Clásicos en el Aire

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Título Original CAPTAIN SCARLETT
Director Thomas Carr
Año de producción 1952 (estreno 1953)
País Estados Unidos / rodaje en México
Duración 75 min
Color Technicolor
Género Aventuras, capa y espada
Reparto principal
Richard Greene — Captain Carlos Scarlett
Leonora Amar — Princess Maria
Nedrick Young — Pierre DuCloux
Manolo Fábregas — Duke of Corlaine
Eduardo Noriega — Count Villiers
Carlos Múzquiz — Etienne Dumas
Isabel del Puerto — Josephine
Jorge Treviño — The Friar
Rafael Alcayde — Grandville

El noble Carlos Scarlett regresa a su hogar tras las guerras napoleónicas y descubre que sus tierras han sido usurpadas por el tiránico Duque de Corlaine. Convertido en forajido justiciero, une fuerzas con Pierre y rescata a la princesa María. Juntos desafían al poder establecido en una aventura clásica de capa y espada.

Fue recibida como entretenimiento ligero: sólida dentro de su presupuesto reducido, visualmente atractiva por su uso de Technicolor y correcta en actuaciones. El público respondió modestamente; funcionó bien en circuitos de segunda sesión y cine de barrio. Rentable para sus productores y distribuidores internacionales, pero no un éxito mayor. Cumplió las expectativas de una producción de serie B orientada al mercado global.

Leonora Amar abandonó el cine justo después de esta película. Durante el rodaje se comentaba que su matrimonio con el productor portugués J. Mathias Duarte atravesaba tensiones, y varios miembros del equipo mexicano afirmaron después que Amar estaba “harta” de Hollywood y de las presiones para moldear su imagen.

Richard Greene, que ya era un rostro muy conocido, sufrió un accidente menor durante una escena de espada: un golpe mal calculado de un especialista le rozó la ceja, obligando a parar el rodaje unas horas.

Nedrick Young rodó esta película poco antes de caer en desgracia por la lista negra; cuando el equipo se enteró de su futura inclusión, hubo tensión porque varios temían que borraran su nombre de los créditos (cosa que, finalmente, no pasó).

Austera pero eficaz, Capitán Scarlett ofrece aventuras limpias, ritmo correcto y un héroe sólido en manos de Richard Greene. No aspira a grandes logros, pero su colorido, su ingenuidad y su sentido del oficio la convierten en una pieza simpática del cine de capa y espada de serie B. Entretenida, funcional y representativa de una época.

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Título original: At War with the Army
Director: Hal Walker
Año: 1950
País: Estados Unidos
Duración aproximada: 82 minutos
Género: Comedia, Musical, Militar
Técnica: Acción real.

Dean Martin — Sgt. Vic Puccinelli
Jerry Lewis — Pfc. Alvin Korwin
Mike Kellin — Sgt. McVey
Jimmie Dundee — Eddie
Dick Stabile — Pvt. Pokey
Tommy Farrell — Cpl. Clark
Frank Hyers — Cpl. Shaughnessy
Danny Dayton — Sgt. Miller
William Mendrek — Capt. Ernest Caldwell
Kenneth Forbes — 2nd Lt. Davenport
Paul Livermore — Pvt. Jack Edwards
Polly Bergen — Helen Palmer
Angela Greene — Mrs. Deborah Caldwell
Jean Ruth — Millie

Alvin Korwin y Sgt. Vic Puccinelli son dos reclutas en un campamento militar durante la Segunda Guerra Mundial que se ven envueltos en una serie de enredos cómicos, errores administrativos y malentendidos con sus superiores. La película combina el humor físico de Jerry Lewis con los números musicales y el encanto relajado de Dean Martin. A lo largo del film, la camaradería, los enfrentamientos con la autoridad y la torpeza de los protagonistas generan situaciones absurdas y hilarantes.

El estreno fue recibido con críticas moderadas. Los críticos alabaron la actuación física y el humor visual de Jerry Lewis, y el carisma de Dean Martin, pero criticaron el guion por ser simple y episódico.
El público respondió positivamente, especialmente los jóvenes y los seguidores del dúo, convirtiendo la película en un éxito moderado en taquilla.

Jerry Lewis improvisaba gran parte de sus gags físicos, lo que causó risas y algunas frustraciones en el equipo, ya que muchas escenas tuvieron que repetirse varias veces.

Dean Martin y Jerry Lewis tenían una relación profesional tensa en privado: aunque su química en pantalla era magnética, en el set a veces discutían por la manera de ejecutar las escenas cómicas.

El rodaje en locaciones de campamento militar real permitió que muchos soldados participaran como extras, lo que dio autenticidad a las escenas y creó anécdotas de interacción con los actores principales.

Vaya par de Soldados es una comedia ligera que brilla gracias al talento innegable de Dean Martin y Jerry Lewis. Aunque el guion es simple y episódico, la película se sostiene por la química de sus protagonistas y por el humor físico de Lewis, que combina torpeza y carisma de manera casi perfecta. La dirección de Hal Walker mantiene un ritmo ágil, aunque poco innovador, y los números musicales añaden un toque agradable al conjunto. Es una de esas comedias que cumplen con su objetivo: entretener, arrancar sonrisas y consolidar la leyenda de uno de los dúos más emblemáticos de Hollywood.

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Barba Azul
Director: Edgar G. Ulmer
Año: 1944
País: Estados Unidos
Duración aproximada: 72 minutos
Género: Terror, Suspense, Crimen
Técnica: Imagen real, blanco y negro
Reparto principal:
John Carradine como Gaston Morel
Jean Parker como Lucille Lutien
Nils Asther como Jean Lamarte
Ludwig Stössel como Inspector Lefevre
George Pembroke como el oficial Renard
Teala Loring como Renée
Sonia Sorel como Lucienne
Emil Rameau como Duval
Henry Kolker como el juez

En el París del siglo XIX, un apuesto pintor llamado Gaston Morel cautiva a las mujeres con su encanto y su arte, pero oculta un oscuro secreto: es el infame “Barba Azul”, un asesino en serie que estrangula a las mujeres que posan para él. Cuando conoce a Lucille, una joven costurera, siente por primera vez el deseo de redimirse,

En su estreno, Barba Azul fue considerada una producción menor, parte del circuito de serie B distribuido por PRC (Producers Releasing Corporation). Sin embargo, las críticas modernas la reivindican como una obra elegante y sombría, que demuestra el talento de Ulmer para crear belleza con escasos recursos. El público contemporáneo la recibió con curiosidad, pero no fue un éxito comercial. Con el tiempo, se convirtió en un título de culto por su atmósfera inquietante y por la magnética actuación de Carradine.

Fue modesta en taquilla, lo justo para considerarse rentable dentro del estándar de películas de bajo presupuesto. No tuvo gran impacto comercial, pero tampoco fue un fracaso. Su verdadero reconocimiento llegó décadas después.

John Carradine, actor shakespeariano y figura habitual del terror clásico, afirmó años después que Barba Azul fue uno de sus papeles favoritos, porque le permitía mostrar tanto su talento dramático como su lado más siniestro.
Edgar G. Ulmer, director de culto, trabajaba con presupuestos ínfimos: el rodaje duró apenas unos días y muchas escenas se iluminaron con lámparas improvisadas.

El personaje de Morel, con su mezcla de arte y muerte, se inspiró parcialmente en el asesino francés Henri Désiré Landru, pero también en la leyenda medieval de Barba Azul, que simboliza la pulsión destructiva del deseo masculino.

Se rumorea que Jean Parker y Carradine tuvieron una relación cercana durante el rodaje, aunque él estaba casado, lo que provocó tensiones en el set. También hubo problemas con la censura: algunas escenas en las que se mostraban los cuerpos de las víctimas fueron eliminadas por considerarse “demasiado sugerentes” para el público estadounidense de 1944.

Barba Azul es la prueba de que el cine puede ser arte incluso sin dinero. Ulmer, un desterrado del sistema de los grandes estudios, convirtió un guion de serie B en una tragedia romántica envuelta en sombras. La puesta en escena es pura poesía macabra: calles parisinas de cartón piedra iluminadas con luces expresionistas, un asesino que pinta retratos como quien firma su propia condena, y un ambiente donde el erotismo y la muerte se dan la mano.

Carradine está espléndido, casi hipnótico, y Jean Parker aporta la ternura necesaria para que la tragedia duela. No es una película perfecta —tiene ritmo irregular y diálogos melodramáticos—, pero posee algo que falta en muchas superproducciones: alma.

Una joya gótica, melancólica y decadente, que demuestra que los monstruos más terribles no son los que rugen en la oscuridad, sino los que aman demasiado.

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Título original: Abraham Lincoln
Director: D. W. Griffith
Año: 1930
País: Estados Unidos
Duración aproximada: 96 minutos
Género: Biografía, drama histórico
Técnica: Acción real, blanco y negro, sonido primitivo
Reparto principal
Walter Huston como Abraham Lincoln
Una Merkel como Ann Rutledge
Kay Hammond como Mary Todd Lincoln
Ian Keith como John Wilkes Booth
Russell Simpson como el senador Stephen A. Douglas
Jason Robards Sr. como William Herndon
Hobart Bosworth como General Ulysses S. Grant
Helen Freeman como la señora Edwards
Oscar Apfel como William Seward
E. Alyn Warren como el general Robert E. Lee
James Bradbury Sr. como Tom Lincoln

La película narra la vida de Abraham Lincoln desde su juventud en Kentucky y su primer amor con Ann Rutledge hasta su trágico asesinato en el teatro Ford. Griffith intenta mostrar el viaje moral y político del presidente que guió a Estados Unidos durante la Guerra de Secesión, centrándose tanto en sus dilemas personales como en su sentido del deber hacia la unión y la libertad.

Mención honorífica en el National Board of Review de 1930 por la interpretación de Walter Huston.
Reconocida por la Motion Picture Herald entre las diez producciones más destacadas de 1930 por su ambición histórica.

El filme fue recibido con gran expectación, al tratarse de la primera gran película sonora de D. W. Griffith, quien ya era una leyenda del cine mudo. Sin embargo, la crítica se dividió: algunos aplaudieron la interpretación sobria y majestuosa de Walter Huston, mientras otros lamentaron el ritmo irregular y la torpeza del diálogo, propia de las primeras películas sonoras.

El público acudió en masa las primeras semanas, más por el nombre de Griffith que por el tema. Aun así, las recaudaciones fueron moderadas. La cinta no logró devolverle al director el prestigio perdido tras sus controvertidas obras anteriores.

Fue un fracaso moderado en taquilla. Aunque recuperó gran parte del presupuesto, su distribución se limitó principalmente a los Estados Unidos. Griffith esperaba que fuera su regreso triunfal a Hollywood, pero la película resultó demasiado solemne para el público de la época, que comenzaba a demandar producciones más dinámicas con el nuevo cine sonoro.

Durante el rodaje, D. W. Griffith estaba obsesionado con representar fielmente a Lincoln. Llegó a exigir que Walter Huston durmiera con la ropa del personaje durante semanas para “interiorizar el alma del presidente”. Huston lo hizo parcialmente, aunque admitió luego que le resultaba insoportable el calor de la lana.

El director se negó a usar dobles en algunas secuencias de guerra, y varios extras resultaron heridos por el uso de explosivos reales para recrear los combates de la Guerra Civil.

Una Merkel, que interpretaba a Ann Rutledge, sufrió un desmayo en una escena bajo el sol de California, lo que llevó al director a gritar que “ni Lincoln había tenido que soportar tanto sacrificio”.

Kay Hammond y Walter Huston tuvieron tensiones en el set debido a que Hammond —británica— criticaba el acento sureño que Huston usaba, considerándolo “demasiado teatral”.

Griffith, envejecido y cada vez más autoritario, tuvo varios enfrentamientos con los técnicos de sonido, a quienes consideraba “enemigos del arte” por limitar su libertad de cámara.

Aunque la película no contiene escándalos sexuales, circularon rumores en Hollywood de que Griffith mantenía una relación sentimental con una de las actrices secundarias, una joven contratada para los papeles de fondo en las escenas de Springfield. Nunca se confirmó, pero la prensa sensacionalista lo insinuó en varias columnas.

El rodaje se llevó a cabo en pleno cambio del cine mudo al sonoro, y Griffith, incómodo con la tecnología, llegó a filmar algunas escenas también en versión muda “por si el sonido no funcionaba”.


Abraham Lincoln es el testamento cinematográfico de un pionero que no supo envejecer con su arte. D. W. Griffith, genio indiscutible del cine mudo, demuestra aquí su torpeza ante el sonido, pero también su grandeza como narrador visual. La película es solemne, incluso torpe por momentos, pero posee una sinceridad emocional que muy pocos logran. Walter Huston ofrece una interpretación monumental, contenida y profundamente humana.

Si el guion peca de simplista y el montaje carece de fluidez, la puesta en escena sigue teniendo la fuerza pictórica del viejo maestro. No es solo una biografía: es un epitafio, tanto para Lincoln como para el propio Griffith, que con esta obra firmó uno de sus últimos grandes gestos artísticos antes de su ocaso.

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Título original: Jack London
Director: Alfred Santell
Año: 1943
País: Estados Unidos
Duración aproximada: 94 minutos
Género: Biográfico, drama, aventura
Técnica: Acción real, blanco y negro

Reparto principal

Michael O’Shea como Jack London
Susan Hayward como Charmian Kittredge London
Osa Massen como Mabel Applegarth
Harry Davenport como Profesor Harkness
Frank Craven como Johnny Heinold
Virginia Mayo como Mamie
Roy Gordon como George Brett
Robert Gleckler como Red John

Biografía dramatizada del célebre escritor estadounidense Jack London, autor de Colmillo blanco y La llamada de lo salvaje. La película sigue su vida desde sus años como marinero y aventurero hasta su fama como novelista y su participación como corresponsal en la guerra ruso-japonesa. El film retrata su espíritu inconformista, su búsqueda de experiencias extremas y su conflicto entre la fama, el idealismo político y la desilusión final.

Premios Óscar
• Nominada a Mejor historia original (Michael Blankfort y Walter Van Tilburg Clark)
No obtuvo la estatuilla.

Seleccionada por el Writers Guild of America en 1944 por su contribución a la representación de escritores en el cine.

En 1950 fue incluida en el ciclo “Biografías de héroes americanos” del American Film Institute, por su valor como obra representativa del cine patriótico de guerra.

En el momento de su estreno, Jack London fue recibida con críticas mixtas. Algunos críticos valoraron la interpretación de Michael O’Shea, su energía y parecido físico con el verdadero escritor, mientras que otros consideraron el guion excesivamente propagandístico y carente de profundidad literaria. Susan Hayward, sin embargo, fue muy elogiada por aportar emotividad y carisma.
El público respondió con interés moderado. La película se benefició del contexto patriótico de la Segunda Guerra Mundial, al retratar a un héroe americano aventurero e idealista, pero su tono abiertamente político y su estructura episódica limitaron su éxito comercial.

No fue un fracaso, pero tampoco un gran éxito. Recaudó lo suficiente para cubrir costes, especialmente en los estados del norte y medio oeste de EE. UU., donde London era una figura popular. En Europa pasó desapercibida.

Durante el rodaje, Michael O’Shea y Susan Hayward iniciaron una breve relación extramatrimonial que se convirtió en el secreto a voces del set. Su química en pantalla se benefició de ese romance, aunque la prensa no lo reveló hasta años después.

El guion original contenía referencias mucho más explícitas a las ideas socialistas de Jack London, pero los estudios RKO obligaron a suavizarlas para evitar problemas con la censura y con el Comité de Actividades Antiamericanas.

El escritor Dalton Trumbo —entonces bajo sospecha de “simpatías izquierdistas”— colaboró sin acreditar en el guion, aportando algunos diálogos de las secuencias de guerra.

Susan Hayward insistió en rodar sus propias escenas en barco, a pesar del mal tiempo y del oleaje del Pacífico. Terminó enferma de bronquitis, lo que retrasó el rodaje casi una semana.

La producción tuvo varios enfrentamientos: el director Alfred Santell y el productor Samuel Bronston discutieron continuamente por el tono de la película. Santell quería una obra introspectiva sobre la mente del escritor; Bronston quería una historia heroica y patriótica.

Durante el rodaje en exteriores en California, uno de los barcos sufrió un incendio menor provocado por un foco. Por suerte no hubo heridos, pero el equipo de efectos especiales fue multado.


Aventuras de Jack London intenta capturar la vida de un hombre que fue demasiado grande, contradictorio y apasionado para caber en una sola película. Lo que en el papel debió ser una biografía épica se convierte, por momentos, en un melodrama patriótico que oscila entre la aventura y el sermón ideológico. Sin embargo, Michael O’Shea logra transmitir la fuerza vital del escritor, y Susan Hayward aporta el toque humano que salva al conjunto. La dirección de Santell es sólida pero convencional, aunque algunas escenas marítimas y bélicas destacan por su vigor visual. A pesar de sus excesos, Aventuras de Jack London conserva una energía romántica que la hace singular dentro del cine biográfico de los años 40: imperfecta, apasionada y, a su modo, tan contradictoria como el hombre que retrata.

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