y más se habla en este podcast.

Una escolar que desea convertirse en monja de clausura. Un padre al mando de una familia y de un negocio al borde de la quiebra. Una tía para la cual el deseo de su sobrina representa un escenario de terror y oscurantismo. Los domingos es una gran película en la medida que utiliza todo ese insumo argumental al servicio no sólo de posiciones de intenso e interesante debate sino sobre todo para dar una mirada a la vida de una familia que —como tantas otras— usa sus almuerzos de fin de semana como una suerte de espejo en el que su relato (sus altos y bajos, sus crisis, sus secretos bien guardados) se reflejan cual espejo en los rostros de sus integrantes.
Para estos efectos, las ansias de Ainara, la chica que desea convertirse algún día en monja de clausura, representan menos una renuncia a la vida tal como la conocemos que una estrategia de escape y sobrevivencia de un buque que se está hundiendo. Ella se alcanza a dar cuenta. Parece que los otros no. De eso y más se habla en este podcast.

En retrospectiva, todo lo extraño que nos pueda resultar el Satyricon de Fellini —porque vaya que lo es— acaba por hacer sentido al observar las dos líneas maestras de su filmografía. Por un lado, la lenta progresión hacia retratos cada vez más acabados y complejos de la condición humana; por el otro, la exploración de su terreno natural, la ciudad de Roma entendida como crisol de occidente, capaz de contener lo sublime y lo abyecto, lo perenne y lo fugaz, lo serio y lo ridículo. Al centro de este diseño, deliberadamente abstracto y ajeno (subrayando así nuestra imposibilidad de conectar con ese pasado distante) se encuentra la estructura fragmentaria episódica del propio argumento del filme. No podía ser de otra manera: el Satiricón de Petronio —escrito durante los años de Nerón— sólo se conserva a pedazos, trozos desconectados que sin embargo poseen como hilo conductor las aventuras de Encolpio y Ascilto, dos pícaros que transitan por los más diversos escenarios durante días críticos del imperio; dos personajes que en realidad son uno solo, capaces de moverse entre nobles, comerciantes, amantes y esclavos, circular tanto "arriba" como "abajo" en un mundo que apenas lo atrapan se aleja, fuera de su alcance.
En su intento de dialogar con Pasolini —otro interesado en esta Roma inmortal y perecible— Fellini creó un filme de inmensa influencia sobre sus contemporáneos, una obra que los contiene y los expande. Sobre eso y más se habla en este podcast.

A fines de los años 40, Rossellini tenía clara conciencia de dos cosas : que su cine estaba superando los confines del paradigma neorrealista y que hacía sentido la idea de realizar un filme en idioma inglés. A dos océanos de distancia, Ingrid Bergman —por entonces, la actriz más famosa y celebrada del mundo— sentía superada su etapa como actriz de Hollywood y decidía escribir una carta... a Rossellini. Fruto de esa coincidencia emerge una colaboración artística única en la historia del cine, un romance tempestuoso y un escándalo mediático. Dando por conocidos los dos últimos, siempre será importante relevar lo primero: sin tener total claridad de lo que estaban consiguiendo frente a las cámaras, al narrar la historia de Karen —mujer que sale del campo de refugiados donde ha estado retenida desde el final de la guerra, sólo para ir a encerrarse recién casada a una minúscula isla volcánica que se convierte en otra cárcel más—, Rossellini y Bergman están sentando las bases de lo que hoy conocemos como cine moderno. Un cine centrado en la sicología de sus personajes, donde el conflicto es interior y el trauma se corporeíza, se vuelve material, a través del entorno, las cosas y las relaciones. Prodigiosa como es, Stromboli también es el punto de origen del cine de Ingmar Bergman, Antonioni, Godard, Wenders, Kiarostami y enorme estirpe de realizadores que se extiende hasta hoy. Sobre ese inmenso legado y algo más se habla en este podcast .

#580 The Backrooms (2022-2025), de Kane Parsons by Civilcinema