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  • 奥赛博物馆季节展:不知疲倦的实验者——爱德华-蒙克
    挪威著名画家爱德华·蒙克(1863-1944)生前在北欧的斯堪的纳维亚半岛、德语国家,以及小范围的在一些欧洲国家里名气不小,直到第一次世界大战之后,他的知名度也就日渐消弭。现在他的画名虽已被广为人知,但他的作品却可悲地被人们简化的只剩下代表作,就如梵高被简化为断耳自画像,毕加索被简化为《亚维农少女》(1907)那样。 就蒙克而言,是他创作的著名作品《呐喊》(1893-1917),被无休止地复制和改变。本次在巴黎奥赛博物馆举行的蒙克作品回顾展中,这幅代表作是以艺术家在1895年绘制的石版画的版本出现,表面上展览并没有突出这一作品。而且具有充分的理由:展览的目的是用一百多幅作品,不管是画布的还是纸质的,尽可能完整地呈现蒙克的艺术创作,远离平庸。 本次回顾展虽然展出了许多他最著名的作品,如1891-1896年创作的《忧郁》和1892年的作品《卡尔-约翰大街的夜晚》,但蒙克其他那些不那么令人期待的作品,至少和也和他的知名作品一样,有着同等的地位,如名为 "林德壁画 "的木板画。这幅作品以德国艺术赞助人马克斯-林德的名字命名,1904年他向挪威艺术家委托创作了这幅作品,可当林德看到成品时就拒绝了,因为在他看来,这幅作品不适合放在自己孩子的卧室里。 展览的另一个特点是:展出了蒙克作品中反复出现的主题的几个不同版本,如《吸血鬼》或《桥上的女人》,不同的版本,创作时间有时相隔几十年,从而显示出蒙克直到一战时,是如何尝试以不同的表现方式,创新,以及风格的转变,这使得当时的画评家和艺术爱好者感到不解,当然这是委婉的说法。 所以,严格的坚持作品创作的时间顺序是没有意义的,展览的策展人克莱尔-贝纳尔迪也摆脱了这一点,她更喜欢邀请观众自行对画作进行比较、发现惊喜。这种对创作过程及其节奏的关注是如此明显,因为用油画、素描、平版印刷和木雕处理同一主题的几种表现方式有时还并列展出。 从一个到另一个,这些变化既可以是形式的,也可以是补充元素的增加。除了不断的实验,没有其他规则,直到蒙克生命的最后几年,在1940-1943年创作的一幅自画像中,蒙克同时从正面和侧面展示自己,以毕加索式的粗暴方式,进行交叉划线、涂抹着的明黄色背景带给人一丝丝酸涩感。 除了这丝丝酸涩,同时让人想起的还有:塞尚、梵高、马蒂斯和德国表现主义艺术家团体——“桥社(Die Brücke)”的画家们--基希纳、诺尔德。蒙克在1934-1940年创作的作品《桥上的女人》用马蒂斯式的视角来看,就是一幅野兽派风格的作品。1920年画的《白夜、内心煎熬的自画像》具有塞尚最后一幅肖像画的特点。 通过展示这些不为人熟知的作品,奥赛博物馆的回顾览将它们的作者置于一个开放的绘画史中。而从历史上来说这是恰如其分的:蒙克经常旅行,且常常远离他的家乡挪威,在巴黎和柏林都驻足停留了好几年,并在欧洲的这两个大都市和其他欧洲国家展出作品。他观察同时代的画家,从莫奈的印象派到马蒂斯的野兽派,甚至可能还看过康定斯基的作品。他还阅读了大量他那个时代的戏剧文学作品和尼采的著作。 因此,本次回顾展所展示的是在工作室里正在创作的蒙克,可以近距离观察。但他画的是什么呢?是他所有同时代人生活中都有的共同点:同样的欲望、同样的焦虑、同样的幻想、同样的失败。而所有这一切从一开始就不断地,有意识地从亲密的特殊走向一种视觉的精神分析。
    9/26/2022
    5:56
  • 法国画家Luca Simonini和旅法中国画家张鹏的作品联展——水墨有情
    法国艺术家卢卡·西蒙里尼 (Luca Simonini ) 和中国旅法艺术家张鹏的联合画展《水墨有情》九月八日傍晚,在巴黎三区的圣·马丁空间开幕。 西蒙里尼家学渊源,子承父业,四十多年来,主要从事舞台布景创作设计,曾为巴黎歌剧院、维也纳歌剧院的舞剧演出创作绘制大幅布景,但他从没有放弃自己的个人绘画创作,所以西蒙里尼的生活一直被这两种艺术创作所支配。本次展览展出的是近年来,西蒙里尼创作的的个人绘画的二十多福作品。   张鹏是西蒙里尼的助手,曾就读于大连轻工大学艺术设计学院,和鲁迅艺术学院视觉传达设计专业,获得鲁艺的学士文凭。与西蒙里尼的艺术工作室合作已经有十几年了,两人在艺术理念、创作上的相互交流从相识开始就非常融洽、和谐。本次展览展出了十几幅张鹏的作品。 本次展览的中文名字是《水墨有情》,不言而喻是水墨技法的作品,但法语名字《 ENCRES SYMPATHIQUES》这个词就很有意思了,就此西蒙里尼解释说:这既有字面上的意思:水墨和喜悦、惬意,也因为这个词在法语中是个双关语,是隐写墨水的意思,用隐写墨水写的字必须用火烤或是其他方法才能显现出来。取这个名字当然是有个文字游戏在里面,也就是说有形的和无形的,或是隐形的变成显形的,作为画家,我的绘画创作就是要让那些隐形的变成显形的。从一条鱼、一只鸟或是其他主题中寻找、萃取它的诗意,然后用最简单的方式呈现出来。 本次展览中,西蒙里尼的作品主要是黑白两色的水墨创作,而张鹏的作品则是色彩纷呈。为什么是这样的选择呢?西蒙里尼表示:可以说这是两个相互回应的世界,我邀请张鹏和我一起分享展览, 是相识13年来,在艺术创作上的一个高潮,因为我们俩都喜欢水墨,而且我觉得让两个世界面对面相互对照、比较会更有意思,我们经常讨论,但以前总是我自己一个人的各展。为什么使用色彩,这恰恰是黑白之外的另一个观点,另一种思维方式。在我的画中,也有用到一些色彩,但是不多。我的作品主要是水墨。这次展出的也主要是水墨作品。 那么为什么对水墨技法情有独钟呢?西蒙里尼表示:这种技法之所以吸引我,一点、一点在我的个人创作中成为主要使用的技法。要知道我来自舞台美术,创作巨幅的舞台背景,说起来有些荒谬,舞台背景非常大,如巴黎歌剧院的背景布就有二十到二十六米宽,水墨和舞台美术的两种技法有什么相同点呢,那就是创作时的一挥而就,一笔就是一笔没有废笔。因为背景布需要卷起来,所以颜料的图层就不能多、不能厚,不然卷起来的时候,颜料就会龟裂而被损毁,这就使得在绘制的时候,笔触在一开始就要非常的肯定、准确,最大程度上达到需要的效果,这是实践多年后的一种技能,是职业的基础,决定了名气与否的价值。水墨技法也是一样的,中国水墨下笔无悔,尤其是在宣纸上作画,在水彩纸上就更是如此,笔触必须非常的肯定、唯一,就像中国的书法作品,必须一气呵成。吸引我的正是这一点,这种自发的、快速的创作,展现了创作主题的本质。 张鹏先生在本次展览中展出的没有水墨作品,基本上是抽象画作,混合使用的了多种颜料和绘画技巧,有中国国画颜料,西方的水彩和丙烯颜料,此外使用的纸张也不尽相同,选择了在水彩纸和油画布上的创作,效果与西蒙里尼的宣纸水墨具象作品截然不同,笔触在画纸和画布上留下的效果既有材质的颗粒质感,又有国画中深远的意境。 本次展览免费对公众开放,到十月份结束,有兴趣的观众可以前往一观。     圣·马丁空间(Espace Saint Martin), 地址: 199 bis Rue Saint-Martin, 75003 Paris
    9/12/2022
    6:24
  • 里尔艺术宫的全新布展令中世纪和文艺复兴时期作品焕发青春
    在法国北部城市里尔的里尔美术宫,馆藏的中世纪和文艺复兴时期作品曾在博物馆的地下层展出,但是效果很差。为此博物馆将藏品全新布置展出,全新的布展可以说是一次革命。首先,将第一个展厅布置成了基督教基础教义的课堂,但又没有丝毫冒犯那些熟知圣母领报或耶稣变容等圣经内容的人。因此,12世纪的雕饰洗礼池、或是15世纪祭坛画上的洁白石膏板,被放映的帕索里尼或德雷尔的电影片段照亮,品味高雅,避免了齐费里尼的影片中耶稣基督的甜腻生活...... 观众被一步步引向一个绝对奇特、近乎令人震惊的场景,如这幅由让-贝勒冈布创作的三联画神秘浴场中的一幅,可以追溯到1510年代,画面上男人和女人欢快地在泡在一缸血水中,而这些血是从被钉死在十字架上的耶稣基督的身体里流出来的。 博物馆策展人索菲·杜泰莱·德·拉莫特(Sophie Dutheillet de Lamothe)以极大的智慧,成功地与观众分享了中世纪和文艺复兴时期人们的一些心态、以及看待世界的方式。策展人成功地展示那些以当代创作方式难以解读的作品。玻璃展柜里摆放的中世纪灵位,就像放在藏宝室里一样,旁边是杰弗里-亨德里克斯的作品《通灵宝盒》,1970-1972年制造的一个塑料盒,是布列塔尼现代艺术收藏机构(FRAC Bretagne)的藏品。 修复观感  文艺复兴早期雕塑家多纳太罗的作品《希律王的盛宴》是博物馆的馆藏代表,全新的布展让多纳太罗在1435年左右,用大理石雕刻的这件作品非常出众:一束束灯光巧妙地呈现了浮雕精巧、细腻的层层递进,强调每个细节的深度,士兵手持的武器,具有强大透视效果的建筑,莎乐美的舞姿和脸上起伏的面纱。当然,在作品创作完成的时代没有人是这样观赏它的,但是今天的照明,将多纳太罗的作品变成了一件真正的"装置"艺术,将故事场景完整地呈现出来,再次引起观众的赞叹和惊讶,就像是修复了作品的观感、欲望。这可能会让一些纯粹主义者不安地跳起来:可只要关掉新打上去的光束就可以让他们的心放回肚子里。古老的艺术变成了日常物品:一副木制眼镜丰富了这堂视觉课。来自军械博物馆的一套古代盔甲,有助于观众了解卢卡斯-克拉纳赫(Lucas Cranach)的油画作品《嘲笑基督》中一名军人的姿态。许多的不那么出名的博物馆藏品中,有一些此前留守在仓库里,现在它们终于可以展出,且变得很有意思,例如,让观众了解 12 世纪默兹珐琅师的精湛技艺,或是奖章雕刻师的精致作品。和巴黎克吕尼博物馆展厅的新布置一样,如此的美丽、丰富,但两相比较,又显得是如此的素雅的和古典! 在参观的最后,砖墙上挂有一个屏幕,散发出意大利大师们使用的所有色彩。播放的是一部电影。1977年出生的电影导演安迪-盖里夫(Andy Guérif)花了七年时间,重拍了《耶稣受难记》的26个场景,有演员参加,按意大利锡耶纳大教堂里著名的《圣母、圣婴和天使》(Maestà)设计的布景、服装,影片画面是一幅幅栩栩如生的真人秀:在最后一刻,画面定格在杜乔·迪·博尼塞尼亚这幅杰作上。此时,观众可以意识到,自己刚刚身临其境地窥到了14世纪初的某一个时刻,睁大眼睛看着对他们来说是从文字转为画面的新约福音,可这并不矛盾,观众只是经历了一次让人记忆深刻的当代艺术体验。
    9/5/2022
    5:45
  • 法国"时尚":波尔多展出千姿百态的折扇
    如果说作为解暑纳凉、享受清风的必用品,折扇每年夏天都会回到人们的掌心,但这并不总是它的唯一用途。在中国折扇是文人墨客的心头好,在扇面上自由挥洒,一展胸怀,受到人们的追捧。在红楼梦中有关折扇的细节就非常之多,如黛玉误会宝玉,将自己给他做了一半的扇袋给铰了,贾雨村为讨好贾家,胡乱按了个拖欠官银的罪名,把石呆子收藏的二十把名贵折扇全部抄来送给贾赫,当然还有晴雯撕扇。和在中国一样,折扇也曾风行欧洲,作为抢眼的时尚配饰,更得到上流社会女性的欢心,可又不仅仅如此,它已经成为了一种时尚艺术品。 目前在法国西南部大城市波尔多的阿基坦博物馆,正在为这一历史丰富的时尚配饰举办展览,自6月16日开始,名为"时尚之风(L'air du temps) "的展览,通过展示从17世纪到21世纪制作的近1000件精美折扇,向观众提供了一次原创的审美旅程,展品的来源主要来自于波尔多的两位收藏家Jean Suire和Patrick Lorient的收藏系列。 据博物馆总策展人兼本次展览的策展人Geneviève Dupuis-Sabron的说法,完整的收藏系列拥有2600把扇子,这让它成为 "欧洲最重要的折扇收藏之一"。她指出:折扇是人们熟悉的家用物品,但实际上它又鲜为人知。 展出的折扇有的素雅、有的张扬,有的小巧、有的巨大,用精美的蕾丝、皮革、羽毛、薄纱或欧根纱制成扇面,扇骨的材料有木质、动物的骨头、贝壳或是象牙,嵌上螺钿,使用金箔或银箔的贴金工艺装饰,绣缀上各种亮片。 说起扇子的原始功能当然是烧火和驱赶昆虫之用,早在古代就有迹可循,如在古埃及。文艺复兴时期,折扇由葡萄牙人从中国进口,在18世纪盛行欧洲,特别受到女性的欢迎。 策展人Geneviève Dupuis-Sabron告诉法新社:"在当时,折扇是服装、首饰或展示魅力的配饰,受到贵族们的高度重视,可以成为一件真正的艺术品。"是精致、奢华和社会地位的标志,反映了使用者的个人品味,可折扇也有自己的故事......例如,它专门用于订婚或婚礼的仪式,亦或是给守寡的人用。 几个世纪以来,折扇记录了欧洲艺术流派的延续和时尚的不断变化,但同时也映照出当时的历史和舆论。展览策展人Dupuis-Sabron女士解释说:"折扇可以代表时事,甚至具有传教的作用。" 如同画家的画布,一些折扇的扇面上画了一些重大事件,如1783年的第一次热气球飞行、1789年攻克巴士底狱,一些军事战役的胜利,或是19世纪末的法俄联盟。 在展览的一楼,展出的是个五颜六色的折扇节,扇面上印着各种广告。策展人介绍说,在折扇上印广告是从19世纪末开始盛行的,特别是在第二次世界大战之后,这当然是为了 "推广产品或品牌",可对那些用于 "奢华炫耀 "的折扇来说,这无疑是非常跌份的。 折扇和昔日的海报一样,大力为香烟、啤酒、白酒和软饮料、糖果、巧克力以及其他杂货、餐馆、旅游度假区、百货公司甚至铁路、航运或航空公司进行广告宣传。 自2020年以来,制扇技术已被联合国教科文组织列为世界非物质文化遗产。少数历史悠久的制扇坊,如巴黎的Duvelleroy,正在悠然延续自己的传承。 虽然过时了,但折扇正经历着某种审美兴趣的复兴。策展人还笑称:"像今年这样的高温天气,折扇肯定是最保护生态环境的降温方式......"。 本次展览将持续到11月20日结束,之后两位收藏家将会把借出的部分展品捐赠给阿基坦博物馆。有兴趣的朋友不妨前往一观。
    8/29/2022
    5:59
  • 尚蒂伊季节展:居于版画艺术巅峰的丢勒
    通过将丢勒的版画和素描与他同时代画家的作品放在一起展出,巴黎北部的尚蒂伊孔代博物馆向观众展示了一些令人惊叹的传世佳作。 博物馆在它的游戏厅(Jeu de paume)展厅,按时间顺序展示了馆藏的丢勒作品,其中包括最初由路易十四的重臣科尔贝,为路易十四购买的40幅版画和8幅素描,以及保存在法国国家图书馆的100多幅版画和大约20幅素描。尚蒂伊城堡的本次展览给观众提供了全面了解德国大画家丢勒(1471-1528)的机会。因为丢勒是最好的绘画大师之一,一位能创作出巫魔夜会或浪子回到农场并在猪群中祈祷画面的前瞻者,同时也是一位道德高尚的人文主义者和虔诚的信徒。简而言之,他既是一盏明灯,也是一位圣人。 除了仅有的两次出国旅行,在家乡纽伦堡,丢勒早已是声名远播。可欣赏他全部作品的机会很少,由此,当他的作品《圣约翰启示录》,展现在人前时,由15幅木板画并列摆放的作品令人印象深刻,尤其是作品中的七个脑袋的龙、被诅咒的灵魂和火焰雨,另外他的一幅《圣母的生活》与拉斐尔未来的版画雕版工马尔康托尼奥-雷蒙迪的临摹对比展出,以及他的《耶稣大受难》。展览绝对是值得一看的。 普世天才 在父亲安排下,丢勒在印刷业摇篮之一的纽伦堡,接触了钢笔画和雕版画,而且他的教父就是一位很大的印刷商。在素描以及木版和铜刻版画方面丢勒都非常出色。在他生前,他绘画的手被认为是普世天才。在半暗的光线下,版画的线槽确保了观众对画作的观赏。更妙的是,在几张没有署上他简写名字 "AD "字样的画纸上,人可以看到他的绘画成就在多大程度上超越了他的偶像马丁·施恩告尔(Martin Schongauer )。 这既体现在他的线条的精确性上,也体现在他肆无忌惮的艺术创造力上。因为在展览中,不要奢望看到罕见的性感女性裸体作品,乡村和村落的背景也只有像邮票大小,但在那里有一个完整的世界,所有的人都在,或是奇妙构思的柔软织物,观赏效果令人炫目,让人浮想联翩。而,施恩告尔创作的《圣安东尼》中的恶魔在当时曾被喻为绘画天花板! 展览还显示了丢勒是如何很快超过他的导师迈克尔-沃尔格姆特的,以及他的爱徒汉斯·巴东·格里恩又是如何从未能与他平起平坐的。最后,展览解释了丢勒的声誉是如何远播全欧洲的,由于他的经验和对意大利绘画的了解,他的声誉上升到了与达芬奇比肩的程度。 敏感与活泼 与达·芬奇一样,丢勒也试图以类似的敏锐度来探索甚至超越自然的秘密。从这个角度来看,与达芬奇一样,他的自画像以耶稣基督的形象展示也就不足为奇了......,两人虽然从没能会面,但是两人间曾通信、并交换了各自的作品,丢勒阅读普林尼和维特鲁威的书籍,完善自己在光学、解剖学以及包括炼金术在内的各种学科和技术方面的知识。这使他对枕头的皱褶、蓝乌鸦羽毛的细微之处,或是对野兔近乎摄影作品般的精心绘制进行了研究,这些仅仅是收藏在维也纳、慕尼黑或世界上其他大博物馆里的一些精彩作品。 但是,与达·芬奇相比,丢勒更具有复制和传播作品的意识,其实拥有这种意识的榜样,可以说是佛罗伦萨的画家安东尼奥·德尔·波拉约洛和德里亚·曼特尼亚;对丢勒佩服的五体投地的威尼斯画派的画家——雅各布-德-巴尔巴里也培养了这种品质,这些意大利画家的作品也在本次展览中占据了重要位置。 正如所见,丢勒的权威最终在卢卡斯-克拉纳赫的,甚至是在卢卡斯·德·莱顿的作品中得到了体现。在生命中最后的一段时间,丢勒前往荷兰向当时新的欧洲之主哈布斯堡家族宣誓效忠,尚蒂伊博物馆收藏了这次旅行的速写手册中的三页纸,这三页画纸已经在黑暗中沉睡了20年。每张画纸的两面都用钢笔画满了画,特别是,可以欣赏到在某个驿站遇到的年轻美女的头像,她可能是旅店老板的妻子或是女儿。这张在现场捕捉到的速写面庞是如此的生动,五官的线条精准地显示出人物的心理,至少它可以和挂在旁边的马克西米利安一世、腓特烈贤者或伊拉斯谟等名人的肖像媲美。从一个皇帝的肖像到一个无名女子的面庞,丢勒展示出自己不凡的一生。   "丢勒. 版画和文艺复兴(Albrecht Dürer. Gravure et renaissance )",尚蒂伊孔代博物馆(60),直到10月2日结束。展览目录288页,35欧元。在版画艺术展室(Cabinet d'arts graphiques)还可以看到:《Clouet à la cour des petits Valois》。目录,96页,19,50欧元。电话:03 44 27 31 80。
    8/22/2022
    6:38

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