CULTURA

A décima edição da Biam (Bienal Internacional das Artes da Marionete) acontece em maio na região parisiense, com 40 espetáculos do mundo todo. Com shows voltados principalmente para o público adulto, o evento é um dos principais da França. Alguns espetáculos trazem temas atuais, como "Babylon", que fala sobre a crise dos refugiados. “É uma espécie de vitrine da criação contemporânea da marionete”, explica Frédérique Miget, administradora do teatro Le Mouffard, que organiza o evento. “Recebemos cerca de 40 espetáculos vindos dos quatro cantos do mundo, durante um mês, na região parisiense. Além deste festival, há um outro festival importante em Charleville-Mézières, que existe há uns 20 anos. Na Europa há muitos festivais internacionais, principalmente na Alemanha, onde a marionete contemporânea é bastante atuante”, diz Miget. O mundo das marionetes e fantoches é vasto. De bonecos articulados movidos por fios, fantoches ganhando vida através de mãos no interior ou personagens em tamanho grande acompanhado pelo marionetista em cena, o que vale é a criatividade, não só na forma, como no conteúdo. Marionetes desde a Antiguidade As marionetes aparecem já na Antiguidade, no Egito, Grécia e Império Romano. Na Ásia, os bonecos manipulados também marcam presença e se espalham pela Índia, Ceilão, Birmânia, Indonésia, mundo persa e antigo império turco. Na China, há indícios de marionetes há três mil anos, segundo historiadores. No Japão, o Bunraku nasceu no século 16 e se tornou tradição e forma de arte conceituada. Em cena, bonecos delicados e refinados são manipulados por pessoas vestidas de negro, enquanto a história é contada por um narrador, acompanhado por tocadores de shamisen, um tradicional instrumento de cordas. Temas da atualidade “Babylon” é o novo trabalho do australiano Neville Tranter, radicado há 40 anos na Holanda. Nome conhecido do meio, ele é um "one man show". Em cena, sem nenhum efeito especial, ele manipula seus personagens, dando voz e caráter, arrancando risos e exclamações animadas da plateia adulta, pois as crianças são exceções em seus espetáculos.   “É meu trabalho mais recente e eu queria lidar com o tema dos refugiados, mas tinha que encontrar uma forma de contar a história de uma forma diferente da que ouvimos nos noticiários. E para isso escolhi um cenário bíblico”, explica. A história se passa numa praia do norte da África, de onde vai sair o último navio em direção à terra prometida, “Babylon”. Há passageiros de todos os tipos, incluindo refugiados e até Deus, que quer impedir o embarque de seu filho Jesus. Tudo sob a espreita do diabo. A produção, da concepção da ideia, até a estreia, passando pelo desenvolvimento do texto e confecção dos bonecos, foi realizada em dois anos. Agora, é pé na estrada, com várias apresentações previstas pela Europa durante o verão no hemisfério norte. A Bienal Internacional das Artes da Marionete acontece até 29 de maio de 2019 na região parisiense. Veja abaixo um trailer do espetáculo "Babylon":  

O festival de Cinema de Cannes é conhecido por sua Palma de Ouro, principal prêmio da festa da 7ª Arte na Riviera Francesa. Mas o evento também celebra, desde 2010, os filmes de temática LGBTQ com a "Queer Palm", uma seleção que ganha cada vez mais peso e que, esse ano, traz dois brasileiros no júri. Não se trata de uma mostra paralela, como "Un Certain Regard" (Um Certo Olhar) ou "Quinzaine des Réalisateurs" (Quinzena dos Realizadores), e sim de um prêmio concedido a filmes que fazem parte das diferentes seleções, mas que respondem aos critérios da "Queer Palm". Entram nessa categoria as produções que tenham personagens LGBT, histórias ou intrigas LGBT, ou simplesmente “um ponto de vista queer e diferente sobre o mundo”, como define o fundador do prêmio, Franck Finance-Madureira. “Nos parecia importante que o maior festival do mundo levasse em conta e valorizasse também os filmes que evidenciam as temáticas queer, LGBT e tudo o que quebra os códigos de gênero”, explica. A Palma Queer segue os passos do "Teddy Awards", principal prêmio sobre cinematografia LGBTQ do mundo, que acontece desde 1987 na Berlinale, o festival de Cinema de Berlim. Como na Alemanha, os organizadores do evento da Riviera Francesa assistiram a evolução do cinema queer, com um número cada vez maior de produções. “Tem uma nova geração chegando na mídia e no cinema que não quer mais se calar e quer contar suas próprias histórias e seu ponto de vista sobre o mundo. Eles estão cansados dessa dominação heterossexual e de um mundo completamente heteronormativo. É interessante que tenhamos pontos de vista diferentes daqueles emitidos pelos homens, brancos, de mais de 50 anos, e que, finalmente, gays, lésbicas, trans e as minorias étnicas possam ter uma voz na mídia, nas artes e no cinema. Chegamos a um momento de transição em que, quem sabe, a diversidade vai começar a existir de forma mais visível”, insiste Finance-Madureira. Brasileiro competindo, mas também no júri Esse ano 19 filmes foram selecionados. Tem tramas como “Dor e Glória”, de Pedro Almodóvar com Antonio Banderas no elenco, "Rocketman", de Dexter Fletcher, sobre a vida do cantor Elton John, ou ainda "Port Authority", da americana Danielle Lessovitz, sobre um jovem que muda para Nova York e descobre não apenas o mundo do voguing (estilo de dança urbana das boates gays nos anos 70), como também se apaixona por uma mulher trans. O Brasil está bem representado nesse edição, com dois longas na corrida pelo prêmio. O primeiro deles é "Bacurau", de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, que concorre pela Palma de Ouro e entrou na competição da "Queer Palm", entre outras, pela interpretação de Silvero Pereira, uma espécie de justiceiro com ares de Lampião trans. Já o documentário “Indiana”, de Chevalier-Beaumel e Marcelo Barbosa, vem da mostra ACID, uma seleção paralela organizada pela Associação de Cinema Independente e que reúne cineastas engajados. Além dos filmes na disputa, a "Queer Palm" desse ano tem também dois brasileiros no júri. Os gaúchos Marcio Reolon e Filipe Matzembacher, diretores de Tinta Bruta, que ganhou o Teddy em 2018. “É um prêmio muito importante, principalmente porque acontece em Cannes, que é um festival tão diverso, com filmes de várias localidades do mundo, com diferentes vozes”, comenta Matzembacher. “Estamos muito ansiosos, pois o 'Queer Palm' já teve vários realizadores que nós admiramos, seja fazendo parte do júri ou que foram premiados. Serão dez dias de muito cinema e boas conversas sobre o assunto”, completou. Preconceito entre patrocinadores Apesar do entusiasmo do brasileiro, a "Queer Palm" ainda tropeça no preconceito. “Por enquanto nenhuma grande marca aceitou patrocinar o prêmio, mesmo após nove anos de existência”, relata o fundador; “Ainda é muito complicado na França fazer com que uma marca se mobilize por esse tipo de evento”, comenta. Atualmente a Queer Palm conta com apoio agências do governo francês que lutam contra a discriminação, além da parceria do Centro Nacional do Cinema. Mas o evento ainda sofre financeiramente para sobreviver, apesar de fazer parte de um dos festivais de cinema mais glamourosos do mundo.

“Coup de Foudre” em francês quer dizer, literalmente, “golpe de um raio”. Mas como expressão, significa “amor à primeira vista”. A mostra “Coup de Foudre”, em Paris, pretende trabalhar as emoções geradas por esse fenômeno sentimental através de uma exposição imersiva e interativa, com muitas cores, texturas, sons e imaginação. A mostra acontece na Fundação EDF, no centro de Paris. Logo no amplo hall de entrada, as paredes são decoradas com fantasias esdrúxulas. São roupas de noiva, sapo, padre,Papai Noel, esqueleto, homem-esponja. Ou ursos gigantes que inflam, casulos, casacos-bola, entre outras estranhas vestimentas. O visitante pode vestir o que quiser e dançar, ou perambular pela exposição a caráter. Os autores são a dupla de artistas Fabrice Hyber e Nathalie Talec. O flyer fala em “exposição-obra total, intensa e breve”. Hyber explica que o espaço “é para ser explorado, vivido, transformado, compartilhado. É uma imersão permanente, seja pelo som ou pelo silêncio”. “A exposição foi montada para trabalhar com as emoções”, diz Talec. “Aproveitei para criar abrigos emocionais na forma de roupas. Podemos vestir as roupas, que são quentes, cobrem bem. Elas isolam, e ao mesmo tempo nos cobrem com uma sensação de serenidade”, explica a artista. As paredes das escadarias são cobertas por palavras, sensações, emoções. No andar de baixo, o escuro predomina, com labirintos e salas escuras. Projeções mostram os dois artistas correndo, num pega-pega infinito em que um aparece e depois o outro some. “O subsolo se chama ziguezague, a gente aparece e desaparece como raios e podemos ouvir o barulho deles também”, conta Fabrice Hyber. No andar superior, um mezanino abriga espaços separados por divisórias de tecido, com recintos diferentes. “É o local onde podemos descansar, nos aproximar, num local confortável, em cabines decoradas. É para entrar, se sentar, aprofundar a relação”, explica o artista. “Em torno da ideia de uma exposição sobre emoções, queríamos propor um spa de arte, onde a gente se relaxa para ver as obras, produzidas pelo nosso amor pela arte”, explica Nathalie Talec. A mostra tem várias programações para crianças, mas os adultos também exploram o espaço. Como o consultor Matthieu Martin, que veio no final do dia. “Foi uma experiência um pouco sinistra. Misteriosa. Conceber roupas especiais para expressar emoções é um conceito, uma abordagem interessante. Até aí, as bizarrices estão por todo canto. Vale a pena para quem quiser conhecer outras personalidades, outras camadas, pode ser legal”, diz.   A exposição Coup de Foudre fica em cartaz na Fundacao EDF, em Paris, até 20 de outubro de 2019.

A exposição “Rouge: art et utopie aux pays des soviets” (Vermelho, arte e utopia no país dos soviéticos), em cartaz no Grand Palais, em Paris, revela as expressões artísticas geradas pelo comunismo, da Revolução de Outubro de 1917 até a morte de Josef Stalin em 1953. Como deve ser a arte da nova sociedade socialista? Esta questão mobilizou os artistas logo após a Revolução Russa e influenciou a produção artística na União Soviética e do mundo. A mostra “Vermelho” reúne cerca de 400 obras emblemáticas deste período, que pertencem a museus russos ou ao centro Pompidou de Paris. Quadros, cartazes, fotografias, filmes, músicas, peças de teatro e maquetes arquitetônicas, todas as formas de expressão foram colocadas a serviço da criação de uma nova estética, contrária à arte burguesa, e de fácil acesso às classes populares. A arte como linguagem para educar o povo, propondo modelos de como deveria ser o futuro socialista. A exposição Vermelho conta a história da evolução artística na era soviética e levanta a questão sobre a politização das artes imposta pelo confronto entre inovações plásticas e imposições ideológicas. A mostra é dividida em duas partes. A primeira, logo após a Revolução de Outubro, chamada de produtivismo, é mais plural. Ela é liderada por diferentes grupos artísticos, em consonância com movimentos de vanguarda europeus, como o construtivismo. Um dos líderes desse primeiro momento é o poeta Maïakovski que publica com seus amigos futuristas o “decreto n° 1 pela democratização das artes”. A exposição atrai muitos jovens. A modernidade da arte soviética impressionou a estudante secundarista Adèle Sudre. “É muito interessante porque eles não tentaram catalogar a arte comunista. Eles tentaram mostrar uma faceta diferente e revelar a modernidade da arte soviética”, disse à RFI. Realismo socialista Com a morte de Lênin em 1924 e, principalmente, com o início da era estalinista, em 1929, a ideologia soviética transforma a arte em um instrumento de propaganda a serviço do regime que impõe sua estética oficial. Quem não se adaptava, era expurgado. O curador da exposição, Nicolas Liucci-Goutnikov, lembra que, com essa transição, dos anos 20 aos anos 30 do século 20, a União Soviética “passa de uma década relativamente pluralista para uma época em que Stalin controla o conjunto do poder e deseja também controlar a produção artística”. Segundo ele, “essa expressão artística vai se transformar em uma espécie de máquina de produzir imagens idealizadas. São modelos ideais de operários cheios de energia, de atletas entusiastas”. O nome dessa estética oficial é realismo socialista que é, na opinião do curador, “uma ficção". De acordo com ele, esse conceito "é uma palavra de ordem, uma vez que a ideia subjacente é que não é a realidade como ela é que é revelada, mas a realidade como ela deveria ser. É um realismo completamente sonhado”, acredita Nicolas Liucci-Goutnikov. Pura doutrinação A segunda parte da exposição foi a que mais marcou o historiador francês Saladin que achou a mostra assustadora: “A exposição mostra todas essas coisas assustadoras que nós, mais velhos, conhecemos. Ela é bem-feita, com obras magníficas e comentários históricos pertinentes. É necessário que as pessoas que não conheceram esse tempo, o conheçam. Ela é feita principalmente para os jovens. A mostra confirma o que sabíamos, que os artistas russos viviam o mesmo movimento que os artistas ocidentais e que eles foram todos liquidados, com a chegada de Stalin, nos anos 30”. O brasileiro Antonio Maximiliano Trez Filho, que vem todos os anos a Paris e visitou a exposição “Vermelho” vê na arte produzida na era estalinista pura doutrinação: “Eu não gosto do sistema. Ele traduz na arte exatamente o que ele era. Raros são os quadros a óleo em que você vê um sentido de liberdade de expressão. É isso que eu sinto, pura doutrinação.” O advogado, agricultor e administrador de uma cooperativa de crédito de Ribeirão Preto não gostou do que viu, mas acha a mostra válida: “Consegui ver obras que nunca teria acesso. Mostrem tudo isso ao mundo, ao Brasil principalmente, onde estamos passando por um período muito difícil de transição.” A exposição "Vermelho, arte e utopia no país dos soviéticos” fica em cartaz no Grand Palais, em Paris, até o dia primeiro de julho de 2019.

O apartamento-ateliê de Le Corbusier é um marco da arquitetura moderna. Ele ocupa o sétimo e o oitavo andar do número 24 da rua Nungesser et Coli, exatamente na fronteira entre Paris e Boulogne. Tombado pelo Patrimônio e administrado pela Fundação Le Corbusier, o local pode ser visitado e é uma verdadeira lição de arquitetura moderna. Charles-Edouard Jeanneret, conhecido como Le Corbusier, já tinha um certo renome quando aceitou o desafio de construir a própria casa. Todo o prédio foi imaginado pelo arquiteto franco-suíço, em parceria com o primo Pierre Jeanneret, e foi erguido entre 1931 e 1934. Como se constrói casas para pessoas felizes? Essa pergunta norteia o novo projeto que também levou em conta o entorno do terreno, que oferece muitas opções de lazer, com piscinas, estádios de futebol e quadras de tênis. Hoje, o estádio Parque dos Príncipes, do PSG, pode ser visto da janela. O prédio de apartamentos é o primeiro de Paris que tem a fachada toda envidraçada. Ele é uma referência do estilo aprimorado, humano e funcional de Le Corbusier, que influenciou arquitetos no mundo inteiro, e prosperou no Brasil com discípulos como Oscar Niemeyer e Lúcio Costa. A construção traz os cinco pontos da nova arquitetura que vão caracterizar várias obras modernas, a começar pelo emblemático edifício do Ministério da Educação e Cultura do Rio de Janeiro, que teve consultoria de Le Corbusier. Cinco pontos da arquitetura moderna A brasileira Claudia Weigert, guia e conferencista da Fundação, lembra a cartilha corbuseana : «O terraço-jardim faz parte dos cinco pontos da nova arquitetura de Le Corbusier, que ele vai empregar em todas as suas construções. Os outros pontos são as janelas horizontais, os pilotis, o plano e a fachada livres. Esse espaço aberto, sem nenhuma divisão, é muito moderno. E isso só é possível graças ao sistema “dominó”, que ele inventa em 1914. Dentro do apartamento, a única parede que a gente vai encontrar é a parede que separa a cozinha do quarto. Senão, ele é como se fosse um loft. Não tem separação nenhuma. Tem apenas as duas grandes portas de correr, que propiciam essa continuidade no espaço”, explica a conferencista. O apartamento-ateliê de Le Corbusier, um duplex de 240 metros quadrados, é muito claro, espaçoso e com um conforto precursor para a época: elevador, aquecimento, água quente, garagem, quarto de empregada e o famoso terraço. Muitos móveis são fixos, como a mesa da sala de jantar e a cama de casal, que tem a particularidade de estar a quase um metro do chão permitindo que, deitadas, as pessoas possam apreciar o horizonte. Todos esses elementos foram aproveitados em um outro projeto famoso do Le Corbusier, a Cité Radieuse, (Cidade Radiante), de Marselha. Restauração O edifício da rua Nungesser et Coli, assim como as outras 17 obras de Le Corbusier espalhadas por 7 países foram tombadas como Patrimônio Mundial da Humanidade, pela Unesco. Nessa época, a Fundação Le Corbusier, baseada em Paris, decide restaurar o apartamento-ateliê degradado principalmente por infiltrações: “O estado de degradação era importante. Era necessário restaurá-lo. Tínhamos inclusive previsto a restauração no plano de gestão, mas a inscrição no Patrimônio Mundial nos ajudou a ter o máximo de subvenção”, explica a arquiteta da Fundação, Bénédicte Gandini. O apartamento ficou fechado quase dois anos. No início, a grande questão: restaurar o apartamento original, de 1934, ou o apartamento que foi sendo transformado por Le Corbusier ao longo de sua vida e que ele deixou como herança em 1965? A segunda opção foi a escolhida, restituindo as cores que dialogam com a arquitetura, mas foram deixadas nas paredes marcas que ilustram algumas dessas mudanças. Um vídeo, que você pode assistir no final da matéria, registrou todo o processo da restauração, comparada a uma “pesquisa arqueológica”. Visitas redinamizadas A restauração redinamizou as visitas. Durante todo o ano de 2016, 2.560 pessoas conheceram o apartamento. Desde a reabertura, em meados de 2018, em sete meses 3.800 curiosos visitaram o local onde Le Corbusier morou e trabalhou nos seus últimos 30 anos de vida. Muitos visitantes vêm de longe, como a nova-iorquina Alice. Diretora de criação, ela achou muito “instrutivo conhecer o apartamento de um arquiteto que ela respeita e que não foi descaracterizado por outros moradores”. Véronique, apesar de morar em Paris, ainda não conhecia o apartamento. Ela trabalha no setor editorial e aproveitou o interesse de uma amiga chinesa para fazer a visita e ficou impressionada com o “lugar muito claro, de linhas simples e espaços bem definidos”. A jovem arquiteta francesa Pauline, que hoje trabalha em um escritório de arquitetura em Zurique, aproveitou a dica do chefe para conhecer o local. “Le Corbusier continua sendo uma referência. A escada, o apartamento não é nada burguês. É engraçado pensar que era aqui que Le Corbusier morava. Uma porta de entrada pequena no corredor de serviço. Sua modernidade é mais accessível, mais adaptada. Ele questiona o que é bonito, que podem ser coisas muito simples, é isso que quer dizer para mim. É muito inspirador”. O apartamento-ateliê de Le Corbusier pode ser visitado às segundas, quartas e sextas-feiras à tarde e no sábado.